Visite des tours de Notre-Dame

J'aurais pu focaliser cet article sur l’escalier à double révolution en chêne massif dessiné par Philippe Villeneuve, l’architecte en chef de la restauration de Notre-Dame, parce que c'est un chef d'oeuvre mais je préfère commencer "en douceur" en vous rassurant sur l'exercice qui, de loin, s'apparente à une prouesse sportive. Je veux parler de l'ascension des Tours de Notre-Dame dont le nouveau parcours de visite a été inauguré le 19  septembre 2025.

Je mesure ma chance d'avoir eu l'opportunité d'en avoir fait une visite exclusive avec cet architecte et Marie de Laubier, directrice des monuments de l’île de la Cité, parmi un groupe de Journalistes du Patrimoine et je vous renvoie à leur site pour en savoir davantage sur la restauration du monument. En particulier l'article de Catherine Lalanne qui a suivi l’intégralité du chantier pour Le Pèlerin. Bien entendu, vous trouverez d'autres publications, plus détaillées, sur le site de l’hebdomadaire.

Rendez-vous avait été donné au pied de la Tour Sud (à droite quand vous êtes face à la cathédrale) à une heure très précise parce que les montées sont limitées en nombre pour des raisons évidentes de sécurité (il faut d'ailleurs réserver son créneau de quart d'heure en quart d'heure). L'émotion était palpable pour tous ceux qui se rappelaient de cette fin de journée du lundi 15 avril 2019 et dont chacun avait un souvenir particulier. Pour ma part j'avais appris la nouvelle par une notification venant de l'étranger alors que je me trouvais aux Invalides pour la représentation d'une pièce de théâtre, Le désir attrapé par la queue et la visite en avant-première de l'exposition Picasso. L'information s'était propagée avec effroi alors que nous vérifions nos sources, tant c'était incroyable.

Nous étions prévenus que l'ascension nécessitait une bonne condition physique en annonçant  424 marches (donc 848 au total, auxquelles il faut ajouter celles du RER si on ne prend pas garde à le quitter par l'ascenseur qui émerge au 2 rue Xavier Privas et que je recommande tout particulièrement, et puis celles d'un retour arrière parce que les premiers d'entre nous étaient montés trop haut, trop vite, oubliant de s'arrêter en salle dite basse, soit une addition qui frôle le millier de marches).

Vrai et faux parce que très franchement la régularité des marches et le fait qu'il n'y ait qu'un seul sens de circulation (on monte par une tour, on redescend par une autre) atténue l'effort pourvu de progresser régulièrement. Et surtout, des indications mentionnent régulièrement où l'on se situe dans le parcours ce qui a un effet très encourageant. Vous remarquerez que sur l'exemple ci-contre il "ne" reste que 246 marches à grimper, sachant que les 178 premières n'ont pas provoqué d'essoufflement. Il existe aussi des bornes SOS pour appeler à l'aide en cas de besoin.

Enfin des arrêts intermédiaires ont été prévus qui permettent de "découper" le trajet en plusieurs étapes mais il n'est pas question pour autant d'y prendre racine, leur capacité d'accueil étant limitée à vingt personnes.

En dernier recours le personnel présent prévient de la difficulté de l'ascension du dernier étage par un escalier de pierre (plus étroit) et proposent de le court-circuiter en traversant directement la cour des Citernes, ce qui malgré tout prive du panorama du sommet à 260°.

C'est vraiment une "excursion" que je recommande. D'abord pour l'émotion de retrouver la cathédrale quasi comme on la connaissait, avec la vue saisissante sur la flèche restaurée et sur les silhouettes d'une hauteur 3,4 mètres des 12 statues des apôtres et 4 évangélistes réalisés par le sculpteur Geoffroy de Chaume à la demande de l'architecte Viollet-le-Duc en 1857, (par chance préservées puisqu'elles avaient été déposées juste avant l'incendie  en avril 2019 et rénovées entre 2019 et 2021 en Dordogne). L'une d'elles en particulier est émouvante, celle de Thomas -saint patron des architectes- aux traits de Viollet-le-Duc.

La flèche médiévale avait été démontée à la Révolution. Une nouvelle fut réalisée à partir de 1858, sous la direction de Viollet-le-Duc. C'est elle qui s'est effondrée lors de l'incendie de 2019, avant d'être fidèlement rebâtie en chêne et en plomb.

Leurs ombres se découpent joliment sur l'ardoise et on comprend que le remplacement des vitraux de six chapelles sur sept du bas-côté sud soit jugé scandaleux. L’hypothèse de leur remplacement n’a jamais été examinée par la Commission nationale du patrimoine et de l’architecture parce qu'ils n'ont pas été détériorés par la catastrophe même si le chantier de restauration a intégré leur nettoyage et leur consolidation.

Ils composent un ensemble cohérent conçu par Viollet-le-Duc, en fidélité à l’origine gothique de la cathédrale et quel que puisse être le talent de Claire Tabouret, connue pour être proche du collectionneur (et mécène) François Pinault, est-il acceptable que la volonté d'un président de la république soit supérieure au Code du patrimoine car évidemment ces vitraux sont "classés" ? L'histoire dira s'ils seront remplacées en décembre 2026, pour d'ailleurs la "modique" somme de 4 millions d'euros qui auraient pu être utilisés autrement.

Valjean ! avec Christophe Delessart

Christophe Delessart est habité par l’histoire de Jean Valjean depuis plus de quarante ans. Il ne se lasse pas d’en explorer les failles et les vertiges. Il est en ce moment sur la scène du Théâtre de l'Essaion.

Après une décennie de représentations au Festival d’Avignon et à Paris, la pièce revient dans une version revisitée, plus profonde et contemporaine. Avec un titre qui ressemble à une injonction. Une évidence. Ce retour marque une volonté d’offrir une immersion totale dans l’univers des Misérables et l’intimité extrême de son héros pour toucher un public toujours plus large. .

On a oublié en effet qu’il n’y a pas si longtemps on pouvait être condamné au bagne pour avoir volé une miche de pain. Aucun scénariste n’oserait écrire aujourd’hui une vie aussi dure.

L’homme multiplie les emmerdes autant que les succès. Il parvient malgré tout à s'élever dans l'échelle sociale, du bagne à la gloire discrète et éphémère, de l’ombre à la lumière, et surtout en passant de la haine à l’amour. Valjean est un des personnages principaux du célèbre roman Les Misérables de Victor Hugo que Christophe Delessart a adapté et réadapté, ce qui est une bonne chose pour nous qui avons une image de cet homme sans pour autant en connaitre toute l'humanité.

C'est ce à quoi s'attache le comédien, depuis la première version intitulée "La passion selon Valjean" en 1987. Il cherche à nous faire partager les luttes intérieures de ce personnage complexe, à la fois colosse solide et homme profondément vulnérable, sa recherche de justice et vivre son parcours de réparation.

Il en a la carrure et s'il a choisi délibérément le seul-en-scène il interprète aussi dans un décor épuré tous les rôles, faisant d'ailleurs joliment surgir Cosette avec sa poupée.

Christophe Delessart est aussi l'auteur de plus d’une dizaine de pièces et il a été notamment Rembrandt dans "Rembrandt sous l’escalier" de Barbara Lecompte. Enfin il participe à la transmission du goût des mots et de leur interprétation au sein de la société Le Quatrième Mur dont il est le fondateur. 

La mise en scène est d'Elsa Saladin qui fut d'abord assistante de Daniel Mesguich, Stéphane Bierry, Marion Bierry … Elle a mis en scène des classiques et du contemporain et a aussi une activité d'enseignante.

Valjean ! sera donné dans une version surtitrée en anglais pour permettre aux anglophones d’entendre le texte dans la langue d’Hugo avec une traduction simultanée en anglais mais je ne l'ai pas vu sous cette forme.

Valjean ! de et avec Christophe Delessart

Mise en scène Elsa Saladin

Recommandé à partir de 14 ans

Du 1er avril au 18 juin 2026 : mercredi et jeudi à 19h00

Du 3 au 25 juillet 2026 : vendredi et samedi à 19h00

Au Théâtre Essaion - 6, rue Pierre-au-Lard - 75004 Paris

Avec CLING ! la Bande dessinée parle cash à la Monnaie de Paris

C'était avant-hier, dans les salons historiques de l’Hôtel de la Monnaie de Paris. Qui aurait dit qu'on oserait y accueillir avec les honneurs Tintin, Astérix, Lucky Luke, Picsou, Batman, les Schtroumpfs, Gaston Lagaffe sans compter aussi les Freak Brothers, Lupin III, Blueberry, Corto Maltese ou encore des figures majeures du manga et de la BD "underground" ?

La Monnaie de Paris reste un lieu de production dans une usine parisienne en plus de celle de Bordeaux. C'est aussi un lieu patrimonial et culturel où l'on tire le fil de symboles comme vecteurs de lien social.

Avouez qu'elle est saisissante, en haut de l'escalier d'accès, la première reproduction, celle de Winsor McCay (1867-1934 aux États-Unis) Pennies into Dollars, Encre de Chine sur papier de 1933, publiée dans The Omaha Bee-News !

La raison en est que depuis plusieurs années, la programmation culturelle de la Monnaie de Paris explore les multiples dimensions de l’argent et la monnaie, qu’elles soient économiques, symboliques, artistiques ou sociales. En choisissant aujourd'hui la bande dessinée comme médium, on affirme la volonté de croiser les disciplines et surtout de s’adresser à tous les publics.

Cette fois, sur 650 m², le visiteur est invité à une traversée visuelle de plus de deux cents œuvres, issues d’une grande diversité de supports : planches originales, couvertures, films, œuvres patrimoniales et créations contemporaines qui dialoguent dans une scénographie signée Marine Brunet (Agence Soplo), avec un graphisme de Roman Gigou.

Sans verser dans les stéréotypes, on lui propose un récit transversal de l’histoire de la bande dessinée éclairé par huit figures archétypales commandées spécialement (de gauche à droite) à Ugo Bienvenu, Blutch, Coco, Florence Cestac, Nicolas de Crécy, Anouk Ricard, Thomas Ott et Catherine Meurisse et qui structurent le parcours et en constituent le fil narratif et scénographique à travers les archétypes "aventuriers, voleurs, épargnants, marginaux, milliardaires,  joueurs, faussaires et alchimistes".

C'est un des moments forts que de les découvrir en oriflammes, dans le Salon d'honneur (qui se fait aussi bibliothèque pour les visiteurs) si on songe que la Bande dessinée est entrée pour la première fois dans un musée (celui des Arts Décoratifs) seulement en 1964. Et le catalogue de l'exposition permettra d'en saisir tous les rouages.

Le Bourgeois Gentilhomme mis en scène par Jérémie Lippman

Les trois coups résonnent sous le plafond du Gymnase Marie Bell qui est tout à fait raccord avec le décor du Bourgeois Gentilhomme, magnifiquement mis en scène et dépoussiéré par Jérémie Lippman et une troupe formidable, danseurs y compris. Mention particulière à la merveilleuse Marie Parouty en Madame Jourdain même si son mari, interprété par Jean-Paul Rouve est touchant de candeur, tout autant que de ridicule, lui valant une nomination comme meilleur comédien aux Molières.

L’ensemble est moderne, respectant malgré tout les codes du passé. La musique est baroque. Les cannes martèlent la mesure. Le lustre brille. Les perruches sont ébouriffées. Costumes et mimiques évoquent joliment Lagerfeld chez le tailleur, et quand la musique suggèrera celle des défilés le public ne retiendra pas ses battements de mains. Les intermèdes dansés sont tous très jolis. Les chorégraphies sont épatantes, et leur place est légitime puisque la pièce est une comédie-ballet.

Jérémie Lippman dit avoir envisagé l'espace scénique comme une arène pour évoquer à la fois la piste d’un cirque et le manège des apparences. De fait chaque personnage y vient, tour à tour, présenter son numéro pour défendre ses intérêts. Ce cercle infernal, s’accélère au fil des scènes (et même les saluts sont personnalisés). La scénographie évolue, puis se métamorphose, suivant ainsi l’aveuglement grandissant du protagoniste.

Les costumes, fidèles à l’époque de la pièce, incarnent les travestissements, les ambitions et les mensonges de ceux qui les portent. Tantôt apparats, tantôt déguisements, ils sont au cœur de la supercherie collective.

La musique omniprésente, emprunte à Lully ses fondations baroques. Elle se jouera, elle aussi de ce double jeu : elle guide, suggère, trahit, fait éclater le comique. À des moments clés, elle s’échappe du XVII° pour glisser vers des sonorités plus contemporaines, soulignant par contraste l’absurdité ou la modernité des situations.

Les ballets, accompagnent ces compositions et accentuent la frénésie et l’exaltation du ridicule, où le corps exprime ce que les mots dissimulent. Ils portent à leur paroxysme les illusions de grandeur de Monsieur Jourdain.

Est-ce que les gens de qualité font ci ou çà, portent ci ou çà, aiment ci ou çà ? Ne raillons pas les interrogations de ce bourgeois qui ressemble à s’y méprendre à tous les moutons qui suivent les influenceurs des réseaux sociaux.

"On veut toujours être quelqu'un d'autre, on aspire toujours à ce qu'on nous trouve mieux", a dit en interview Jean-Paul Rouve. Il confie avoir lui-même connu un sentiment d'imposture en arrivant de Dunkerque à Paris et avoir nourri son personnage de son propre parcours : "Tu as l'impression que tu es d'un milieu inférieur, c'est d'autres codes sociaux, d'autres façons de parler, d'autres goûts, d'autres rapports à tout. Donc il m'arrivait de mentir en disant 'oui, j'ai vu ça', de dire 'ça j'ai aimé, alors que je n'avais pas aimé', et de cacher mes véritables goûts".

Le comédien établit un parallèle avec la saga des Tuche, tout en nuançant : "Jeff Tuche ne change pas. Il vient dans un monde qui n'est pas le sien et au lieu de vouloir s'adapter, il vient avec son monde à lui et il va perturber le monde de l'autre. Alors que le Bourgeois, lui, veut s'adapter. Il a l'impression qu'il y a un monde qui est mieux que le sien et il veut appartenir à ce monde. Mais ils ont quand même tous les deux une part d'enfance très présente."

Combien de pères aujourd’hui ne pourraient pas se reconnaître dans le reproche : vous n’êtes pas gentleman, vous n’aurez pas ma fille quand leur progéniture annonce une union en dehors des attentes familiales ? Le désir de s’élever socialement n’est pas aussi ridicule qu’il y parait. C’est universel et près de quatre siècles après sa création au château de Chambord en 1670, Le Bourgeois Gentilhomme continue de faire rire et de questionner notre rapport aux apparences et à la légitimité sociale.

On déguste la conversation débattant de prose et de vers. Le rire de Nicole est contagieux quand elle estime que la maison est Mardi-Gras tous les jours. Le travail sur les voix et les accents est excellent. C'est un très beau travail de troupe longuement applaudi par un public conquis de scène en scène.

Traité avec une forte originalité, des parti-pris esthétiques tranchés sans pour autant dénaturer la pièce que nous connaissons bien. Il ne fait pas de doute que Jérémie Lippmann assisté de Sarah Gellé et Sarah Recht (qui ont également travaillé avec lui sur Les souliers rouges et Bungalow 21) sait s'entourer de talents.

Il n’y a pas longtemps, trois ans seulement Le Bourgeois gentilhomme, mis en scène par Christian Hecq et Valérie Lesort à la Comédie-Française, avait reçu le Molière du Théâtre public. Je me souviens de celui de Marcel Maréchal que je qualifiais de "régal". Il n’empêche que ceux qui bouderont la version de Jérémie Lippman se priveront d’un grand plaisir.

Le Bourgeois Gentilhomme mis en scène par Jérémie Lippman
Scénographie et décors : Jacques Gabel
Costumes : Jean-Daniel Vuillermoz
Chorégraphies : Tamara Fernando
Perruques : Catherine Saint-Sever
Musiques : David Parienti
Lumières : Jean-Pascal Pracht

Avec Jean-Paul Rouve, Jean-Louis Barcelona, Gauthier Battoue, Julien Boclé, Taylor Chateau, Michaël Cohen, Hugues Delamarlière, Eleonora Galasso, Audrey Langle, Joséphine Meunier, Florent Operto, Marie Parisot, Marie Parouty, Héloïse Vellard

Au Théâtre du Gymnase jusqu'au 2 mai 2026

Mais aussi pour une date exceptionnelle à l’Olympia le 24 janvier 2027

La photo qui n'est pas logotypée A bride abattue est une photo de © Tanguy Mendrisse, prise à la création de la pièce au Théâtre Antoine, en septembre 2025.

Et les nominations aux Molières 2026 sont …

Jean-Marc Dumontet, président des Molières, a profité de la conférence de presse d'annonce des nominations pour rendre hommage au soutien indéfectible de France Télévisions qui diffuse la cérémonie en prime.

Cette prochaine soirée qui aura lieu lundi 4 mai sur France 2, à 21 h 10 et qui sera réalisée par une femme, Patricia Rimond des Anges (Production toujours  Act4 Productions) est plus utile que jamais pour mettre en avant toute la créativité, certes forte, mais malmenée comme jamais avec les coupes budgétaires qui ont lieu un peu partout …

Jean-Marc Dumontet, producteur de théâtre pointilleux et reconnu, possède le théâtre Antoine, le Théâtre Libre, Le Point-Virgule, Le Grand Point-Virgule, Bobino et la Salle Gaveau (où avait lieu la conférence de presse). Il est co-propriétaire des Folies-Bergère. Et surtout, il préside depuis 2013 l’association des Molières. Il considère que malgré tous les aléas le spectacle est plus vivant que jamais autant dans le public que le privé mais que le besoin de relai reste essentiel. Il a souligné aussi qu’un théâtre populaire n’était pas incompatible avec l’exigeance.

De son côté Anna Holmes, directrice des programmes de France télévisions, a confirmé l’investissement du service public avec 150 pièces diffusées -dont 25 inédits- sur l’ensemble de ces chaînes, soit une augmentation de 15% par rapport à l’an dernier. C’est très important puisque chaque diffusion touche environ 7 millions de « spectateurs ». Et on peut se réjouir que l’audience de France 4 connaisse en la matière une croissance de 35%.

Après Courgette, Les gros patinent bien, Le retour de Richard 3 par le train de 9h24 on peut citer, rien que pour la semaine du 3 mai Bungalow 21, Une idée géniale, Du charbon dans les veines, Le repas des fauves, Un pas de côté et L’école de danse de Carlo Goldoni, avec la troupe de la Comédie-Française (tout le programme est détaillé ici).

Elle a confirmé qu’étant la vitrine de la création théâtrale française, en mettant à l’honneur celles et ceux qui font vibrer les scènes, la retransmission de la Cérémonie des Molières était le point d'orgue de la place du théâtre sur les chaines publiques. Mais comme dit précédemment l’action ne se limite pas à cet évènement, loin s’en faut. Cette seule soirée vise 1 millions de téléspectateurs, ce qui serait l’équivalent de 840 représentations aux Folies Bergère. Elle sera diffusée en léger différé, à 21 heures, depuis ce magnifique théâtre mais rien ne filtrera de le remise des premières statuettes avant 22 h 30 sur les réseaux sociaux.

Pour la troisième fois (non consécutive) Alex Vizorek en sera le présentateur et s’il n’a rien voulu révéler de particulier nous avons deviné qu’il y aurait des surprises de taille, et de l’humour bien entendu. Pour l’instant tout est encore à l’état de pistes et nous savons simplement que Jim Carrey ne pourra pas venir. faisons confiance à celui qui est tout de même à longueur de temps un jour sur trois sur une scène.

L’assemblée étant impatiente de connaitre les nominations ce sont Hugues Leforestier, directeur général et Gaëlle Billaut-Danno, une des administratrices, qui ont donné la liste des 46 spectacles distingués parmi les 225 éligibles et vous constatez que 7 d’entre eux figurent dans 3 catégories. On est loin du trust de certaines années par des pièces qui allaient jusqu’à 7 nominations comme Edmond, Courgette ou encore Le canard à l’orange …

Ce sont les 3800 électeurs qui votent, en s’exprimant généralement à 60% au premier tour et 70-75% au second. Il faut savoir qu’on n’est pas votant à vie et qu’on est exclu si on ne vote pas pendant deux ans. Les règles sont, on le constate, très strictes et rigoureusement appliquées.

Il y a des surprises dans la liste des nominations du fait que les spectacles sont soumis par les théâtres ou les producteurs, en justifiant du nombre de dates de représentations nécessaires. Certains ne souhaitent pas le faire et c’est leur liberté. Et s’il n’y a que 3 nominations dans la catégorie spectacle musical c’est parce que les titres proposés cette année étaient au nombre de 5. Il aurait été déraisonnable de tous les retenir.

Je suis allée chez Ypseli

J’avais rencontré Syméon Kamsizoglou et Delphine Pique à l’ambassade de Grèce à l'occasion de la présentation de leur livre éponyme, à la fois récit de voyage, guide culinaire et livre de recettes, que j'ai d'ailleurs déjà chroniqué ici.

La métaphore de la ruche, Ypseli en grec, leur va admirablement. Je ne sais pas si je parviendrai aujourd'hui à "tout" dire à propos du concept parce qu'il est aussi complet qu'un concept-store mais nous allons tenter.

Ypseli a trouvé sa place dans un bâtiment conçu par l’architecte François Constant-Bernard, qui présente sur la rue Réaumur une succession de travées identiques, très largement vitrées et encadrées de pilastres. L'espace de 600 m2 a permis d'organiser deux espaces indépendants, ayant chacun leur entrée et leur identité, pilotés par deux équipes dédiées. D'un côté le restaurant, sur lequel je reviendrai plus loin, de l'autre l'épicerie-taverne où le service est très convivial, sans service à table (mêmes s'il y a du personnel de débarassage). Avec aussi une longue terrasse sur le trottoir.

On peut encore voir une horloge spectaculaire à l’angle avec la rue Saint-Denis et si on peut toujours lire GOBERT-MARTIN au-dessus des vitres ce n'est pas le nom des occupants actuels mais ceux des fondateurs, Jean-Baptiste Gobert (1848-1921) et sa femme, Lucia Martin, fille de Félix Martin (directeur de grands magasins en Belgique).

A Réaumur fut un des premiers Grands Magasins à proposer des articles de confection de grande qualité à prix attractifs avant de lancer également la vente par correspondance, bien avant les grandes enseignes du Nord comme la Redoute (1922). Pourtant le succès fut de relative courte durée avec une fermeture dans les années 1960 mais les bâtiments ont été conservés.

L'inauguration de l'établissement parisien se fit en 1897 et en grande pompe en présence du président de la République, Félix Faure. A cette époque, la rue Réaumur est un véritable laboratoire d’une nouvelle architecture utilisant la charpente métallique et libérant ainsi de grandes surfaces vitrées. Entrons aujourd'hui côté épicerie.

Le Taboulé (en bas à gauche) et la Salade d'aubergines en bas à droite) composée d'aubergines, roquette, metsovone fumé, tomates cerises, oignon sont les premiers à être en place. Le comptoir est attrayant avec un grand nombre de plats parmi lesquels on compose sa salade (l'assiette qui est présentée en tête d'article en est un exemple) que l'on agrémente en fonction de son appétit en ajoutant fromage, brochette, légumes frits … des Kolokythokeftedes, qui sont des beignets de courgettes aux herbes bien gonflés (p.68), voire bien entendu une portion de moussaka. J’ai apprécié que les substances possiblement allergènes soient systématiquement  mentionnées systématiquement.

Si on est pressé on pourra opter pour un sandwich dans un pain pita. Les produits font la loi et la saisonnalité impose son rythme. Mais il existe des incontournables comme la Stanakopita, tourte traditionnelle aux épinards et à la feta, que je vous montre tout juste sortie du four. Elle était à l’origine préparée avec les herbes sauvages cueillies autour de chez soi. Depuis les épinards se sont imposés mais elle pourra aussi être faite avec des blettes.

Vous en avez une recette approchante p. 252. Il vous faudra des oignons, des épinards frais revenus, et des herbes aromatiques comme  persil plat, aneth et menthe et puis bien sûr de la fêta, qui sera émiettée à la main. Chez Ypseli on évite pour ce plat la pâte phyllo, préférant la faire à la main (un peu comme une pâte brisée finement étalée). En Grèce ça se grignote à toute heure, chaud ou tiède.

Et s'agissant d'un dessert la Karidopita (gâteau aux noix) sera toute l'année présente.

Comme sans doute le très classique gâteau à l'orange Portokalopita (de portokali orange, pita gateau) un dessert de grand-mère dont la recette est page 230 du livre Ypseli.

Devant de gauche à droite la brioche "Tsoureki" caramel, cannelle, chocolat, noisettes, puis le Halva à la semoule et aux fruits secs, cannelle, orange et huile d'olive, et la Galatopita, ou tarte au lait de brebis, qui est une sorte de flan.

Génération Barber mise en scène par Sophie Forte

Si on m’avait expliqué ce que Génération Barber avait d’originalité, d’intelligence et de virtuosité vocale et musicale au lieu de me brandir une affiche (peu engageante) j’aurais couru ventre à terre pour entendre, applaudir et danser avec ce quatuor hors normes. 

Il vous reste encore deux mercredis à 20 h 50 au théâtre Essaion pour vivre le phénomène et après il faudra prendre le train pour le festival d’Avignon où ils seront tous les jours à l’Arrache-coeur à 18 h 30.

Ce spectacle, éligible aux Trophées de la Comédie musicale dans 6 catégories dont mise en scène, livret, scénographie et collectif, mérite amplement de figurer parmi les nominés.

Je ne connaissais pas ce style musical né dans les échoppes de barbier de Chicago au début du XX° siècle où les clients, essentiellement des hommes, en attendant de se faire tailler la barbe ou les cheveux, entonnaient des chansons a capella, avec des harmonisations très sophistiquées. Ce style très particulier d'harmonie à quatre voix fut baptisé Barbershop. J'ignorais que Marie-Cécile Robin-Heraud, soprano, et Xavier Vilsek, basse et bruiteur hors pair avaient créé le Barber Shop Quartet, renouvelant le genre avec autant de malice que de virtuosité et en français s'il-vous-plait.

On est dans le registre de l’humour, du loufoque mais avec une telle maitrise du chant, de l’accompagnement et des bruitages que l’ensemble est une réussite totale. Le public est littéralement "enchanté", heureux de reconnaître de grands classiques comme le Boléro de Ravel qui dans le passé avait déjà été repris par Pierre Dac et Francis Blanche dans leur Parti d'en rire, tout comme leur inévitable Honneur aux Barbus, le petit bal perdu de Bourvil, mais aussi Sex Bomb de Tom Jones (pastiché en Ex-bomb), Mexico de Luis Mariano, une fabulette d’Anne Sylvestre, une évocation de Mozart, Fais comme l’oiseau de Michel Fugain, We Are the World de USA for Africa, le dîner de Bénabar, Hier encore de Charles Aznavour, sans oublier Zou bisou bisou, écrite par Bill Shepherd et Alan Tew pour la musique et les paroles en anglais, et Michel Rivgauche pour les paroles de la version en français en 1960 qui vous trottera longtemps dans la tête.

Il y a aussi de jolies images. On a tous remarqué comment une chanteuse d'opéra s'époumone en laissant les consonnes au vestiaire, et Marie-Cécile Robin-Heraud en fait habilement la démonstration.

Tous les registres musicaux se succèdent, comptine, yéyé, swing, jazz, folklore, rock, rap et j’en passe. Le rapport au public est excellent, l’invitant à participer de diverses manières, mais toujours avec bienveillance. C’est à voir, à entendre, à danser aussi. 

Sophie Forte a fait un travail très malin car elle donne du peps au Barber Shop Quartet en rafraîchissant leur coupe de cheveux par une mise en scène calibrée pile poil en puisant dans la malle aux souvenirs. Avec Marie-Cécile Robin-Heraud délicieusement ronchon, Xavier Vilsek champion en bruitages de tous poils, Clémence Paquier fausse ingénue, Damien Dufour bon camarade (en alternance avec Guillaume Nocture).

Démonstration brillante que l'humour musicale toute sa place pour réjouir un public averti … ou pas. Sophie Forte a écrit des textes très malins, très finement ciselés est ô combien brillamment interprétés a capella (sans aucun instrument ni bande-son), et sans autre décor que les vieilles pierres de la voute du Théâtre Essaion. Quel bonheur de swinguer avec ces artistes en partance pour une tournée internationale qui passera par l'Ecosse, le Texas, la Bavière, le Brésil … Si, si !

On espère que la troupe nous aura pardonné les applaudissements fracassants avec lesquels nous avons interrompu par trois fois une chansons en cours.

Génération Barber

Avec Marie-Cécile Robin-Heraud, Xavier Vilsek, Clémence Paquier, Guillaume Nocture, en alternance avec Damien Dufour

Mise en scène Sophie Forte

Au Théâtre Essaion - 6 Rue Pierre au Lard - 75004 Paris

Le mercredi à 20 h 50 jusqu'au 22 avril 2026

Le spectacle partira ensuite en tournée.

Première rétrospective de Henry Taylor en France … au musée Picasso

Le Musée national Picasso-Paris présente une exposition intitulée All you can do is tell the truth consacrée à Henry Taylor, artiste afro-américain majeur de la peinture contemporaine, conçue avec l’artiste lui-même, qui était d'ailleurs présent le jour du vernissage.

Déployée sur deux étages et treize salles, elle réunit une centaine d’œuvres -peintures, sculptures, installations- à travers lesquelles Henry Taylor explore la richesse et la complexité de l’expérience humaine. Qu’il s’agisse d’amis, de proches, de personnes anonymes ou de figures publiques, ses compositions proposent une vision vivante et profondément humaine de notre époque.

Taylor crée une œuvre originale, expressive et plastique, puissante. Il tisse des récits visuels qui mêlent trajectoires individuelles et réalités collectives, associant expériences personnelles, mémoire partagée et dialogues avec l’histoire de l’art. De plus, comme on le verra plus loins, ses relectures d’œuvres d’art inspirantes, notamment celles de David Hammons, Philip Guston ou, plus intéressant encore, Pablo Picasso montrent la manière dont il s’empare du passé pour réinventer le présent. C'est la première rétrospective de l’artiste en France.

Né en 1958 en Californie, l'artiste vit et travaille aujourd'hui à Los Angeles. Il a développé en près de quarante ans une pratique qui englobe peinture, dessin, sculpture et installation qui marquent les esprits par leurs dimensions, une palette de couleurs vives, dominée par du vert foncé et du bleu turquoise, une touche rapide et directe, y compris pour les visages, remarquable dès le début, et les sujets bien sûr. Avec en outre des motifs récurrents comme les dents, le cheval … les signes de la société de consommation … la nourriture, en particulier des spaghettis …

Dans la première salle, ce triptyque réalisé en 2019 pour la Biennale de Venise réunit trois images pour raconter des moments importants de l'histoire des personnes de couleur. D'abord Toussaint Louverture, le héros de la révolution haïtienne. Au centre des mots peints, répétés, inspirés des mots de l'humoriste et militant Richard Pryor, rappelant le devoir de mémoire à l'égard des révolutions. Et à droite une évocation de l'enterrement de Carole Robertson, une des quatre jeunes filles tuées lors d'un attentat raciste en Alabama en 1963, auquel assistent des femmes au regard dur, bras croisés comme faisant barrière.

Sur le mur du fond, We were framed, 2014, acrylique sur toile. Au centre, une sculpture de cheval (2021), une des figures récurrentes de l'artiste dont la simplicité, ici, fait penser à la chèvre de Picasso.

La salle suivante regroupe des peintures des années 1990, période où il étudie au California Institute for the Arts (1993-1996). Il va y forger une vision anticonformiste, au contact des œuvres de Jean Dubuffet ou de Cy Twombly, comme des livres de Jacques Derrida et Michel Foucault. Parallèlement il travaillera pendant dix ans comme aide-soignant la nuit à l'hôpital psychiatrique de Camarillo.

On découvre, de gauche à droite, Happy meal, vers 1992, Untitled (Saddle shoes stepping on bald head), 1992 et Screaming Head, huile sur toile, 1990. Le visage déformé devient une bouche hurlante, traduisant l'intensité d'un état émotionnel douloureux.

Made in France de Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget

Made in France a été créé au Théâtre de Belleville l'an dernier. Après une belle tournée (passant par Auxerre, le festival Off d'Avignon en juillet 2025, le Théâtre de la Concorde (Paris), Saint-Denis, Alfortville, Conflans Sainte Honorine, Saint Cloud et j'en oublie sans doute) la pièce est revenue à Paris, au Théâtre de la Renaissance et va continuer son bonhomme de chemin jusqu'au 27 avril … à moins que la soirée des Molières (le 4 mai) ne suscite une nouvelle prolongation.

Le spectacle commence à Londres en 1830 avec le rappel de l'évènement ayant amené la municipalité à concevoir le premier réseau de tout-à-l'égout au monde pour endiguer la propagation d'une nouvelle maladie, le choléra, laquelle avait fait 30 000 morts en trente ans.

Faudra-t-il voir dans ce prologue un message d'espoir signifiant qu'à tout malheur quelque chose est bon ?

Le spectacle pose de nombreuses questions sans donner de réponse. Paul-Eloi Forget et Samuel Valensi revendiquent un théâtre politique mais pas politisé, ce qui fait une énorme différence.

Mais voici Emile qui, après un long temps passé à l’attendre derrière les barreaux, a obtenu sa peine aménagée. Dès demain, il passera ses journées à "faire le ménage" l’usine et ses nuits en centre de détention, de quoi rêver d’une sortie rapide pour bonne conduite. Il suffit que le patron signe son contrat d'engagement. Sauf que l’usine où il s’apprête à travailler délocalise.

Par chance, … pour nous car sinon il n'y aurait pas eu de spectacle, une série de quiproquos vont s'enclencher. Le pauvre Émile va pour se tirer du mauvais pas, devenir le meilleur des syndicalistes, prétendre sauver l’usine, ses collègues et, peut-être, au passage, le pays tout entier.

Made in France est un spectacle qui raconte le combat d’hommes et de femmes prêts à tout pour sauver l’industrie française... enfin... à tout, sauf à faire quelque chose. N'oublions pas que nous sommes dans le registre de la comédie même si les références à des situations dramatiques sont évidentes, à commencer par des fictions théâtrales (Les Frères Lehman et 7 minutes de Stefano Massini, 1336 de Philippe Durand ou encore La Formule du Bonheur de Rainer Sievert), cinématographiques (Ressources Humaines de Laurent Cantet, Un Autre Monde de Stéphane Brizé), sérielles (Baron Noir, House of Cards, Borgen ou encore Parlement) et littéraires (tout particulièrement l’œuvre de John Steinbeck, en toute évidence puisque les deux co-auteurs se sont rencontrés à la création de Des Souris et des Hommes).

Pour ce qui est du ton, ils reconnaissent des inspirations dans le cinéma déjanté des frères Coen, les traitements punk et grinçants d’Albert Dupontel ou de Ruben Östlund, la grande comédie des petits riens si chère à Jacques Tati ... et on pensera aussi à un film qui vient d'être porté à l'écran, le thriller social de La Guerre des prix d'Anthony Déchaux même s'il est trop récent pour les avoir influencés.

Mais la réalité est si noire que chacun aura en tête ses propres sources, depuis Alstom, Arcelor-Mittal … ou sa propre entreprise. La note d'intention des créateurs est un modèle de discours parallèle et j'imagine très bien quel pourrait être elle ton de leur discours en cas d'obtention du Molière du Meilleur spectacle théâtre privé, de la Meilleure mise en scène et/ou du Meilleur auteur, voire des trois.

Ainsi ils précisent que comédiennes et comédiens incarnent chacun plusieurs personnages afin d’en limiter le nombre. Ils ont reçu pour consigne de jouer ce qui est absurde avec sérieux et ce qui est sérieux avec absurdité. Notre monde étant souvent kafkaïen c'était bien la moindre des choses. Le texte est de ce fait hyper dialectique tout en reprenant des formules connues comme trahir c'est la base en politique.

La musique est littéralement au centre de la scène, incarnant le rythme de l’usine. Elle est le chef d’orchestre qui fait régner le désaccord, le système qui impose son tempo au groupe, tord les désirs individuels et précipite des décisions solitaires.

Grâce à la présence de la batterie, les changements de décor s'effectuent tambour battant. les panneaux n'arrêtent pas de glisser dans une chorégraphie complexe qui annonce les entrées du repreneur, d’un conseiller ou d’un ministre. Ils suggèrent le confinement d'un bureau, un couloir ministériel, un hangar, un parking … Au spectateur de faire l'effort de reconstituer le décor.

Des néons suspendus donnent la hauteur de l’usine, redescendent pour nous enfermer en cellule, deviennent élégants et tamisés dans les arcanes du pouvoir.

Outre le pauvre Emile, on croise le directeur d'usine qui n'assume ni les décisions du groupe étranger qui détient l'établissement ni ses propres mensonges. Il y a l'inévitable syndicaliste qui elle aussi tente de tirer son épingle du jeu sous couvert de négociations. Paradoxalement Emile est celui qui met le plus d'énergie à tenter de sauver l'usine et sa bonne volonté met le spectateur dans sa poche alors que nous condamnons autant le patronat que le syndicat … comme le pouvoir politique.

On en ressort sur l'air de Kaät de Roseaux & Blick Bassy avec plus de questions qu'au début sur les causes et les conséquences de notre désindustrialisation, ce qui était le but premier car le théâtre est bien un des lieux qui restent pour réfléchir.

Et surtout la revue est faite que la création théâtrale ne connait pas l'essoufflement.

Samuel Valensi a fondé la compagnie La Poursuite du Bleu en 2014. Au sein de cette dernière, il a écrit et mis en scène L’Inversion de la courbe, puis Melone Blu créé en 2019 au Théâtre 13 – Seine. En 2019, il est lauréat du prix Jeune Talent FoRTE de la Région Île-de-France. Il travaille au plateau avec Paul-Eloi Forget (ci-dessous à droite) depuis près de dix ans. Depuis 2021 et la création de Coupures, qui traite d’écologie et de démocratie, ils co-écrivent, jouent et mettent en scène ensemble.

Made in France de Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget

Mise en scène Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget

Avec June Assal, Michel Derville en alternance avec Bertrand Saunier, Thomas Rio en alternance avec Paul-Eloi Forget, Valérie Moinet, Samuel Valensi

Batterie Mélanie Centenero ou Chloé Denis

Assistanat à la mise en scène Alice Helfing & Alexandre Babey

Lumières Geoffroy Adragna • Costumes Carole Nobiron

Direction musicale Lison Favard et Léo Elso • Création sonore Timothée Langlois

Scénographie Bastien Forestier et Sandrine Lamblin

Production Cie La Poursuite du Bleu, Lucy Decronumbourg, Margaux Grégoir, Jumo Production

Jusqu'au 27 avril 2026 au Théâtre de la Renaissance

Cochons d’inde de Sébastien Thiéry, Mise en scène Julien Boisselier

Cochons d’Inde n’est pas une nouveauté. La création eut lieu en 2009 dans une mise en scène d’Anne Bourgeois. Elle fut nominée à trois titres et obtint le Molière de la Meilleure Comédie et Patrick Chesnais celui du meilleur comédien. Cette année, dans la mise en scène de Julien Boisselier, cochon s'écrit au pluriel et est de nouveau en lice pour la même récompense.

Ce n'est pas la seule "ancienne" pièce à se trouver dans une telle situation puisqu'elle est en concurrence avec Potiche, qui fut créée en 1980, ce qui pose la question de savoir si ce qui faisait rire autrefois peut avoir le même potentiel aujourd'hui lorsque le propos est inscrit dans une époque.

L'interrogation n'est pas nouvelle. On sait que les sketchs de Coluche ou de Thierry Le Luron, pourtant extrêmement bien écrits et désopilants, ne seraient pas jugés "politiquement corrects" de nos jours. Les propos misogynes et racistes ne sont plus acceptables. Or Cochons d'Inde en est truffé et il convient d'avoir un certain détachement pour ne pas s'en choquer, par exemple en se concentrant sur le jeu des acteurs.

Il m'a semblé que les stratagèmes seraient plus drôles si le spectateur pouvait prendre parti. Au départ, ils sont tous épouvantables, le client imbu de lui-même (Arnaud Ducret) comme les employés psycho-rigides, Maxime d'Aboville, le guichetier qui ne sait que "faire patienter" et Brigitte, la directrice d'agence par intérim Emmanuelle Bougerol, finement manipulatrice. Le public est venu pour rire, mais il ne sait pas trop au dépens de qui ?

Mais par moments une angoisse diffuse fait même frissonner le public qui se souvient avoir entendu au journal télévisé des mises en garde appuyées par des faits divers insensés d'épouvantables arnaques avec usurpation d'identité. On se sent alors menacé et on ne rit plus.

Ne manquait-il pas un indice pour se placer d'un côté ou de l'autre ? Une réplique comme "le voilà, il arrive". Ou un geste comme la fixation d'une jambière qui apporterait la preuve que tout a été anticipé par les deux complices ? Parce que des employés de banque intraitables on en en tous connus. Je pourrais témoigner que j'appréhende davantage un rendez-vous avec ma banquière qu'une visite de contrôle chez le dentiste. J'ai subi sa mauvaise foi à maintes reprises et j'ai appris à mes dépens son pouvoir de nuisance si je ne la note pas 10 sur 10 quand la banque m'envoie l'enquête de satisfaction annuelle (l'organisme vient pile de m'envoyer un rappel à l'ordre alors que je croyais m'être acquittée de cette corvée).

Ceci pour dire que la situation dont est victime Alain Kraft est quasi plausible, surtout avec la dématérialisation grandissante, la mondialisation et les rachats-ventes tous azimuts. La pièce s'inscrit dans une longue lignée, de Kafka à Ionesco, dénonçant l'absurdité de certaines situations et il y a aussi quelque chose de l'ordre de la caméra invisible.

Medjid Houari expose L'angle et la courbe à Châtenay-Malabry

Dans le cadre du Printemps de la sculpture du Département des Hauts-de-Seine, auquel la ville participe depuis trois ans, le Pavillon des Arts de Châtenay-Malabry expose L’angle et la courbe, avec d’étonnantes oeuvres de Medjid Houari qui semblent défier les lois de la pesanteur.

Chaque sculpture naît d’un geste précis, d’une technique maîtrisée, mais aussi d’un regard sensible posé sur le monde, entre abstraction et rêverie. L’artiste, qui aime manifestement présenter son travail, en a commenté la conception hier lors d’un vernissage révélant des facettes insoupçonnées de son tempérament, l’humour et l’humilité.

Je vous invite d’ailleurs à regarder le film qui est projeté à l’étage et qui le montre en action. La sculpture est un art à part qui, contrairement à la peinture, incite le visiteur à tourner autour (si le dispositif le permet), et parfois toucher.

Il faut également consulter son site. Ses œuvres s’affranchissent des socles et défient la gravité. Le métal se tend, se plie et se polit jusqu’à trouver son équilibre entre tension et légèreté. Chaque sculpture naît d’un geste précis, d’une technique maîtrisée, mais aussi d’un regard sensible posé sur le monde, entre abstraction et rêverie.

A travers une quarantaine de pièces en acier, cuivre, laiton, inox mais aussi parfois granit, galet, ou pierre de lave, réalisées entre 1987 et il y a seulement quelques jours, Medjid Houari nous interroge par rapport à l'espace, la matière, le volume, la précision et souvent avec poésie, estimant que le carré est une forme humaine … puisque ce sont des histoires humaines qu'il nous raconte.

Né à Paris en 1950 et ancien élève de l'Ecole des Beaux-Arts de Paris, il est reconnu internationalement. Un de ses bas-reliefs a été présenté à la fondation David Tafani, installée à Vence et dont la vocation est de lutter contre le cancer par l'art.

L'artiste est habitué aux formats monumentaux de plusieurs mètres de hauteur et seul celui qui figure en tête d'article (pesant tout de même 150 kilos) a pu entrer dans le pavillon, malgré quelques difficultés de manipulation. Par chance le sculpteur réalise souvent ses oeuvres en plusieurs formats ce qui facilite leur découverte sans limiter le questionnement à propos de leur équilibre. Une interrogation revient sans cesse : Comment est-ce possible techniquement ?

Splendeurs du baroque au Musée Jacquemart-André

Le Musée Jacquemart-André présente des peintures de la Hispanic Society of America (New-York) dans une exposition intitulée Splendeurs du baroque dans la continuité du programme consacré par le musée aux maîtres du XVII° siècle, depuis Caravage (2018), Artemisia Gentileschi (2025), la collection Borghèse (2024) et surtout Georges de La Tour l’année dernière, … avant le Tintoret à partir de septembre prochain.

C’est à l’érudit et mécène américain Archer Milton Huntington (1870-1955), dont le portrait, peint en 1926 par José María López Mezquita, impressionne à la fin du parcours de l’exposition, qu’on doit la fondation en 1904 de la plus ancienne et importante institution muséale dédiée à l’étude et à la valorisation des arts et des cultures du monde hispanophone et lusophone hors de la péninsule ibérique.

Pensée comme un lieu capable de "condenser l’âme de l’Espagne, au travers des œuvres de la main comme de l’esprit", la Hispanic Society of America abrite aujourd’hui dans le nord-ouest de Manhattan, à New York (Audubon Terrace) plus de 750 000 pièces, de l’Antiquité à l’époque contemporaine, couvrant plus de trente-cinq pays et une grande variété de techniques et de mediums. Elle a entamé en 2019 la rénovation de ses bâtiments historiques et l’ajout de nouvelles salles dans l’objectif de réouvrir au public à l’automne 2027. C’est dans ce contexte que l’institution confie au Musée Jacquemart-André une sélection de ses chefs-d’œuvre, dans une exposition consacrée au Siècle d’or qui se compose d’une quarantaine d’œuvres pour la première fois réunies en France, parmi lesquelles des peintures des grands maîtres du Siècle d’or tels que Velázquez, Greco et Zurbarán.

L’exposition s’annonce par la diffusion de mélodies baroques que l’on peut entendre dès qu’on traverse le Salon de musique. La première salle achève de placer le spectateur dans l’ambiance avec un Portrait de jeune fille (v. 1657-1667), huile sur toile de Juan Baptiste Martinez del Mazo (1612-1667), gendre et principal collaborateur de Diego Velázquez (1599-1660), celui qui a porté l’art du portait à son sommet au point de révolutionner le genre. La proximité stylistique avec le  Portrait de jeune fille (v. 1638-1642), huile sur toile, 51.5 x 41 cm, que l’on verra dans la salle 7, et que les commissaires ont retenu pour l’affiche est évidente et logique. Il figure en tête de cet article et illustre parfaitement cette capacité à conférer une présence saisissante à ses modèles.

Son portrait de la reine Isabelle de Bourbon, peint vers 1627 est également remarquable. Le plafond de la salle suivante est d’une beauté prenante. A la suite du Concile de Trente (1534-1563) l’image religieuse devient un instrument privilégié de promotion de la foi catholique.

On y voit donc plusieurs toiles de saints, peintes par Doménikos Theotókopoulos, dit Le Greco, (1541-1614) qui occupe une place de transition entre Renaissance et baroque (du portugais barroco désignant l’aspect d’une perle irrégulière). Sont exposés Saint Luc, années 1590, Jean Jacques le Majeur, une Pietà, v. 1574-1576, ou encore cette Tête de saint François, vers 1590, qui contraste du point de vue de la taille avec ce Portrait d’homme exécuté par le même peintre sur un carton de moins de 8 cm de hauteur avec une minutie parfaite, dégageant une présence d’ordre monumental.

Peu d'artistes se sont autant intéressés au poverello d'Assise que Greco, qui consacre une part importante de son œuvre à deux aspects de la vie spirituelle du saint, déclinés en de multiples formules: la prière et l'expérience mystique. Le cadrage serré et la touche lumineuse et expressive soulignent l'émotion sur le visage du saint qui, les yeux levés vers le ciel, fait l'expérience d'une vision. Ce portrait pourrait être le fragment d'une composition plus large. La palette sombre et terreuse renvoie à l'humilité choisie par saint François pour vivre sa foi. Il devient ainsi le symbole d'une dévotion solitaire et ascétique, promue par la Contre-Réforme catholique.