J'appelle mes frères de Jonas Hassen Khemiri

Pour voir J'appelle mes frères il fallait prendre une navette mais, très astucieusement, le temps du trajet était inclus dans la durée indiquée pour ce spectacle et le rendez-vous avait lieu en plein Avignon, devant la Manufacture. Autant dire qu'aller à la Patinoire n'était donc pas un problème.

Au tout début ils dansent tous ensemble, au coeur d'une "teuf d'enfer" soudainement interrompue par Amor : J'appelle mes frères et je dis : il s'est passé quelque chose de complètement fou. Préparons-nous.

Une voiture piégée a explosé semant l’inquiétude dans une ville européenne. Sans doute un acte terroriste. Amor, fils d’immigrés, marche dans cette ville, sa ville. Quelle attitude adopter quand on ressemble comme un frère à ceux qui…? Le téléphone sonne, ses proches s’inquiètent eux aussi, ils connaissent ses angoisses, ses colères, ce grondement apeuré au fond de lui. Et Amor marche encore, cours, tremble, erre, doute, sous le regard des passants. Est-il réellement observé, traqué ? Il s’inquiète de la suspicion, il se méfie de la méfiance, il a peur de son ombre.

Toute l’oeuvre de Jonas Hassen Khemiri est axée sur la place de l’étranger dans les sociétés occidentales, les identités multiples, la place du langage, de la langue et la complexité nécessaire de ces questions. La juxtaposition de plusieurs niveaux de langage est nettement repérable. On entend les invectives habituelles des gars des tecis : vas-y, envoie, balance. Mais on remarque aussi des réflexions plus soutenues. J'ai noté :

• la haine ne cesse pas par la haine.
• le passé est l'histoire, le futur un mystère, le présent un cadeau.

Toutes les voix se font entendre, y compris celle de la grand-mère qui confluera : rien ne se passe jamais comme on imagine.

La création a eu lieu en janvier 2018 à la Comédie de Béthune avec un choeur de 11 amateurs de tous les âges et de toutes les origines. Ce sont 11 autres personnes qui ont rejoint les quatre acteurs sur le plateau d'Avignon pour les scènes du choeur, tels des Amplificateurs de voix, comme les nomme la metteuse en scène Noémie Rosenblatt, et il en sera de même dans chaque ville où le spectacle est programmé, avec notamment toujours une lycéenne et quelqu'un de plus de 70 ans.

Elle tient beaucoup à ce que ces personnes soient à l'image de la mixité de chaque ville où le spectacle se joue. Ils n'ont pas nécessairement une expérience du théâtre.

Pour situer le contexte on peut dire que tout est parti d'une tribune que l'auteur a écrite dans le quotidien suédois Dagens Nyheter après les attentats qui ont secoué Stockholm en 2010. Il est tout de même important de souligner qu'il n'y eu qu'un mort (le poseur de bombe, un citoyen suédois né en Irak et résidant en Angleterre) et deux blessés légers, mais le choc est énorme parce que l'acte n'est pas banal.

Il va de soi que ces évènements font écho dans nos mémoires à des situations beaucoup plus lourdes, vécues en 2015. Jonas Hassen Khemiri a d'ailleurs réécrit le texte à ce moment là pour Libération, avec le même titre, J'appelle mes frères.

Le personnage principal, Amor (Slimane Yefsah) connait une crise identitaire et traverse la ville dans un état proche de la schizophrénie. C'est la nuit et les très jolis éclairages de Claire Gondrexon donnent l'illusion que les cages de fer qui composent un scénographie très simple, mais efficace, sont autant de gratte-ciels.

La putain du dessus d’Antonis Tsipianitis

La putain du dessus fut un succès au Théâtre de la Huchette et c'était légitime que le spectacle fasse escale en Avignon.

C'est un monologue écrit par Antonis Tsipianitis, un dramaturge grec contemporain, mais la comédienne nous fait vivre son quotidien d'une telle manière que défilent toute une galerie de personnages.

Elle incarne une femme née dans une petite ville industrielle du nord-ouest de la Grèce. Elle rêvait de faire des études mais son statut de sexe féminin est un handicap. Son père a beau la frapper, une gifle ne change pas une fille en garçon !

Si elle est "honnête" elle ne doit songer qu'à fonder une famille. N'importe qui à sa place aurait cru comme elle son jour de chance arrivé lorsqu'elle rencontre Leftéris qui exerce un honorable métier.

Erato (Emilie Chevrillon) arrive sur scène en mantille et toute vêtue de noir, embrasse la croix, tremble encore à l'idée que son mari pourrait revenir. Il est pourtant mort et enterré. Le temps est venu de préparer le blé qu'on mange en Grèce pour éloigner les morts. La jeune femme a subi des violences conjugales d'autant plus pernicieuses que son époux était policier, et qui plus est, corrompu.

Je me suis mariée comme quelqu'un qui signe les yeux fermés une formule hypothécaire sans avoir vu les petits caractères.

Loin d'être un sauveur, Leftéris est une sorte de bourreau. La parole d'Erato est malgré tout forte et imprégnée d'humour, ce qui ne retire rien à l'universalité" de cette situation puisque les violences concernent une femme sur trois, au moins une fois dans leur vie.

Ce spectacle parle aussi de la crise que traverse la Grèce. Et d'autres souffrances comme celles des migrants entassés dans un minuscule logement, juste au-dessus.

Tout est détruit autour d'elle et l'appartement a été saccagé où elle erre le revolver à la main, prête à tout : Tu souffres de me voir libre ?

On assiste à une explosion de rage et d'émotions. On découvre aussi une âme sensible. La jeune femme raconte ce qu'elle cuisinait et déposait devant la porte de ses voisins du dessus, et son admiration pour la putain qui sait cacher son plaisir.

On lui souhaite de trouver durablement la paix et que son coeur cesse d'être lui aussi complètement noir, à l'instar de celui de PJ Harvey chantant The dancer et qui résonne dans la salle.

La mise en scène est sobre, laissant la place à Emilie Chevrillon pour jouer dans une palette toute en nuances.

La putain du dessus d’Antonis Tsipianitis
Un texte d’Antonis Tsipianitis
Adaptation: Haris Kanatsoulis et Chantal Stigliani
Mise en scène de Christophe Bourseiller
Avec Emilie Chevrillon
Au Théâtre de l'Arrache-Coeur • 13, rue du 58ème RI • 84000 Avignon • Tél : 04 86 81 76 97
Du 6 au 29 juillet 2018 à 18 h 40
Relâche les 9, 16 et 23 juillet

Les photos qui ne sont pas logotypées A bride abattue sont de Laurencine Lot

Ça peut toujours servir de Guillemette Faure

Ceux qui me connaissent savent combien je répugne à jeter. Pire, j'ai tendance à thésauriser en pensant que ça pourra toujours servir (et souvent ça sert) tout en détestant être envahie.

J'utilisais la formule de Boileau en forme de provocation à l’encontre de ma mère pour justifier de ne pas ranger ma chambre quand j'étais adolescente : Un beau désordre est un effet de l’art.

On a tous des vieux tee-shirts au fond de nos placards, au cas où il faudrait refaire les peintures (je les utilise comme chiffons et je jette sans remords, du coup j'utilise). On a aussi des tas d’échantillons de produits de beauté, des boîtes de boutons dépareillés qu’on ne recoudra jamais (là je m'inscris en faux parce que je puise régulièrement dedans) et évidemment un tiroir d’anciens chargeurs pour des appareils qui ne fonctionnent plus… Parfois surgit l’obligation de vider sa maison et l’on réalise que ce que l’on gardait parce que "ça peut toujours servir" n’avait de valeur qu’à nos yeux. Pourquoi peinons-nous à nous séparer de ce qui raconte notre vie ?

Trop conserver peut -c'est vrai- au fil du temps devenir un souci. Et il ne faut pas croire que c'est une question de superficie disponible, même si ça compte. J'ai vu d'immenses maisons encombrées de fouillis disparate et poussiéreux totalement rebutant.

On sait tous que ce type de comportement n'est pas bon. Pourquoi avons-nous du mal à jeter ? Guillemette Faure a raison de poser cette question en premier lieu. Cette démarche lui évite d'être donneuse de leçons mais plutôt donneuse de pistes.

Légende d'une vie de Stephan Zweig, dans la mise en scène et avec Caroline Rainette et Lennie Coindeaux

Stephan Zweig est un auteur très souvent monté au théâtre. Je ne connaissais pas cette Légende d'une vie, que je vais voir à la rentrée dans un autre théâtre, dans une autre distribution. Comme quoi on n'est jamais seul à avoir une bonne idée.

Car cette pièce (traduite par Caroline Rainette qui a voulu en faire une version resserrée) est très subtile et mérite qu'on en suive avec attention les ressorts psychologiques.

Le décor est simple autour d'un bureau de fortune, installé sur des tréteaux à cour, presque sous le portrait de celui qui est inoubliable, ce père si écrasant dont le fils ne parvient pas à se libérer, du moins pour le moment.

Il est installé devant un voile blanc qui plus tard sera l'écran où les images du passé seront projetées pour éclairer le présent.

Le téléphone sonne que personne ne vienne décrocher. Des pas résonnent dans un escalier. On perçoit une musique que troublent à peine des petits bruits de marteau étouffés. Manifestement la maison est en pleine effervescence

Effectivement on s'apprête à y "donner" une soirée. Donner  façon de parler puisque des billets ont été vendus pour l'occasion.

Friedrich (Lennie Coindeaux) entre en scène, agité par une anxiété que l'exercice d'un bilboquet ne calmera pas. Clarissa (Caroline Rainette) masque son énervement par un activisme forcené mais on devine que ni l'un ni l'autre n'est à l'aise face à ce micmac, ce tourbillon de gens qui s'apprête à envahir la maisonnée.

Un évènement mondain est programmé. Alors qu'autrefois on venait écouter son père avec foi on se précipite maintenant avec curiosité pour entendre le fils et surtout vérifier qu'il a le même talent.

I love Piaf de Jacques Pessis avec Mtatiana

I love Piaf est un de ces charmants spectacles auxquels on aime aller l’été avec des amis. Et c’est une bonne idée supplémentaire de le rendre accessible aux non francophones avec un système de surtitrage. On aura tous remarqué d’ailleurs que l’intitulé du spectacle est en anglais.

Je mettrais un bémol aux traductions qui ne m’ont pas semblé aussi riches que le texte original mais c’est très secondaire.

Le décor évoque, inévitablement, la capitale du début du XX° siècle dans son imagerie traditionnelle, avec un banc public sous un réverbère. Le cliché correspond bien à ce Paris, ville lumière, surnommé ainsi par les anglais sous Louis XIV, l’expression ne date pas d’hier … La scène est divisée en trois espaces avec au centre une sorte de podium pour l’accordéoniste, qui le soir de ma venue était Marryl Abbas. Elle joue admirablement, à la fois musicienne et comédienne.

On apprend beaucoup de choses sur la vie d’Edith Piaf dont la richesse fut une voix portant loin. J’ai été dérangée par l’équipement de l’interprète principale d’un micro HF, comme si Mtatiana manquait de voix (dans une toute petite salle …) et puis je l’ai oublié en raison de son jeu de scène très réussi et de sa voix plutôt jolie qui jamais n’imite Piaf, ce qui est une bonne chose.

Après tout on peut comprendre que chanter dix-sept chansons réclame d’être soutenue, surtout lorsqu'on est accompagné par un accordéon parce que cet instrument est puissant.

Le récital n’est pas chronologique. Les chansons ont été choisies pour donner du sens à la reconstitution des principaux moments de la vie de celle qui fut surnommée la Môme.

Il commence avec la Goualante du pauvre Jean (1954) et installe immédiatement le contexte puisqu’en argot chanter se dit goualer. La chanteuse nous annonce qu’Edith est née sur les marches du 72 rue de Belleville le 19 décembre 1915. Son partenaire de scène, Michaël Msihid, rétablira une vérité moins misérabiliste. Sa mère n’a pas accouché dans la rue mais à l’hôpital Tenon.

Il n’empêche que l’enfant n’a pas eu de chance. Sa mère fut trop pauvre pour l’élever et la confia à son père, contorsionniste et antipodiste.

Mais pour l’heure nous entendons Plus bleu que tes yeux (que lui écrit et compose Charles Aznavour, son homme à tout faire, en 1951) alors que Michael tire le rideau qui découvre une vue de Belleville en noir et blanc.

Une journée à Thoiry, épisode 3

Le Zoo Parc de Thoiry est un espace qui offre énormément de possibilités. Impossible de tout faire en un jour. Nous avons dû renoncer à la tyrolienne qui nous aurait permis de glisser dans les airs au-dessus des lions. Egalement au labyrinthe comme à la visite du château.

Il faudrait une formule qui permette de passer une nuit sur place. Cela viendra peut-être.

Une fois effectué le parcours en camion brousse, raconté ici, nous avons flâné dans l'espace "zoo" plus classique, avant de nous restaurer près des yourtes. Avec grande satisfaction parce que l'espace est vaste, très propre et bien conçu, avec autant de grandes tables dehors que dedans. Il faut dire que c'est tout neuf. Et surtout c'est bon !

Nous avons passé un très long moment dans l'île habitée par les lémuriens, ce qui a sans doute pénalisé d'autres découvertes mais c'est un souvenir inoubliable. Il est raconté là.

Thoiry offre la possibilité d'assister à des moments programmés par les soigneurs à propos du mode de vie de leurs pensionnaires. Là encore il faut choisir. Nous avons assisté au nourrissage des loutres d'Asie et des dholes. Je vous parlerai plus en détail de ces animaux plus bas.

Après cela nous avons traversé quasiment au pas de course l'arche des Petites bêtes où je voulais pourtant passer davantage de temps mais nous avions envie bien entendu de voir des méduses, et des animaux inhabituels ...

... comme la rainette Kunawalu, nocturne et arboricole, qui ne descend jamais de son arbre de toute sa vie et qui est considérée comme magique par les amérindiens ... et les très étonnants minuscules ouistitis pygmées ... qui pèsent à peine entre 85 et 150 grammes et  qui vivent dans les forêts du nord de l’Amazonie.

Nous avons eu aussi très envie de voir (ou revoir) d'autres animaux, et de les photographier comme ceux que je vous laisse maintenant découvrir. Le macaque de Tonkéan par exemple, surprenant puisque lorsqu'il découvre ses dents c'est pour  annoncer des intentions pacifiques. Un sourire en quelque sorte !

LoDka, du théâtre clownesque russe

Les spectacles se suivent et ne se ressemblent pas. C'est ce qui fait le charme d'Avignon. Il y en a pour tous les goûts à toute heure. LoDka est une sorte d'ovni théâtral, un peu à l'instar de la Familie Flöz dont je suis une fan absolue.

Chacun a son registre comique bien particulier, même si les deux troupes se situent dans l'univers du mime, ce qui fait qu'elles ont en commun de pouvoir être accessibles par un public international sans nécessiter le moindre surtitrage.

Leur langage est universel, c’est la force de l’image et du mouvement, des dérapages, des cascades et des enchainements de situation comiques, avec juste ce qu'il faut de poésie pour apporter de la légèreté.

LoDka signifie petite barque en russe et c'est une façon de préserver la couleur de leur langue. On pourrait le deviner dès la première scène, du canotage sur une mer artificielle, une fois dissipée la fumée qui filtrait déjà sous le rideau de scène pendant l'installation du public.

Tout ira de guingois, tout le temps, avec des enchainements désopilants, plus rocambolesques les uns que les autres. Parce qu'on aura vite compris que le bateau en question est la métaphore du travail théâtral dans lequel ils sont tous les cinq embarqués. Et nous avec. Un vent de folie fera capoter leurs projets mais rien ne les arrêtera malgré tout, même pas l'effondrement des décors. Parce qu'ils maitrisent le secret de la longévité : faire équipe pour ne pas échouer.

LoDka parle donc de la vie, du bonheur, de l’amour, du chagrin, des sentiments, des souffrances et questionne la place de l’individu parmi les autres. Avec énergie et poésie aussi.

Les fêtards qui ne seraient pas encore complètement réveillés à l'heure matinale à laquelle Lodka est programmé (10 heures) seront vite secoués de rire comme tout le monde.

Les visages ont nécessairement peints en blanc, dans la plus pure de la tradition clownesque qu'ils revendiquent, passant par Charly Chaplin et naturellement James Thierrée.

Ces artistes originaires de Saint-Pétersbourg ont été formés à l’art du clown par les artistes du Teatr Licedei. Ils ont fondé en 2002 une troupe qui avait présenté un premier spectacle en 2005, devenu vite culte, dans ce même théâtre du Chêne noir, reprenant le nom de la troupe, La Famille Semianyki (qui fut joué longtemps joué à Paris au Rond-Point). Olga Eliseeva, Alexander Gusarov, Yulia Sergeeva et Marina Makhaeva sont de la nouvelle aventure, avec cette fois Natalia Parashkina.

La Magie lente

La Magie lente commence comme une conférence. On va nous raconter la petite histoire de Monsieur Louvier qui, après avoir été diagnostiqué schizophrène par un psychiatre, découvrira une toute autre vérité à la faveur d'un changement de praticien.

Benoît Giros est bouleversant. Il incarne tous les personnages (sans utiliser le moindre accessoire) avec autant de naturel.

On ne perd pas une bribe des conversations. On le croit parce que le texte de Denis Lachaud est implacable mais on se demande pour quelle raison  une telle aberration est possible.

Certaines répliques tracent leur chemin longtemps dans notre esprit : nous ne sommes pas ce que nous semblons être. Personne.

Le dernier mot, merci, fait multiple sens. C'est celui du patient qui gratifie le thérapeute, celui du conférencier qui salue son auditoire mais aussi celui du comédien qui salue le public.

Comment on peut rester dix ans à ne pas dire ce qu'il faudrait entendre...

Le jour où j'ai appris que j'étais juif de et avec Jean-François Derec

Le jour où j'ai appris que j'étais juif était annoncé comme une pure création du festival off d'Avignon 2018. Qui plus est avec un comédien extraordinaire, Jean-François Derec, dont l'entrée en scène a été ponctuée immédiatement par des applaudissements nourris.

Il est dirigé par un de ces metteurs en scène qui ont fait les riches heures du festival, le in s'il vous plait, Georges Lavaudant. Et dans un de ces théâtres qui comptent dans la ville à longueur d'année, le Chêne noir.

Un tel générique inspire le respect mais impose aussi le succès qui, hélas n'est pas de mon point de vue au rendez-vous. Impossible de le cacher.  Je suis sortie très déçue par ce spectacle.

Le texte est plutôt bien écrit. Je ne remets pas en cause l'adaptation et je pense que la lecture des confidences du comédien, publiées en 2007 chez Denoël doit se lire avec plaisir.

Ce que je n'ai pas compris c'est pourquoi il était presque toujours statique au centre de la scène, devant quelques objets (dont on devine qu'ils ont un rapport avec la religion juive) qui sont de mon point de vue sous-utilisés. Je n'ai pas vu le travail de mise en scène et les lumières (signées aussi par Georges Lavaudant) ne m'ont pas subjuguées.

Il dit avoir essayé, avec son accord, de sortir Jean-François Derec de son personnage de one-man-show, de suivre son désir, de l’emmener ailleurs.  Peut-être sommes nous "trop" habitués à son jeu et le décalage a été trop fort. Le registre m'a semblé sombre, voire tragique alors qu'il n'y avait pas matière à être triste.

Joueurs, le premier film (très réussi) de Marie Monge, avec Stacy Martin et Tahar Rahim

Joueurs est une très belle surprise de l'été. C'est le premier film de Marie Monge qui a été inspirée de confier le rôle principal de Ella à Stacy Martin qui était déjà remarquable de naturel dans la peau d'Anne Wiazemsky, la muse du célèbre réalisateur Jean-Luc Godard dans le biopic Le Redoutable réalisé par Michel Hazanavicius.

Son partenaire de jeu, dans tous les sens du terme, c'est Tahar Rahim, qui était le personnage principal du film culte de Jacques Audiard, Un Prophète, le délinquant Malik El Djebena, qui lui valut le César du Meilleur Espoir Masculin et celui du Meilleur Acteur, un doublon jamais vu dans l'histoire du cinéma.

Son père est Bruno Wolkowitch, un acteur bien connu des films policiers. On retrouve aussi Karim Leklou qui, après un petit rôle dans le Prophète, a enchainé avec La Source des femmes de Radu Mihaileanu aux côtés de Leila Bekhti et Hafsia Herzi et a été remarqué pour son interprétation d'Angel dans Les géants de Bouli Lanners.

Il est ici un très touchant amoureux platonique. On pourra le voir dans un registre plus comique dans le prochain film de Romain Gavras, Le monde est à toi. Il y sera François, un petit dealer qui a de grands rêves.

On le voit, Marie Monge a fait un casting de rêve et rien d'étonnant à ce qu'il ait été salué à Cannes par la Quinzaine des réalisateurs. Je ne lui reprocherais que l'affiche dont les couleurs ne correspondent pas à l'atmosphère du film. Ou alors juste aux couleurs ocres du générique et aux premières scènes, avant que la vie d'Ella ne bascule avec sa rencontre avec Abel.

La lumière est fondamentale dans ce film qui se déroule majoritairement la nuit. La réalisatrice a su rendre toutes les gammes de bleu, depuis le jour pointant au petit matin jusqu'au bleu indigo d'un crépuscule angoissant. Si bien que ce film noir est au fond très lumineux.

Abel surprend Ella à la fin du coup de feu alors qu'elle est épuisée. Il bluffe comme à son habitude. Il n'a pas de CV mais réussit à décrocher un essai dans le restaurant où tout le monde est débordé. On pourrait croire à un gentil garçon mais il n'est là que pour se "refaire", quitte à piquer dans la caisse.

Il sera dit que quelque chose d'important va se jouer entre les deux jeunes gens. Abel va initier Ella aux jeux d'argent comme on le ferait avec la drogue. Alors qu'il vient de la voler il renverse les rôles, prétend qu'il va lui faire confiance mais que c'est important qu'elle y croit (que gagner est dans ses cordes). On la voit basculer, sourire, se prendre au jeu, comme le dit l'expression.

Le C.V de Dieu de Jean-Louis Fournier, au théâtre actuel puis à la Pépinière

Ce fut une des heureuses surprises avignonnaises et je suis heureuse que le CV de Dieu soit accessible au public parisien pour éclairer une rentrée qui n'est jamais facile à supporter.

Ce spectacle est une franche comédie, autant intelligemment écrite que bien jouée. J'espère que le duo Bénureau/Balmer n'aura rien perdu de sa fraicheur, de sa connivence et de sa capacité à surprendre (je suis sûre que l'un comme l'autre pimentent chaque représentation avec juste ce qu'il faut d'improvisation pour maintenir l'attention de son partenaire).

L'évocation de Dieu commence sur le rideau de scène. On apprend d'emblée que lorsque furent finis le ciel, la terre, les animaux et l’homme, Dieu pensa qu’il était fini aussi, et sombra dans une profonde mélancolie.

Il ne savait à quoi se mettre. Il fit un peu de poterie, pétrit une boule de terre, mais le cœur n’y était plus. Il n’avait plus confiance en lui, il avait perdu la foi. Dieu ne croyait plus en Dieu. Il lui fallait d’urgence de l’activité, de nouveaux projets, de gros chantiers. Il décida alors de chercher du travail, et, comme tout un chacun, il rédigea son curriculum vitae, et une lettre de motivation qui devait être excellente puisqu'elle lui vaut d'être convoqué sur terre pour une semaine de tests et d'entretiens dans un grand groupe.

La confrontation entre Dieu (Jean-François Balmer) et le DRH (Didier Bénureau) peut commencer. Tout est évidemment surréaliste, oscillant entre le vraisemblable et le paralogique. Comme souvent dans l'écriture de Jean-Louis Fournier.

L'effet comique est renforcé par une multitude de détails, dits ou non-dits, comme le nom de Dieu mentionné sur le "diable" (c'est bien comme cela qu'on appelle ce chariot qui lui permet de trimbaler un CV très conséquent ...), la surcharge d'un costume immaculé rehaussé d'une écharpe de soie violette inspirée d'un signe de dignitaire ecclésiastique et alourdie de passementerie, ou encore la croix obtenue par la juxtaposition de deux outils scripteurs ... avec lesquels tout quidam pourrait écrire son CV.

On rit beaucoup et de bon coeur. Dieu s'exprime sans tabou, avouant s'emmerder là-haut depuis qu'il laisse les passions à son fils... unique, comme on le sait. Et jurer Nom de moi !

La Résidence de Refugee Food Festival à Ground Control

J'ai publié hier deux recettes très populaires en Afrique de l'Ouest le Gnamakoudji et l'Akpessi que j'ai appris à cuisiner au cours d'un atelier mené par la cheffe Afousatou Soro à la Résidence de Refugee Food Festival.

Cette résidence est située dans un espace immense qui s'appelle Ground Control sur lequel j'avais  promis de m'attarder car il en vaut vraiment la peine.

C'est un lieu de vie pluridisciplinaire et indépendant où l'on peut se restaurer mais aussi se cultiver. Il a pour objectif de promouvoir les initiatives citoyennes, écologiques et solidaires.

Je vous invite à en suivre ici la programmation. Beaucoup d'activités y sont gratuites.

Les éléments de décoration sont largement puisés dans l'univers de la récupération avec souvent un humour fou.

Tout en étant du point de vue décoratif proche d'un concept de friche industrielle (comme on en voit fleurir en plusieurs endroits dans la capitale) on est aux antipodes d'un endroit comme le plus grand restaurant européen de Station F.

C'est donc en toute légitimité que la Résidence prend racine dans ce lieu d’expérimentation et de découverte. C'est le premier restaurant et lieu de formation dédié aux chefs réfugiés, à Paris, en accueillant tous les deux mois un nouveau chef réfugié en France. Il/Elle prend les rênes du restaurant pour faire découvrir au grand public les saveurs originaires de son pays, et parfaire sa formation sous le parrainage des chefs Stéphane Jego et Mohammad Elkhaldy.

Après Nabil Attar, chef syrien c'est Magda Gegeneva dont on peut déguster en ce moment les spécialités géorgiennes, sans qu'il soit nécessaire de réserver, tant l'espace est vaste et convivial. Mais je vous conseille vivement d'arriver tôt.

Gnamakoudji et Akpessi,deux recettes ivoiriennes d'Afousatou Soro

Connaissez-vous Ground Control ? Je vous en dirai plus sur cet endroit réellement surprenant demain. Pour le moment je vais vous rendre compte d'un atelier de cuisine ivoirienne que j'ai suivi avec la cheffe Afousatou Soro à la Résidence de Refugee Food Festival qui se trouve au sein de cet immense espace.

La jeune femme est originaire d'un village qui a pour spécialité les beignets de mil. Ce soir elle nous a initiés à deux recettes très populaires en Afrique de l'Ouest le Gnamakoudji et l'Akpessi.

Vous connaissez probablement la première puisqu'il s'agit de jus de gingembre. Reste à vérifier s'il égale celui qui est servi tous les soir de représentation au Théâtre de la Tempête (dans la Cartoucherie de Vincennes) dont je suis une habituée.

Afousatou a commencé à cuisiner à l'âge de six ans, comme on le fait dans son pays, dès que l'on est capable d'observer, de mémoriser l'usage des principaux épices et de commencer à travailler comme commis.

Interrogée sur la différence entre les hommes et les femmes elle nous explique que les hommes font une cuisine simple, sans garniture, mais qui a beaucoup de goût.

Elle est en France depuis dix ans déjà, toujours attachée à sa culture, mais parfaitement intégrée parce que les français sont curieux de découvrir toutes les cuisines du monde.

On apprend que "mon/ma chérie" est réservé aux inconnus(es). Voilà pourquoi ce soir elle suggère qu'on s'appelle, comme au pays, frère-soeur, la famille quoi. 

Sous le nom de Cheffe Afood, elle est devenue traiteur, chef à domicile et anime des ateliers de cuisine. Elle a des projets de festival en novembre pour mieux faire connaitre la cuisine et l'artisanat de son pays d'origine. Ce serait une jolie occasion de faire un nouveau voyage à ses cotés.

Elle partage avec nous ce soir deux recettes, une boisson typique du sud de la Cote d'Ivoire, et un plat traditionnel de la région d'Abidjan qui est accompagné de pâte, comme on dit là-bas (caviar d'aubergine en français).

Nous commencerons en enfilant un tablier et une coiffe réalisées en wax (le tissus traditionnel africain) dont on apercevra le graphisme sur quelques photos.

Dieu est mort de Régis Vlachos

Dieu fait recette en Avignon. Outre son CV (une comédie très réussie, créée au Théâtre actuel et dont je rendrai compte prochainement) voilà que Régis Vlachos nous rappelle à l'instar de Nieztsche que Dieu est mort et qu'accessoirement il ne se sent pas très bien non plus, paraphrasant ainsi une citation de Woody Allen.

Ce spectacle là ne date pas d'hier. Le texte écrit en hommage à Charlie Hebdo a été primé au Concours Léopold Bellan en Avril 2015 au théâtre Tristan Bernard à Paris. D’abord en solo, le spectacle est recréé en duo en juin 2016 aux Feux de la Rampe et a été un des succès du Festival Off Avignon 2016. Il s'est ensuite posé à Essaion, à la Contrescarpe et au Point Virgule. Il est pour la troisième année en Avignon. Seulement voilà, je ne l'avais pas encore vu.

Régis Vlachos est agrégé de philosophie. Autant dire qu'il en connait un rayon sur la dialectique ... sur les croyances et les fondements des religions, toutes !

Sous couvert de faire rire, il nous fait réfléchir à propos de l’idée de Dieu. A commencer par le déroulé d'une pensée absurde : à quoi pouvait-il s'occuper avant de créer la terre ? Jouait-il avec le vide ? Il faut voir le comédien mimer le vieillard ...

Plus sérieusement il nous raconte comment il s'y prend pour assurer l'enseignement de toutes les religions dans son établissement du 93. Le pari est difficile tant auprès des élèves, que face au proviseur qui ne partage pas la même vision de la fameuse liberté pédagogique. Bon prince, notre homme se plie au gage du pari perdu et portera un nez de clown.

Le duo qu'il a construit avec sa partenaire, Charlotte Zotto, est ponctué de beaux intermèdes musicaux qui insufflent de la poésie entre deux moments débordants d'énergie. L'idée de choisir de gratter une guitare électrique comme une acoustique est particulièrement réussie. Elle a une très jolie voix, et on a envie de chanter avec elle Comme on se lasse faire !

Les attentats sont en toile de fond quand l'artiste invoque tous les morts au nom de Dieu en haranguant une peluche censée le représenter, selon lui un pingouin, mais j'y ai vu un manchot, et un jeu de mots signifiant combien l'oeuvre n'est pas accomplie.

Froid de Lars Norén

Le festival d'Avignon est une occasion de découvrir des spectacles qui enchantent. Il en est certains qui dérangent. Froid est de ceux-là. Lars Norén vient d'entrer au répertoire de la Comédie française et est en passe de devenir un "classique".

J'en suis sortie sonnée. Il aurait fallu me prévenir du niveau de violence que j'allais devoir absorber. J'aurais, je ne peux pas dire "apprécié", mais du moins accepté la forme qui est au service du fond.

J'ai appris, depuis, qu'en Suède on dit "déprimant comme du Lars Noren". C'est clair.

Ceci étant, la performance des comédiens est immense, même si je leur reproche quand même de n'avoir pas l'âge de leurs personnages, et cela se voit quand on est au second rang.

Ils ont choisi le parti-pris d'un jeu ultra réaliste qui, conjugué à une écriture sans concession, fait forcément mouche. Le collectif,  créé en 2014 entre onze camarades du Cours Florent, porte bien son nom de la Fièvre.

A peine est-on entré dans le théâtre que l'on craint qu'il y aura du grabuge. Trois jeunes baraqués sont assis devant le rideau de scène, face au public, le regard dans le vide. Ils n'ont pas l'air de "jouer" et on se demande si ce sont des spectateurs égarés ...