L’album 88 d’Eva Marchal

Voilà une jolie surprise que cet album 88 d’Eva Marchal, riche de 14 titres aussi simples que puissants. Autant de morceaux réellement différents les uns des autres qui installent des ambiances particulières.

Cette chanteuse atypique n'est pas une débutante. Elle est de retour avec des titres portés par sa voix si particulière dans un album qui pourrait faire la différence dans le paysage musical hexagonal.

Parce qu'elle elle sait où le beau se situe. Avec 88 -déjà son 7ème album et peut-être le plus personnel- elle porte un regard acéré sur la vie et toutes ses nuances de gris qu’elle retranscrit en mots et en émotions mais c’est malgré tout un album orienté vers l’espoir. Les titres ont tout de la simple évidence, avec l’évocation de doutes et de fêlures qui marquent la psyché et en font la beauté. La référence aux années 80, chères à beaucoup d’entre nous, est plutôt claire. Et surtout pour elle puisque c'est à cette période qu'elle a voulu devenir chanteuse.

Comme les nuages ont de beaux costumes / C'est là devant moi sur écran géant/ Les chaos de mon âme se consument / J'ai laissé venir, il était temps de grandir. Le titre Je plane (piste 1) évoque les vertus de la résilience et de l’acceptation d'une voix fluette,

Cigarettes en papier (piste 2) revient sur les souvenirs de l’enfance d'une petite fille de dix ans. J’voudrais être vieille et pleine de rires /avec une bouche qui garde le goût des souvenirs / Je voudrais être vieille et pleine de rides / Avec des yeux qui disent que la vie est aride /Mais pas tout de suite, non pas trop vite / Un autre jour à la limite (piste 3) est un texte magnifique sur l'acceptation difficile du temps qui passe, la peur de vieillir et surtout celle de devoir quitter la scène de la vie un jour, ce que traduit parfaitement l'accélération du rythme de paroles qu'on entend comme une confidence. En contrepoint les photos de l'album montrent Eva petite fille.

Crush (piste 4) est une déclaration d'amour aux Etats-Unis, chantée en anglais comme il se doit.

La piste suivante commence avec le bruit d'une bande qu'on rembobine, progressivement supplantée par des chants d'oiseaux qui reviendront à la fin du morceau. Peine perdue évoque les efforts nécessaires pour clôturer une histoire avant d’en commencer une autre. La voix est lentement modulée sur des notes de piano claires, et enveloppée de réverbération, évoque - évidemment les Peines d'amour perdues de Shakespeare. Dix mois dis-moi que j'ai mal à l'amour … Que je déteste çà. Une voix s'élève comme un choeur et on pense davantage encore à Claire Diterzi que sur les autres chansons. Aucun doute qu'elles sont d'une même famille, et que toutes deux aiment chanter les notes dièse.

Voici On s'est gardés (piste 6), sans doute ma préférée. Les paroles s'enchainent, magnifiques, à partir d'expressions bien connues, dont la plus célèbre est la ritournelle qu'on fredonne en amoureux en effeuillant une marguerite : on s'est aimé un peu, beaucoup, passionnément, à la folie et plus que tout. Ou on s'est détesté … avec le même enchainement, sur une voix portée très haut dans les aigus. C'est splendide émotionnellement parlant.

L'amer (piste 7) offre un jeu de mots ponctué de notes qui résonnent comme une houle. Quand ils sentiments sont lourds à exprimer la chanteuse choisit l'anglais. Pour raconter par exemple la rencontre avec son père biologique dans Who I am (piste 8).

Rupture de ton avec Hacker mon coeur (piste 9), bulle de douceur. Changement de focale encore (mais pas de ton) avec Tu regagnes le port (piste 10), si bel hommage à un aïeul qui plonge dans l'oubli provoqué par la maladie d'Alzheimer, et dont on se hâte de profiter à la moindre accalmie précieuse. Les paroles sont très cinématographiques et la voix se tord à l'instar d'une chanson rock.

Sans émoji (piste 11) es-tu happy ou sad, sommes nous crazy ? Quel humour pour décrire le bal des mots semblants. En interview Eva Marchal estime en riant que si elle devait se représenter par un émoji ce serait un visage un peu timide avec les pommettes rouges.

 Other shore (piste 12) une nouvelle fois en anglais car on remarquera que lorsque le français devient impudique la chanteuse sautille sur une autre langue. Et voici la reprise de This Woman's work (piste 13) qui démarre -comment cela aurait pu être autrement ?- sur un cri, mais qui se poursuit avec la voix à laquelle on s'est maintenant habituée, soufflée, acidulée, en restant fidèle à la structure d’origine et au phrasé de Kate Bush tout en lui donnant un côté plus actuel, notamment par les arrangements de cordes composés par Claude Salmièri. Cette chanson très typée années 80 a été composée par Kate Bush pour le film "La vie en plus" qui est sorti … en 1988.

Et pour finir Tout roule (piste 14) une ballade prônant la réconciliation et célébrant l'apaisement, et qui donne furieusement envie de réécouter Je plane.

Les morceaux sont des petites capsules douces amères portées par une voix enjôleuse qui prend possession de l’esprit de l’auditeur. A ses côtés, Eva Marchal s’est entourée de Denys Lables à la guitare et Claude Salmièri pour les parties piano, batterie, entre autres.

88 devient vite un album dont on a du mal à se passer, en raison de l’équilibre entre douceur et amertume et un travail soigné sur la langue, le choix minutieux du meilleur mot, enchaînant les distorsions d'une expression et avec des jeux de mots habiles et légers. Par exemple avec

sur le tarmac délester mon sac (piste 1)

hacker (piste 9)

traviole et plus-que-tout (piste 6)

roule, tout roule (piste 14)

Eva Marchal est originaire de Béziers où elle est née dans les années 1970 avant de grandir plus au nord à La Rochelle où elle a écumé les piano-bars de la région. Elle a connu la glorieuse époque du trip-hop, celle de Portishead et Goldfrapp et en gardé des souvenirs qui imprègnent sa musique. Elle a fait des premières parties de Francis Cabrel au Canada, est apparu aux Francofolies et a réalisé une tournée au Japon en 2008.

L’artiste conçoit et compose sa musique à la maison, en autodidacte éclairée avec un piano, une guitare et quelques outils électroniques. Son home studio lui permet d’expérimenter et d’agrémenter son inspiration au fil des trouvailles. A l'exception des pistes 3 et 5 (et bien entendu la chanson de Kate Bush) elle a composé la musique et écrit les paroles.

On pourra voir la chanteuse en concert début 2025. Il y aura prochainement plusieurs clips à découvrir et aussi des live sessions. Elle travaille également toujours sur des spectacles pour le jeune public pour lequel elle a sorti deux disques et créé un court-métrage tout en ombres chinoises.

Eva Marchal - Nouvel album 88

Sortie le 25 septembre 2024 chez Les Contes de Roméo

La collection permanente du musée de l’Orangerie

Voici le dernier article d’un tryptique consacré au musée de l’Orangerie, où il sera question cette fois de ses collections permanentes (hormis bien entendu les mythiques salles où sont exposés les Nymphéas de Claude Monet), et l'exposition temporaire actuelle Heinz Berggruen.

J’ai choisi de l’illustrer par le Portrait de Madame Paul Guillaume au grand chapeau une huile sur toile (vers 1928-29) réalisée par André Derain (1880-1954) dont Paul Guillaume fut le marchand exclusif à partir de 1923. 

Derain représente ici Domenica Guillaume (1898-1977), son épouse. Son élégante capeline et les luxueuses étoffes évoquent son statu de femme mondaine. Le jeu de fluidité des différents tissus contraste avec la pose presque sculpturale du modèle. Il faut savoir que le peintre et son galeriste ont lié une forte amitié.

On trouve dans cette partie des Matisse qui n’appartiennent pas à l’époque des papiers découpés. Comme cette Odalisque à la culotte grise, huile sur toile (1927)

Matisse avait aménagé l'atelier niçois dans lequel il s'est installé en 1921 comme une scène de théâtre où se trouvaient objets et modèles. Cette variation sur le thème de l'odalisque se caractérise par l'orthogonalité rigoureuse de sa composition, et la profusion de motifs colorés. Le critique Waldemar-George (1893-1970) écrit, dans le livre commandé par Paul Guillaume pour mettre en valeur sa collection que Matisse "rivalise avec la grande rosace de la cathédrale de Chartres, ce joyau où rubis et saphirs, émeraudes et améthystes, enchâssés dans un mur, lancent des feux fulgurants d'un éclat maléfique". Il est vrai que le peintre associe des motifs de façon étonnante pour composer le décor. On dirait qu’il s’est s'intéressé autant aux courbes des fleurs et des carafes qu'aux lignes verticales.

On voit aussi plusieurs Soutine. Né dans l'Empire Russe, en actuelle Biélorussie, Chaim Soutine (1893-1943) s'était installé à Paris en 1913, où il s'était lié avec les artistes installés à Montparnasse, dont le peintre Amedeo Modigliani. Il rencontre Paul Guillaume en 1922, qui acquiert de nombreux tableaux et le présente au collectionneur américain Alfred C.Barnes qui fera rapidement, lui aussi, l'acquisition de nombreuses de ses toiles, assurant au peintre une renommée internationale.

Le peintre a représenté tout déformé Le garçon d'étage, huile sur toile (vers 1927) avec des bras qui semblent tordus, des mains à peine dessinées qui ont été travaillées semble-t-il par de grands mouvements avec une peinture qu’on remarque épaisse.

La "vraie" blanquette de veau, à l'ancienne

Nous sommes entrés dans l'automne et nous avons envie de douceur, de réconfort, bref de ce qu'on appelle "les bons petits plats".

Je ne pense pas atteindre le coup de main de ma grand-mère mais voici une version de la blanquette de veau qui respecte les fondamentaux tout en étant simple à réaliser.

Il vous faudra 1 kilo de sauté de veau (en général il est mentionné blanquette sur l'étiquette) mais, si possible on préférera d'associer une viande peu grasse comme l'épaule ou le collier avec une autre entrelardée comme le tendron, la poitrine ou le flanchet.

Au moins 250 grammes de champignons. On prend ceux dits de Paris mais on pourrait en préférer d'autres. 

2 carotte(s) 
3 blanc(s) de poireau(x) 
1 morceau de branche de céleri 
1 oignon piqué d'un clou de girofle
1 gousse d’ail (et 1 échalote si possible, mais pas indispensable)
1 ou 2 jaunes d'œuf
50 g de farine 
70 g de beurre (20 = 50)
3 cuillères à soupe de crème fraîche 
Bouquet garni (persil, thym, laurier), Sel et Poivre
Persil plat 

Citron et vin blanc (facultatif)

Epluchez les légumes et détaillez-les à votre convenance. Nettoyez et émincez les champignons grossièrement. Tranchez la viande en morceaux si nécessaire. 

Dans une cocotte, une marmite ou un faitout, versez 2 l d'eau froide où vous plongerez les morceaux de viande. On maintiendra l'ébullition 1 à 2 min pour les blanchir (les débarrasser de leurs impuretés et de leur amidon). On retirer alors la viande qui sera passée sous une eau froide. On aura jeté l'eau d'ébullition.

On replace la viande dans la cocotte vide et on place dessus tous les légumes et aromates, y compris sel et poivre.

Ajoutez de l'eau froide de manière à juste recouvrir le tout (si vous le souhaitez avec aussi un peu de vin blanc). Couvrez, portez à ébullition, puis baissez le feu et laissez mijoter environ 1h30 à petits frémissements. La moitié de ce temps si vous utilisez une cocotte minute.

Pendant la cuisson de la viande, faites revenir les champignons dans une poêle avec un peu de beurre (et 3/4 d'un jus du citron si vous aimez). 

Puis préparez un roux blond : dans une casserole, faites fondre 50 g de beurre, et saupoudrez-le avec la farine. Mélangez vivement jusqu'à brunissement puis détendez avec une louche de bouillon de cuisson. Continuez jusqu'à obtenir le volume souhaité. Cette fois j'ai aussi utilisé un reste de bouillon de potiron qui a donné un parfum très agréable à la sauce.

Au moment de servir, je répartis les champignons dorés dans les assiettes ainsi que la viande et les légumes débarrassés du bouquet garni et de l'oignon. J'arrose avec la sauce dans laquelle j'ai délayé au dernier moment un jaune d'oeuf (2 si j'ai une grande quantité de sauce) et de la crème fraiche (sans surtout faire bouillir), et du citron si on le souhaite. 

Certaines personnes n'envisageraient pas ce plat sans vin blanc. Dans ce cas on ajoute 4 cuillères à soupe de vin blanc sec en même temps qu'on place les légumes dans la cocotte. Je ne l'ai pas fait cette fois-ci parce que j'avais ce si gouteux bouillon de potiron pour al sauce et parce que j'avais décidé de servir avec un Sauvignon blanc Vendanges tardives de Capdepon.

Et en dessert pourquoi pas un cake à la banane comme celui-ci pour achever de se réconforter ?

Exposition Heinz Berggruen, un marchand et sa collection au Musée de l’Orangerie

J’ai été enchantée par l’exposition Heinz Berggruen, un marchand et sa collection que j’ai vue au Musée de l’Orangerie alors qu’a priori je n’y venais que pour revoir les grands tableaux de Monet consacrés aux Nymphéas et en profiter pour revoir le fonds permanent.

C’est un petit tableau de Klee (1879-1940), un de ses peintres préférés, qui a été choisi pour l’affiche de l’exposition : Paysage en Bleu (Landschaft in Blau), 1917, Aquarelle, crayon, encre sur papier apprêté sur carton, 18,3 x 24,5 cm. Collection particulière, en dépôt au Berggruen Museum.

Le marchand-collectionneur allemand (1914-2007) a constitué un ensemble exceptionnel de ses maîtres du XX° siècle, en travaillant dans la lignée d’un Paul Guillaume, dont le musée conserve la collection, et à laquelle je vais consacrer un article spécifique.

Cette exposition temporaire permet d’explorer le rapport de ce galeriste singulier avec ses artistes et son réseau du marché de l’art de l’après-guerre à Paris. Il serait erroné de parler de "destin tout tracé" pour définir la vie de Heinz Berggruen. Né dans une famille juive à Berlin en 1914, il s’est exilé en Californie à l’orée de la Seconde Guerre Mondiale. Après des études en France, il a ses premiers contacts avec le monde de l’art à San Francisco. Au lendemain de la guerre, Berggruen préfère retourner sur le vieux continent, d’abord dans son pays natal en tant que journaliste, puis au siège de l’UNESCO à Paris. Lassé, il s’engouffre petit à petit dans le marché de l’art : après une première galerie Place Dauphine, il s’installe définitivement rue de l’Université où il se spécialise notamment dans les arts graphiques des artistes modernes.

Passionné, il noue très rapidement des contacts avec la sphère culturelle parisienne et rencontre autant les artistes à exposer que les poètes, marchands, historiens, critiques et collectionneurs de l’époque. Berggruen se fait une place certaine dans la capitale et fort de son succès, il devient son "meilleur client". En effet, guidé par ses propres goûts et affinités, il constitue une solide collection d’œuvres du XX° siècle autour de ses deux maîtres favoris : Picasso et Klee, dont il mettra en avant l’ensemble quasi exhaustif de leurs oeuvres. Il se focalisera aussi sur les remarquables papiers collés de Matisse et les sculptures filiformes de Giacometti.

Le parcours de l’exposition, entre monographies et focus thématiques, souligne avant tout les goûts particuliers et personnels de Berggruen. Cédé à l’état allemand en 2000, quelques années avant la mort du collectionneur, sa collection trouve un écho particulier avec celle de Paul Guillaume, faisant de lui un acteur majeur du marché de l’art parisien de la deuxième moitié du XX° siècle.

Klee a occupé une place à part dans la collection de Berggruen. Il est tant fasciné par cet artiste qu'il le surnomme "le magicien". Ses paysages abstraits sont des fenêtres sur le monde intérieur du peintre. C'est particulièrement sensible avec Lieu dans le Nord, aquarelle, gouache et encre sur papier apprêté sur carton (1923) où l'aquarelle permet une extraordinaire harmonie des couleurs et des effets de contraste et de résonance.

One Place, 5 restaurants et plus encore à Rungis

Gregory Cohen a inauguré hier un Food court sur la commune de Rungis. C’est aux portes du Min mais ce n’est pas à l’intérieur de l’immense marché international qui est, personne ne peut dire le contraire, un lieu d'approvisionnement exceptionnel.

Cela s’appelle One Place mais c'est en fait 5 lieux de restauration offrant cinq cuisines différentes dans cinq ambiances appropriées (plus une cuisine centrale, un bar privé, un restaurant d’exception). Et s'il ne s'agit pas d'un unique restaurant c'est parce que le chef, qui est aussi un homme d'affaires (n'y voyez aucune critique négative de ma part) a bien compris une des nouvelles tendances de consommation : vouloir multiplier les expériences gustatives sans se ruiner car le budget restaurant est le premier à être réduit, a-t-on après au premier semestre 2024 (avant le cinéma, les concert et le théâtre).

Une autre caractéristique est que, suite à la crise sanitaire et à la pandémie, on est devenu méfiant à sortir de chez soi. Il est donc crucial d’offrir des garanties de fait-maison et de traçabilité sur les aliments. La livraison à domicile devient un plan A plutôt qu’une solution de dernière minute. Ce n’est pas anecdote quand on lit certaines études chiffrant ce mode de consommation à 60%.

L'offre de Gregory Cohen est innovante et audacieuse parce qu'elle promet précisément du 100% fait maison. Voilà pourquoi il s'est doté en sous-sol d'une grande cuisine de préparation générale de 800 m2, utilisée comme un véritable laboratoire traiteur. Les consommateurs ne peuvent qu'être ravis. On le sait car les portes ont ouvert il y a quelques semaines, en septembre 2024, au sein du Parc Icade Paris Orly-Rungis, au sud de Paris.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce chef je rappellerai qu'il a commencé sa carrière dans le numérique à l'international, avant de revenir à son premier amour, la cuisine, en devenant célèbre grâce à ses nombreux passages télévisés. Il faut dire que la restauration est un secteur qu'il connait depuis toujours. Son père était chef du Galant verre, le restaurant de la rue de Verneuil dont Serge Gainsbourg était un habitué, appréciant particulièrement la sole meunière.

On entre par le rez-de-chaussée, qui comporte environ 300 places assises, réparties sur cinq espaces de restauration. Si le pari du chef est de promettre une cuisine rapide on peut tout de même avoir envie de s'attarder parce que les ambiances sont vraiment différentes et hésiter longuement entre les plats car on devine que les saveurs pourront surprendre.

Les cinq voyages gustatifs possibles correspondent aux affinités de Gregory Cohen qui le dit lui-même : Je suis profondément ancré dans la Méditerranée. J’aime les saveurs asiatiques. J'ai vécu pendant des années aux Etats Unis et j’ai des origines italiennes de par mes arrière grands parents, qui étaient siciliens.

Je ne sais pas si la soirée aura permis de s'en faire une idée exacte mais je vous garantis que le pastrami (maison, je le rappelle, comme le pain de mie des sandwichs) est à se damner et que j'ai adoré la version Reuben. Vous le trouverez chez Shmatz, inspiré du Katz's Delicatessen de Manhattan dans le Lower East Side, auquel Willy Katz, un immigré juif venu de Russie a accolé son nom en 1903. L'établissement propose des plats typiques de la cuisine juive nord-américaine comme le sandwich à la viande fumée, au corned-beef ou au pastrami, la soupe de boulettes de Matza, le sandwich Reuben (très surprenant pour qui le découvre car il est fourré de corned-beef, choucroute, emmental et sauce russe) et initie les américains aux cornichons de type pickle.

Bien entendu l'endroit se fait un devoir de proposer plusieurs bières pressions américaines (à consommer en toute modération, cela va de soi).

Les pâtes fraiches sont un régal (elles changent tous les jours) et les pizzas hyper digestes (on comprend l'intérêt de savoir préparer la biga, qui est une sorte de pré-ferment avant l'étape de pétrissage. Et chez Bella Gigi elle fermente 24 heures et la pâte lèvera pendant 48 autres). Je veux bien croire que ce sont les racines siciliennes qui auront inspiré Grégory qui a tenu particulièrement à équiper l'espace d'un four dix étoiles.

Le papier peint jaune mis en scène par Alix Riemer

J'ignorais que The Yellow Wallpaper, Le papier peint jaune, écrit par Charlotte Perkins Gilman en 1890, était un texte majeur de la littérature féministe et fantastique américaine.

Une jeune femme ayant récemment accouché est condamnée à une "thérapie du repos" par son mari John dans une chambre au papier peint jaune d'une grande maison coloniale de l’Est américain, et se retrouve peu à peu en proie à de multiples hallucinations.

Qu'il s'agisse d'une pépite est une évidence avec la formidable incarnation de Marie Kauffmann, qui le soir de la première, a fait face à plusieurs aléas avec sang-froid. Ce fut d'abord le malaise d'une spectatrice puis plus tard une salve de tirs qu'on pensait appartenir à la bande-son tant ils résonnaient à un moment clé.

Quelque chose, et c'est infiniment subtil, nous laisse entendre dès le début que le discours de la jeune femme est sincère mais sonne faux. Je veux dire que le spectateur n'est pas dupe. Le mari n'a pas enfermé Jane "pour son bien". Le doute n'est permis que sur les motivations du conjoint qui, parce qu'il est médecin, s'arroge le droit de décider ce qui est bon pour sa femme, et s'emploie à l'en persuader, sans y parvenir tout à fait. Il suffit de l'entendre nous confier que John est médecin et que c'est peut-être pour cette raison que je ne guéris pas plus vite.

Il est plausible que la jeune mère ait développé une dépression post-partum. Ce récit est d'ailleurs largement autobiographique et comme Virginia Woolf ou Edith Wharton, l'auteure a été contrainte à une "cure de repos" prescrite par un médecin, et qui la plongea dans les parages de la folie. La publication du Papier peint jaune amènera -et on s'en réjouit- le corps médical à remettre en cause ce type de soins.

L'enfermement ne gommera pas le baby-blues de Jane. On l'a compris avec la crise sanitaire de 2020. Un confinement cristallise les tensions. L'isolement, qui a été annoncé pour ne durer que trois mois mais dont on ne voit pas la fin, va légitimement "taper sur les nerfs" de la narratrice, cramponnée à son fauteuil, figée dans une posture de défense pendant la première partie.

Qui résisterait à n'avoir le droit de ne rien faire, en étant écartée de son enfant, privée de toute visite (sauf celle d'une belle-soeur inquiétante) et interdite d'écrire alors que c'est la seule chose qui peut la soulager, ce qu'elle fera en cachette … impossible de procéder autrement.

La description de la pièce vaste, aérée et ensoleillée, mais avec des barreaux aux fenêtres et un lit horrible a de quoi miner le moral de la plus optimiste d'entre nous. Et ce papier peint orné de grands motifs jaunes devient le seul endroit où il est possible (et autorisé) de rêver un peu. De là à s'évader il n'y a qu'un pas. A condition de quitter la posture dans laquelle le personnage s'est rigidifié.

Ce qui est très réussi c'est de permettre au spectateur de se laisser porter par le mystère en lui laissant imaginer le motif du papier peint. Voilà pourquoi la chambre est un lieu symbolique, bordée de deux murs de rideaux blancs sur lesquels la lumière créera des ambiances. Des cierges ceinturent le sol, jaune curcuma intense, dont on est persuadé qu'il est composé de sable coloré. Quelle surprise quand il change brutalement de teinte ! Le travail de Mathilde Chamoux est magique.

Côté costumes Anaïs Heureux a coupé une tenue évoquant l'habit de lumières que porte le torero sur une chemise blanche à jabot, et suggère la détermination de la patiente, pour le moment immobile au centre de l'arène, à l'exception de sa tête qui est le seul organe à bouger. Vous comprenez ? Je ne baisse pas la garde.

Nous non plus. Nous devenons attentifs au moindre signe, qu'il s'agisse d'un cri de grenouille, d'un mot, d'un changement de ton du sable. L'emprise masculine est présente sous nos yeux et la folie devient le moyen d'entrer en résistance et de parvenir à gagner la libération par le fantastique. A condition de savoir décrypter ce qui se cache derrière le jaune du papier peint comme nous le suggère en voix off la traductrice Dorothée Zumstein dans les dernières secondes du spectacle.

Je ne peux me résoudre à ne pas pointer que le nom de la compagnie créée en 2018 par Alix Riemer s'appelle la Compagnie Paper Doll avec laquelle elle a conçu son premier spectacle d'après les journaux de Susan Sontag. Le rapprochement s'imposait … avec cette troisième mise en scène.

Pour terminer je préciserai que Charlotte Perkins Gilman (1860 -1935) née à Hartford, dans le Connecticut, a connu une enfance difficile. Le Papier peint jaune a suivi une période de crise après son premier mariage et la naissance de sa fille. Sa publication lui redonna la force d’écrire, d’enseigner, de voyager sans jamais cesser de militer à travers les États-Unis et l’Europe, pour le socialisme et les droits des femmes et de dénoncer une médecine masculine incompétente cherchant à hystéries les corps des femmes.

Le papier peint jaune de Charlotte Perkins Gilman

Traduction de Dorothée Zumstei

Mis en scène par Alix Riemer

Avec (en alternance) Marie Kauffmann ou Alix Riemer

Scénographie Hélène Jourdan et costumes Anaïs Heureux

Création lumière Mathilde Chamoux et sonore Tom Ménigault

Du 05 au 16 novembre 2024

Du mardi au vendredi à 20h30 sauf jeudi 14 à 14h30 / samedi à 19h30

Au Théâtre Silvia Monfort - 106 Rue Brancion - 75015 Paris - 01 56 08 33 88

L'affiche du spectacle est L’œil du python, Courtesy d’Anne-Charlotte Finel et de la galerie Jousse Entreprise © Adagp, Paris, 2020 

Trois amies d’Emmanuel Mouret

Trois amies est un film d’Emmanuel Mouret qui m'a énormément touchée tant il est bien conçu (alors que la bande annonce ne m’avait pas convaincue).

Les relations amoureuses y sont traitées sous un angle original, avec beaucoup de respect et de tendresse. Les personnages ont envie de vivre une belle histoire d’amour tout autant qu’ils le redoutent. Et surtout, personne ne veut blesser qui que ce soit. Quand cela se produit on cherche à réparer quitte à être maladroit. Car chacun a intégré qu'en cas de séparation la peine est bilatérale.

Joan n'est plus amoureuse de Victor et souffre de se sentir malhonnête avec lui. Alice, sa meilleure amie, la rassure : elle-même n’éprouve aucune passion pour Eric et pourtant leur couple se porte à merveille ! Elle ignore qu’il a une liaison avec Rebecca, leur amie commune... Quand Joan décide finalement de quitter Victor et que celui-ci disparaît, la vie des trois amies et leurs histoires s’en trouvent bouleversées.

Emmanuel Mouret a bien fait de collaborer avec Carmen Leroi pour écrire le scénario. Il traite avec subtilité la question de la jalousie (ou de l’envie) et passe en revue les occasions de remercier, au sens propre comme au figuré. Avec une dimension philosophique indéniable : être vivant c’est aussi être triste.

Sur quoi repose la durabilité d’une relation amoureuse ? Est-ce sur l’honnêteté comme le pense Joan (India Hair, formidable comme toujours), quitte à provoquer par ricochet un drame ? Inversement son amie Alice (Camille Cottin) mise tout sur la stabilité, quitte à supporter une passion éteinte. Quant à Rebecca (Sara Forestier) elle tangue avec fantaisie et pragmatisme dans une situation inconfortable tant professionnellement qu’affectivement, n’osant pas réclamer plus à la vie. Elle-même se révèlera d’une honnêteté extrême, démontrant combien le mensonge peut devenir une marque d’honnêteté quand il sert à préserver l’autre.

Le casting des trois personnages masculins principaux, avec Damien Bonnard, Grégoire Ludig, Vincent Macaigne, est parfaitement équilibré. Avec "en prime"  Eric Caravaca qui est surprenant en contre-point.

Ajoutez plusieurs formes de comique, dans les dialogues, dans la répétition, dans la situation, dans un jeu expressif, dans un équilibre entre irrationnel et contingences matérielles, et même dans des choix musicaux comme la brillante idée d’évoquer les célébrissimes notes de Carmen de Bizet. Et puis la ville de Lyon est filmée avec tendresse et originalité.

On y décline je t’aime, moi non plus à l’infini, suivant les personnages sur plus de deux ans, ce qui permet une réflexion poussée sur l'évolution des personnages, dans une vision très féministe qui ne diabolise pas les hommes. Je ne qualifierai pas le film de marivaudage parce que les personnages du film ne cherchent pas à séduire sans s’attacher. S’ils ne s’attachent pas (ou se détachent) ce n’est pas intentionnel et jamais dans la manipulation comme on le constate par exemple dans La double inconstance, en ce moment au théâtre du Lucernaire. 

La tragédie n’est jamais loin mais côtoie le comique avec un humour joyeux qui libère le rire du spectateur. C’est sans doute cela l’essence d’une comédie romantique réussie.

J'écrivais à la fin du billet consacré à Chronique d'une liaison passagère : D'Emmanuel Mouret j'avais beaucoup aimé Une autre vie, un peu moins Les choses qu'on dit, les choses qu'on fait. Le réalisateur voulait y démontrer que pour construire une relation durable il fallait s'appuyer sur des projets communs plutôt que sur un plaisir appelé à être éphémère. Et ne jamais perdre de vue que personne peut tout faire bien, ce qui déculpabilise complètement, pourvu qu'on soit de bonne intention.

Je terminais l'article de 2022 en disant mon impatience de découvrir le prochain film de notre Woody Allen français. J'ai été enchantée par Trois amies et je pense que c'est le plus abouti et nous donne l'occasion de saluer Sara Forestier dont on se réjouit du retour au cinéma et qu’on espère revoir très vite.

Trois amies

Réalisation – Emmanuel Mouret

Scénario – Emmanuel Mouret et Carmen Leroi

Avec Camille Cottin, Sara Forestier, India Hair, Damien Bonnard, Grégoire Ludig, Vincent Macaigne, Eric Caravaca …

En salles depuis le 06 novembre 2024

Ombres portées de Raphaëlle Boitel

C’est un choc et plus encore qu’un coup de coeur que j’ai ressenti tout au long de la représentation d’Ombres portées, un spectacle chorégraphié et mis en scène par Raphaëlle Boitel que j’ai vu à Paris au Théâtre Silvia Monfort.

Je devais, mais les choses en ont décidé autrement, passer l’après-midi à la Médiathèque Marguerite Yourcenar, 41 rue d’Alleray. J’ai changé mes plans, ignorant que les photos du spectacle capturées par Pierre Planchenault y étaient exposées avec le soutien du Divan Librairie. Ce fut après tout un mal pour un bien car la surprise fut encore plus forte.

Il est proposé à partir de 10 ans mais il me semble que cet âge est un peu jeune pour en apprécier davantage que les effet esthétiques.

Rarement une note d'intention aura été aussi juste tant il est vrai que Raphaëlle Boitel a construit Ombres Portées comme une œuvre à tiroirs, qui plonge le spectateur dans une poétique Kafkaïenne, autour d’une réflexion sur la quête identitaire, la construction de soi, les destins qui basculent, la fragilité des équilibres, mais évoque aussi la question du sentiment de culpabilité ou de ses dommages collatéraux. 

Le spectacle commence avant que ne se dissipe un épais brouillard. Une jeune fille (Vassili Rossilion) parle et danse suspendue à une corde (ce qui, même en étant sonorisée est une véritable prouesse). Ses cheveux accompagnent ses mouvements et scandent ses souvenirs et ses rêves. Elle se balance, comme tous les enfants du monde, à ceci près que la corde est en forme de V … et que ça devient vite plus qu'impressionnant … et que sans qu'on y prenne garde elle disparaisse dans les cintres.

Après le cirque, place au théâtre avec une scène de mariage accompagné de la promesse que "ce sera vite passé et que tout ira bien", comme si cela pouvait se dérouler ainsi. Personne n'est dupe.

Il y a aussi du mime dans le jeu des artistes. Et une musique répétitive, composée par Arthur Bison, dont on se demande si elle provoque leurs mouvements ou si elle en est issue.

Tristan Baudoin est un génie en matière d'éclairage. Le peu de lumière sur le plateau nous contraint à mieux regarder et à maintenir notre attention à son paroxysme. Plus tard les rayons stroboscopiques permettront, à l'instar de pinceaux, de découper l'espace en y configurant comme des parois noires entre lesquelles les personnages se débattent, en dansant parfois à reculons, composant des figures insensées.

Il y a aussi des moments de douceur comme ce dîner sur la musique mélancolique à souhait de Simon & Garfunkel créée en 1970, "Bridge over Troubled Water" dont les notes reviendront plus tard. Ce choix n'est sans doute pas un hasard. Le spectacle est imprégné de références à la psychanalyse.

La chanson, emblématique d'une époque, a reçu 7 Grammys alors qu'elle a été composée à la va-vite (c'est de notoriété publique) ce qui reviendrait à célébrer le contraire du mérite. De plus, elle a correspondu à la fois au sommet de la carrière du duo folk et au point de rupture qui a conduit à la séparation, un thème au coeur de la scénographie d'Ombres portées.

Les dialogues sont mesurés et chaque mot est pesé, charriant les violences subies et redoutées, les amertumes et les regrets, amenant le spectateur à supposer des non-dits. On joue sur scène avec les mots avec la même souplesse qu'on danse avec les corps.

Parfois surréaliste, tantôt comique aussi. Qu'il est savoureux ce simulacre de séance mené par un psy dans la fumée (on ne peut s'empêcher aux cigares de Lacan) d'un docteur à la méthode laconique (sic).

Quelques minutes plus tard c'est de nouveau amusant de suivre la conversation téléphonique avec le téléphone rouge, posé sur cette table qui bouge, prenant de la hauteur quand le sujet l'impose. Nos sentiments passent par des montagnes russes tout au long de la représentation qui joue sur et avec nos frayeurs.

Tous les arts sont convoqués : cirque, théâtre, mime, musique, mais aussi cinéma quand nous sommes face à des séquences qui se déroulent en accéléré comme dans un film, à la frange de l'illusion et donc de la magie. Et bien évidemment la danse qui reste le pivot central. Les corps qu'on plie et déplie comme des origamis resteront longtemps imprimés dans nos mémoires.

Il faut s'arrêter un instant sur Alba Faivre, spécialiste de mât chinois, corde lisse et trapèze, sortie en 2016 de l’École nationale de Cirque de Montréal et dont le travail s’articule toujours entre cirque traditionnel ou contemporain et danse, ce qui la prédisposait à rencontrer Raphaëlle Boitel. Tia Balacey est une acrodanseuse exceptionnelle. Elle interprète avec Vassili (citée en début d'article) et Alba plusieurs rôles féminins.

Le sexe masculin est représenté lui aussi par 3 personnes. Parmi eux Alain Anglaret (pour la première fois sur une scène) qui est le père, rôle difficile qu'il assume avec tempérament, jusqu'à consentir in fine un "pardon ma grande" qui soudera, on l'espère, une réconciliation transgénérationnelle. L’acrobate et danseur Mohamed Rarhib et puis le fabuleux Nicolas Lourdelle, en beau-fils volage, amoureux de deux des filles de la famille, est porteur d'un secret douloureux.

Cet artiste est également responsable des machineries et de la sécurité de ses partenaires, fonction essentielle sur un tel spectacle.

Ombres Portées
Mise en scène et chorégraphie Raphaëlle Boitel
Avec Alba Faivre, Vassiliki Rossillion, Tia Balacey, Mohamed Rarhib, Nicolas Lourdelle, Alain Anglaret
Collaborateur artistique, lumière, scénographie Tristan Baudoin
Musique originale Arthur Bison
Machinerie, accroches, agrès, sécurité Nicolas Lourdelle
Espace sonore, régie son Nicolas Gardel
Construction décor Ateliers de l’Opéra National de Bordeaux
Mise en garde : effets stroboscopiques
Théâtre Silvia Monfort, Paris
du 5 au 23 novembre 2024
Du mardi au vendredi à 19h30
Le samedi à 18h 
Et en tournée à la Faïen­ce­rie, Scène conven­tion­née de Creil le 5 décembre
La Passerelle, Scène nationale de Gap les 23 et 24 janvier 2025
Théâtre Durance, Scène nationale Château-Arnoux-Saint-Auban les 28 et 29 janvier
Le ZEF, Scène nationale de Marseille les 6 et 7 février
Célestins, Théâtre de Lyon du 19 au 23 mars

Le Royaume, premier long métrage de Julien Colonna

J’étais heureuse de renouer avec le rituel de l’avant-première surprise à l’initiative de l’AFCAE. C’est presque les yeux bandés que je me suis retrouvée en projection.

Dans ce cas on fait feu du moindre indice. La cymbalisation croissante des cigales, ces insectes les plus bruyants de notre planète, situait l’action en bordure de Méditerranée. Le titre, Le royaume apparut dans une typographie modeste. Et aucun nom du générique ne m'était connu hormis le patronyme de Colonna qui ne permet aucun doute. L’action se situera en Corse.

La scène d’ouverture, de chasse au sanglier noir, confirme l’évidence. Une jeune fille, murée dans un puissant silence, ouvre la bête et sort les viscères sans frémir de se maculer de sang. On sent à la contraction des mâchoires qu’elle est très concentrée, peut-être inquiète, seule femme, qui plus est très jeune, dans ce monde d’hommes où elle est en train de se faire une place légitime.

Une fois n’est pas coutume : j’ai pris peu de notes au cours de la projection. Soit que j’étais comme empêchée par la dureté de la scène, en raison du nombre de tirs qui, même avec un "silencieux", sont impressionnants, ou même par l’angoisse parce qu’on ne sait pas ce qui va arriver comme dans cette scène de chasse qui se prolongera par l’envoi des deux canines (de plus) sur les genoux de la jeune fille qui collectionne ces trophées. Soit aussi que j’étais emportée par le naturel d’une séquence de confection d’une soupe de poissons, semble-t-il improvisée, et dégustée dans une joie sincère. Ou encore intimidée par un passage au fond d’une piscine. 

C’est sûr, les scènes sont souvent sans explication. Les dialogues ne sont jamais bavards, marqués par une vraie pudeur, alternant le dialecte (sous-titré) et le français. Il n’y a pas de musique pour faire monter la tension, pas de violons en crescendo. On entend essentiellement le fracassement des vagues sur les rochers et les cigales qui, mais le savez-vous … font du vacarme pour signaler la présence de prédateurs. Et puis des chansons de variété. Les accents sont sincères. Et on est abasourdi d'apprendre que notamment les deux rôles principaux sont tenus par des non-comédiens. Remplacez l’un d’eux par Vincent Lindon (très bon acteur au demeurant) et vous avez un thriller à grand spectacle. Alors qu’ici tout semble authentique. Et pourtant on ne saura rien des enjeux qui poussent au(x) crime(s) si ce n’est une affreuse escalade qui fait dire au réalisateur qu’il a voulu mettre en garde les candidats à l’héroïsme apparent de la vendetta. La voyoucratie est un chemin qui ne peut qu’être pavé de drames. Sans pour autant chercher à donner des leçons Julien Colonna en dénonce le mécanisme en pointant les dommages collatéraux de ce choix de vie sur l’entourage.

Corse, 1995. Lesia vit son premier été d’adolescente. Un jour, un homme fait irruption et la conduit à moto dans une villa isolée où elle retrouve son père, en planque, entouré de ses hommes. Une guerre éclate dans le milieu et l’étau se resserre autour du clan. La mort frappe. Commence alors une cavale au cours de laquelle père et fille vont apprendre à se regarder, à se comprendre et à s’aimer. 

Le père est un bandit et on saura à la fin du film pourquoi il est tombé dans ce piège qui va se répéter avec sa fille. Ça se terminera mal. Impossible qu’il en soit autrement. Quoique ce soit affaire de point de vue car elle aura noué une forte relation avec cet homme qu’elle voyait si rarement. Son éducation est relativement bienveillante. Il essaie de la protéger en lui donnant les seules clés qu’il connaît : être silencieux, brouiller les pistes, se méfier de tout le monde. Mais aussi être courageux et déterminé. Quand elle peine à sortir du sommeil il se contente de conseiller : lève la tête, le corps suivra. Dans ce microcosme qu’on connaît pour ses affaires de terrorisme ce sont les hommes qui mènent la danse. Les femmes restent toujours en retrait et donc exclues (théoriquement) des rixes. Peut-être pour les protéger car ce sont elles qui élèvent les enfants. Mais ici Lesia se retrouvera en première ligne, sans y avoir été contrainte. À se pisser dessus de peur. Et le public n’est pas loin de ressentir pareil effroi, oubliant qu’il est dans une salle de cinéma.

Une chose est sûre. Je ne serais pas allée le voir spontanément. Parce qu’il parle de violence. Parce que, se déroulant en Corse, on sait bien quelle réalité se cache derrière les sublimes paysages. Après avoir visionné deux fois la bande-annonce, j’avais renoncé à voir la dernière fiction de Thierry de Peretti, A son image dénonçant la Corse des années de feu. Il n'y avait aucune chance que je découvre spontanément le film de Julien Colonna. Je serais passé à côté d'un chef d’œuvre.

Sans être autobiographique ce film est inspiré de la relation que le réalisateur, né en 1982, a vécue avec son père, qui fut un parrain notoire. Il y a beaucoup de vrai mais cela reste un récit de fiction. Le Royaume se réclame être un travail de scénaristes, pas un travail de mémoire. Il faut souligner d’ailleurs qu’il est co-écrit avec Jeanne Herry, réalisatrice et scénariste en 2023 du prodigieux film Je verrai toujours vos visages, et du très réaliste Pupille en 2018.

Le Royaume, premier long métrage de Julien Colonna

Scénario de Julien Colonna et Jeanne Herry

Avec Ghjuvanna Benedetti, Saveriu Santucci, Anthony Morganti, Andrea Cossu, Frédéric Poggi

Avec avertissement

En salle le 13 novembre 2024

Le musée de l’Orangerie pour y revoir les Nymphéas

Je suis allée au musée de l’Orangerie pour revoir les Nymphéas de Monet parce que mon souvenir était flou et que j’avais besoin de m’en approcher avant de terminer ma chronique du livre (plutôt polémique) de Grégoire Bouiller.

Cet écrivain, persuadé que Monet a enfoui un cadavre (ou plusieurs) quelque part, entreprend d'explorer les huit panneaux géants de quatre-vingt-onze mètres de longueur sur un peu moins de 2 mètres de hauteur, comme s'il s'agissait d'une scène de crime. Je consacrerai un article spécifique à l'analyse que je fais de la sienne.

J’espère que je n’aurai pas été influencée à mon insu par le raisonnement de l’écrivain qui est très critique, c’est le moins qu’on puisse dire. Toujours est-il que je ne fus pas longue à voir un visage dans ce panneau (ci-dessous). Étrange, non ?

Mais, curieusement, l’émotion tant attendue n’a pas été au rendez-vous. Peut-être parce qu’il y avait une affluence énorme, surtout de japonais qui n’arrêtaient pas de se photographier devant les toiles (si bien qu’on avait du mal à les voir dans leur intégralité), et beaucoup de bruit contrairement à la volonté de Monet et malgré les rappels à l’ordre (eux aussi bruyants) du personnel de surveillance.

Le peintre a conçu son cycle des Nymphéas de sorte qu’on ne puisse pas l’embrasser d’un seul regard. Ici, on a tout le temps l’œuvre devant soi et derrière soi. On est forcé d’être en mouvement. Forcé d’entrer la ronde. Impossible de voir les Nymphéas dans leur totalité. Si bien que, ne sachant où donner de la tête, on est un peu perdu, on est désorienté, on perd pied, déboussolé on est. On ne sait pas vraiment où se mettre ni ce qu’il y a à voir (…). Au vrai, on ne voit rien. Rien de précis. Rien de définitif. Il faut en permanence accommoder sa vue, entre s’approcher au plus près et se reculer au plus loin, entre myopie et hypermétropie (…) comme si son intention avait été de réaliser un film se déroulant dans le temps et dans l’espace ! (p. 25).

Je voulais faire l’expérience, ce fut fait. Et j’ai bien noté que Grégoire Bouiller n’a pas eu à chercher longtemps pour apprendre l’origine de cette série. Elle est mentionnée en toutes lettres sur le passage surélevé (qui n’est pas un pont japonais … ) : l’artiste a conçu ses toiles "sans dessin et sans bords" en hommage au 11 novembre en accord avec son ami Georges Clemenceau, glorieux "Père de la Victoire". Il a prévu les formes, les volumes, la disposition en continuum dans deux salles ovales, les scansions et les espaces entre les différents panneaux, le parcours libre du visiteur, la lumière zénithale, tout cela pour provoquer une expérience d'immersion totale dans la peinture. L'installation a malgré tout été faite bien après la mort de l'artiste.

Etant sur place, j’ai bien entendu visité les fonds permanents qui sont un émerveillement et qui à eux seuls méritent amplement qu’on se rende dans ce musée. L’exposition temporaire Heinz Berggruen, un marchand et sa collection (jusqu’au 27 janvier 2025) est elle aussi fort intéressante, permettant de voir des oeuvres rarement montrées au public parisien.

Autre chose m'a intriguée, les sièges disposés ça et là, et dont j’ai remarqué qu’ils composaient des lettres. J’ai cherché à en connaître l’origine. Appelées Matrices Chromatiques, ces sculptures fonctionnelle ont été conçues par Agnès Thurnauer pour offrir un signal visuel fort et élégant au musée de l’Orangerie rénové.

Ces sculptures bancs d’aluminium mat sont des lettres en creux à échelle du corps, installées dans plusieurs espaces du musée, dans l’objectif de diffuser l’aura de l’œuvre de Monet comme autant de "nymphéas-lettres" (ou "Nymphéas de langage" comme les nomment Cécile Debray, la directrice de l'Orangerie) et formeraient le mot "chromatiques" si on les juxtaposait.

Elles sont néanmoins fort pratiques et face aux chefs-d’œuvre, les Matrices/Assises ont vocation à réactiver notre capacité à les lire, en mesurant leur singularité et en recevant leur puissance. Enfin, qu'elles s’apparentent à du mobilier et soient éditées en série permet de toucher un public plus large.

Musée de l’Orangerie

Jardins des Tuileries - 75001 Paris

Ouvert tous les jours de 9 heures à 18 heures, sauf le mardi (jour de fermeture)

Nocturne le vendredi jusque 21 heures

Gratuit le premier dimanche du mois

(photo ci-dessus de l'ancienne porte d'entrée du monument)

Les grands méchants, album d'Elsa Oriol et Marie Desplechin

Un an après L'enfance des méchants, l'Ecole des loisirs publie un livre comparable, réalisé par deux autres de leurs auteurs, Elsa Oriol (pour les illustrations) et Marie Desplechin (pour les textes).

L'autrice fidèle de cet éditeur avait précédemment réussi une collaboration passionnante avec Claude Ponti, intitulée Enfances, que j'ouvre régulièrement avec grand plaisir. Ici sa plume a été trempée dans la malice pour faire le portrait, en une page seulement, de célébrités plutôt monstrueuses que des cohortes d'enfants ont côtoyé.

La marâtre de Blanche-Neige, Dracula, Barbe-Bleue, la Reine de cœur... Iconiques ou méconnus, ces grands méchants de contes, romans ou mythes nous effraient de génération en génération. Et si nous leur donnions la parole pour qu'ils nous livrent leur version des faits ? Sincères ou manipulateurs... est-ce si évident ?

Le résultat est amusant, jouissif, particulièrement en cette période d'Halloween, et même éducatif car Sophie Van Der Linden, qui a rédigé une intéressante introduction, a raison : les méchants nous initient à l'altérité et Marie nous invite à les regarder d’un autre œil … qui fait l’essuie-glace entre le texte et l’image, cherchant dans la peinture des indices prouvant que les mots sont justes.

Combien de fois ai-je écrit que, dans l'affaire du Petit Chaperon rouge, c'était la mère qui était entièrement responsable des déboires de la gamine ? A-t-on idée d'envoyer une enfant vêtue de rouge de pied en cap à travers la forêt ? D'ailleurs de multiples versions réhabilitent le loup, quand on n'en fait pas le perdant de l'affaire. L'illustratrice a raison de le représenter en petit marquis tandis que le texte nous interroge sur nos propres habitudes alimentaires puisque, étant omnivores, manger de la viande ne nous est pas essentiel.

On apprend que Cendrillon s'appelait Cunégonde et son portrait en creux (car la méchante reste Javotte) est assez amusant, démontrant que tout est question de point de vue.

C'est un peu fort de café s'agissant de Barbe-Bleue mais la chute est plutôt bien trouvée et réussit à nous faire douter. Comme quoi, à l'instar des contes, une double lecture est envisageable que vous soyez encore enfant ou déjà adulte. 

S'agissant de Dracula j'ai une image plus positive des vampires depuis que j'ai vu Vampire cherche suicidaire consentant, un premier film très réussi d'Ariane Louis-Seize.

Certains personnages se défendent avec une mauvaise foi méprisable comme le Prince de la Petite Sirène (dont j'avais oublié la misérable existence). J'aurais d'ailleurs plutôt retenu Ursula, la sœur du roi Triton qui est inspirée de la sorcière des mers du conte d'Hans Christian Andersen.

La Reine de Coeur, à l'inverse, déploie des arguments rationnels qui font mouche. Et c'est la Marâtre de Blanche-Neige qui fait la couverture et qui, de loin, semble rayonner comme la madone d'une icône.

N'allons pas croire pour autant que le sexe féminin est plus familier de la méchanceté. Les deux compères ont choisi quasiment autant de personnages masculins que féminins (respectivement 7 et 6) et ont fait preuve d'originalité car je n'aurais pas pensé aux Parents du Petit Poucet ni au Joueur de flûte de Hamelin.

Elsa Oriol a recours à la technique du glacis qu'elle apprécie pour la possibilité qu'elle offre de revenir en arrière (ce qui serait impossible avec l'aquarelle). Après avoir tracé les traits de ses personnages elle les recouvre de peinture à l’huile blanche, au couteau de manière à instaurer du relief.

Quelques jours plus tard, quand la feuille est bien sèche, elle reprend son dessin par transparence et applique ensuite la peinture qui aura des effets de transparence. 

Les grands méchants, album, illustrations d'Elsa Oriol, textes de Marie Desplechin, Kaléidoscope, Ecole des loisirs, en librairie depuis le 10 octobre 2024

Un déjeuner chez Vendémiaire

On peut indifféremment dire qu'on va déjeuner chez ou au Vendémiaire. Le propriétaire du restaurant éponyme a choisi de donner ce prénom peu commun, qui est aussi le sien, à l'établissement qu'il dirige en trio depuis juillet dernier.

Il est calligraphié élégamment sur la carte qui évoque un passeport, estampillé 1973, date de naissance du maitre des lieux.

Passionné d'histoire, il a aussi choisi cet intitulé pour faire référence au mois des vendanges dans le calendrier révolutionnaire, parce que c'est un des surnoms de Napoléon, dont je rappelle qu'il repose à quelques pas, sous le dôme des Invalides.

Je reviendrai sur le parcours et sur le credo de Vendémiaire Nadd-Mitterrand ainsi que sur la description des différents espaces en fin d'article mais, en tout premier, un restaurant est un endroit où l'on vient pour se régaler. Alors place aux assiettes.

Pour commencer nous sommes partis sur un Tartare de daurade, mayonnaise aux crustacés, pickles d'oignons (qui pourrait être servi enrichi de caviar Baeri Perle noire) et sur un Tataki de boeuf mariné au vin rouge, sauce Chimichuri, purée de potimarron. Mais j'avoue avoir hésité avec des Poireaux grillés, noisettes et orange brûlée, et des Carottes rôties au miel et au thym, crème d'Isigny, témoignant de l'attention de l'équipe à satisfaire aussi une clientèle végétarienne.

Sachez en tout cas que les Oeufs bio mayonnaise au persil demeurent à la carte tant ils sont devenus incontournables. Tout comme les Huitres fines de claire, pomme verte et salicorne.

Comme boisson nous avons suivi le conseil du serveur d'accompagner les entrées avec un verre d'une AOP du Languedoc dont nous avons apprécié les arômes floraux (chèvrefeuille), fruités (amande fraiche) alors que de fins amers ajustent l’équilibre. Cette cuvée Clos Marie Manon Blanc de 2023 est surprenante par sa tension, qui tient probablement de la combinaison de plusieurs cépages (clairette, grenache, carignan … ) dont quelques-uns sont issus d’anciennes parcelles.

En plat, la carte ayant récemment changé nous nous sommes laissé tenter par deux nouveaux classiques, des Gambas à la plancha, crumble de chorizo, fenouil confit, bisque (qui bientôt laisseront place aux coquilles Saint-Jacques) et à un Foie de veau, sauce au cidre, amandes torréfiées.

Le foie de veau est devenu rare sur les cartes des restaurants et c'était une occasion à saisir. Comme tous les plats, cette assiette est pensée comme un tableau, avec l’utilisation de fleurs comestibles, ici l'oeillet de poète, qui ajoutent une élégance supplémentaire.