Berlin, Berlin de Patrick Haudecœur et Gérald Sibleyras

Si vous n'avez pas encore vu Berlin, Berlin (créé en janvier 2022 au Théâtre Fontaine), ne vous lamentez pas. Le Théâtre des Nouveautés reprogramme ce bijou où le rire est garanti du début à la fin.

Berlin Est. Emma et Ludwig veulent s’enfuir et passer à l’Ouest. Emma se fait engager comme aide-soignante chez Werner Hofmann pour s’occuper de sa vieille mère sénile. Elle n’est pas là par hasard, cet appartement possède un passage secret qui mène de l’autre côté́ du Mur. La situation est déjà̀ suffisamment compliquée mais si en plus, Werner est un agent de la Stasi, qu’il tombe fou amoureux d’Emma, et que l’appartement est un nid d’espions, on bascule dans l'absurde et le délire.

La distribution a changé. Vous ne verrez pas Maxime d'Aboville qui était si merveilleux qu'il eut un Molière d'interprétation pour le rôle qu'il y assurait. Mais, je reprends ses paroles le soir de la cérémonie : Berlin Berlin est d'abord un spectacle de troupe de 8 comédiens. Je salue le capitaine de ce navire, José Paul, le coauteur de la pièce Gérald Sibleyras, et celui qui en est l'âme, Patrick Haudecoeur qui est un très grand clown.

Vous avez de la chance, Patrick n'a pas lâché son bébé et il joue très finement Ludwig, le simple d'esprit qui provoque bourde sur bourde. A ses côtés Anne Charrier, succède à Lysiane Meis. Elle était déjà formidable dans En attendant Bojangles, l'adaptation théâtrale du roman d'Olivier Bourdeaut dont la performance poignante lui avait valu sa toute première nomination aux Molières en 2018. Elle exécute dans le rôle d'Emma, une traversée sans faute, dynamitant carrément le quatrième mur tant elle est naturelle.

Marie Lanchas (la mère et Birgit, l'agente impayable de la Stasi), Guilhem Pellegrin (pauvre général inconsolable du départ de sa chère Greta), Claude Guyonnet, Loïc Legendre et Gino Lazzerini sont toujours là.

Guillaume Bouchède reprend le rôle de Werner Hofmann (initialement joué par Maxime d'Aboville, actuellement Napoléon au Poche Montparnasse) qui, bien entendu, change de nature, mais reste très savoureux.

J'ai beaucoup aimé ce spectacle où tout est pensé pour faire rire une fois passée l'introduction, avec une évocation filmée de la construction ce "joyau de  l'ingénierie est-allemande" qu'était le mur de Berlin nous mettant illico et très intelligemment dans l'atmosphère de l'époque ne nous faisant passer du noir et blanc de la reconstitution à la couleur de la scène du théâtre. J'ai brièvement reconnu des façades devant lesquelles je me suis promenée (lire ici mes articles sur cette ville). L'inévitable chanson de Marlene Dietrich ouvre véritablement le spectacle.

Le décor évoque à jardin un monde fracturé. La dissimulation du paysage secret fait penser -ce qui est forcément intentionnel- à la cachette de la famille d'Anne Frank. Plus tard le portrait accroché au mur de la Stasi est sans nul doute celui d'Erich Honecker, l'ancien dirigeant de l'Allemagne de l'Est (RDA).

Tous les types de comique sont à l'oeuvre. Le lexique, la répétition, les mimiques, l'absurde, les allusions, les quiproquos … jusqu'à la chanson originale et humoristique (écrite spécialement pour la pièce par Patrick Haudecœur) du général mélancolique devant le rideau de scène pendant le changement de décor par les machinistes pour la seconde partie.

J'ai adoré Patrick s'effrayant du bruit de la porte qu'il claque lui-même disant sur tous les tons possibles : quelle est la teneur de ce message  ? Il est inoubliable dans la scène du violon jouant Le goujon de Schubert. Et Loïc Legendre reprenant la réplique culte de Robert de Niro Are you talking to me ? dans Taxi Driver, en faisant semblant de dégainer un pistolet caché sous sa veste à l'intention d'un adversaire imaginaire.

On est dans le registre d cela comédie et on pense pourtant parfois que ça va se terminer mal. Mais vous vous en doutez, le mur tombera à la fin et l'Ode à la joie pourra résonner. Berlin, Berlin est entré dans les classiques du genre. La pièce a été publiée à la Librairie Théâtrale (collection Les Classiques du Boulevard), le 24 mars 2022

Berlin, Berlin de Patrick Haudecœur et Gérald Sibleyras

Mise en scène José Paul

Avec Guillaume Bouchède, Anne Charrier ou Lysiane Meis (selon les périodes), Patrick Haudecœur, Marie Lanchas, Guilhem Pellegrin, Michel Lerousseau, Loïc Legendre, Claude Gyonnet et Gino Lazzerini

Décors Édouard Laug, Lumières Laurent Béal

Costumes Juliette Chanaud, Vidéo Sébastien Mizermont

Musique Michel Winogradoff

Au Théâtre des Nouveautés
24 boulevard Poissonnière, 75009 Paris
www.theatredesnouveautes.fr

Depuis le 17 septembre 2026

Du mardi au samedi à 21h Samedi à 16h30, dimanche à 16h

A 19h ou 18h30, voir le calendrier

On ne jouait pas à la pétanque dans le ghetto de Varsovie

On ne jouait pas à la pétanque dans le ghetto de Varsovie

Éric Feldman est déjà installé installé confortablement alors que le public cherche sa place. Du moins on espère qu’il l’est parce que son siège de bois semble plutôt rudimentaire. La musique est rythmée, gentiment jazzy. L’homme est imperturbable, consultant régulièrement un petit carnet, une pile de livres à portée de main.

La lumière baisse quand résonnent les premières notes de Petite fleur (de Sidney Bechet) dont je n’ai pas le temps de vous donner les paroles mais, croyez-moi, elles sont tout à fait raccord avec la soirée.

La détente, c’est pas évident, répète-t-il deux fois, ce qui est exactement ce que je pensais … L’important, c’est de bien respirer … d’être disponible à la vie, tout çà. On n’a droit qu’à un seul tour de manège. 

Mon dieu, où ai-je mis les pieds ? Une leçon de développement personnel, de philosophie ? Doit-on prendre ces mots au pied de la lettre ou au second degré ? La réponse à toutes ces questions est oui.

Pour démonstration, il va réussir à nous faire tous inspirer et expirer alors que le noir s’est totalement installé dans la salle.

Les répétitions seront fréquentes, dites éventuellement sur un autre ton. Le comédien joue sur les mots autant que sur les prononciations. Il fait preuve d’un esprit d’escalier qui tournicote comme un parachute ascensionnel. Ainsi, après nous avoir parlé de Christiane Singer dont le nom peut se prononcer de plusieurs manières, il enchaînera avec Isaac Bashevi Singer, prix Nobel de littérature en 1978, disant qu'à l’intérieur de chaque cerveau, de chaque système nerveux, rodent des cellules porteuses de folie et de criminalité.

On a compris qu’il fera avec grand sérieux de la dérision à propos de tout, en multipliant les apartés, et même les apartés d’apartés. Alors, on boucle sa ceinture et on se prépare au décollage.

Son humour est noir, très noir. Qui d'autre oserait décortiquer la prononciation de "Auschwitz" et -pire encore- faire un jeu de mot avec witz, ce terme désignant une blague ou un mot d'esprit typiquement juif d'Europe centrale, à propos duquel Freud a consacré une partie de son ouvrage, Le mot d'esprit et sa relation avec l'inconscient. Il ne fait aucun doute pour le célèbre psychanalyste que c'est un mécanisme de défense libérant les tensions par le rire.

Certes, on rit, parce que c'est drôle, mais on s'en veut un peu même si on a compris qu'il s'agit d'une politesse du désespoir. Il va vraiment très loin à plusieurs reprises. Notamment en estimant que c'est par malchance que Freud n'a pas soigné Hitler, ce qui aurait pu sauver des millions de vies. Mais il est mort en septembre 39, alors qu'Hitler envahissait la Pologne. Une autre de ses hypothèses porte sur la responsabilité de l'Académie des beaux-arts de Vienne de l'avoir recalé, et cela à deux reprises.

Toute la famille semble à portée de voix, Tonton Lucien ou Tata Sarah, l'oncle Gilbert qui portait un slop ridicule en guise de maillot de bains.

Au milieu de la pièce, il évoque un oncle qui glisse à l'oreille d'un autre rescapé, presque comme une blague, On ne jouait pas à la pétanque dans le ghetto de Varsovie, alors que celui-ci jouait aux boules avec des amis, sans doute alors tous insouciants de leur liberté et de leur bonheur.

Il remet tout en cause, même l'ordre des dix commandements, estimant que Tu ne tueras pas devrait être en première position. A peine a-t-on réfléchi qu'il change de cap : ça me fait penser … c'est spécial la vie quand on y pense.

Il se lève pour dévider un long rouleau de papier blanc sur lequel on découvre son père chanter un texte écrit par Serge Gainsbourg.

Il n'est pas à une aberration près, et parfois il voit juste. Je croyais à une blague, encore une, quand il expliqua les motivations du créateur du Club Med, un certain Gérard Blitz missionné en 1945 par le gouvernement belge pour travailler à la réinsertion de rescapés des camps de concentration. Il imagine un "contrc-camp" où passer des vacances sans aucune contrainte où il sera possible de manger à volonté et où le loisir sera roi. Je croyais que le concepteur était le français Gilbert Trigano qui y vit l'occasion de recycler ses tentes militaires, désormais inutiles. Son énergie l'a rendu célèbre mais il n'est intervenu qu'en seconde position.

A la fin, Éric Feldman entonne le chant yiddish Zog nit Keynmol (Ne dis jamais que tu arrives au dernier chemin), également connu comme le chant des Partisans du ghetto de Varsovie, qui intervient à ce stade comme une mémoire des traumatismes de la Shoah et comme une prière (un kaddish). 

Il n'est alors éclairé que par une simple bougie. Sa voix enfle en un écho et doucement s'efface alors que la salle est plongée dans le noir.

Fin, fin, et fin de Lancelot Cherer

Impossible de voir toutes les pièces qui se jouent pendant le festival d’Avignon. Il y en a presque 2000 si on totalise les deux festivals. Ce n’est pas davantage réaliste pour les scènes parisiennes dont le nombre peut grimper à 700 pour une seule soirée. Alors, forcément il y a des pépites qui nous échappent. Comme Fin, fin et fin …

J’avais été touchée par l’émotion de Lancelot Cherer, auteur, metteur en scène et comédien, le soir de la remise des Molières. 

Mon personnage a du mal à dire je t'aime. Moi je vous le dis très fort avant de remercier l'intermittence qui lui a permis ce pari d'écrire le spectacle.

Le spectacle affichait alors complet au Théâtre Lepic et je m’étais promis de me "rattraper" à la reprise à partir du 10 septembre 2026.

La pièce qu’il a écrite m’intéressait mais, évidemment, je voulais aussi découvrir sur scène le comédien qui avait reçu le Molière de la révélation masculine.

La distribution qui joue en ce moment est toute autre de celle de la création… mais j’ai adoré la manière de jouer de chacun des trois artistes. Ceci pour dire que si Lancelot était absent ce ne fut pas la fin du monde. Gary Guénaire m’a bluffée. J’ai adoré Inès Do Nascimento et Tristan Pellegrino n’a pas du tout démérité. Disons que si je voulais pousser l’expérience jusqu’au bout je reviendrais volontiers pour voir le trio des débuts avec Lancelot Cherer, Eugénie Thieffry et Baptiste Dupuy. Mais je n’aurais pas encore tout vu puisque ce dernier a joué en alternance aussi avec Enzo Monchauzou.

Commençons par le début. Par une évocation musicale de la Marseillaise dans une ambiance de fête foraine. Le discours d’un président de la république, tout de langue de bois (et qui fait bigrement écho à la pièce précédente, Pourquoi les gens qui sèment, qui à 19 h interpelle sur le même sujet) nous rappelle immédiatement une situation vécue il y a quelques années quand il nous a annoncé que le pays était en guerre. On nous intima alors l’ordre de nous confiner. Ce soir, Charlie, Bastien, et Guillaume, amis et marginaux, qui l’ont écouté, ont décidé de suivre une autre voie. Autant mourir en beauté devant un lever de soleil !

Ils choisissent le pique nique plutôt que la panique. Vous aurez deviné que tout dans la soirée va gentiment ou cruellement déraper. Les références se télescopent. Les fans de séries et de films d’horreur en auront tout leur soûl. Les amateurs de théâtre ne pourront pas être déçus. Je me répète mais la mise en scène (collective) des comédiens donne le beau rôle à chacun.

La catégorie "comédie dramatique" réussit rarement à combiner aussi finement le rire et le frisson, ce qui fait que certains estiment que nous assistons à un spectacle inclassable qui inaugure peut-être un nouveau genre. La fin du monde s'accompagne de la transformation des humains en zombis mais comment y voir un drame puisque, à l'origine, c'est ainsi qu'on appelle un mort ramené à la vie par la magie.

Je ne vais pas raconter davantage les aventures de tous les personnages. Je dirai seulement que chacun réagit selon son tempérament. Alors que rien n'a jamais été aussi précaire il y des gens qui poursuivent coûte que coûte. Des travailleurs qui persistent à travailler et les flics de fliquer.
 La société est si solidement ancrée dans leurs esprits que l’apocalypse elle-même ne suffit pas à les en faire sortir.

Mais nous, qu'aurions-nous fait (ou que ferions-nous) en pareille situation ?

Fin, fin, fin de Lancelot Cherer
Mise en scène Collective


Avec Eugénie Thieffry (en alternance avec Inès Do Nascimento), Lancelot Cherer (en alternance avec Gary Guénaire) et Baptiste Dupuy (en alternance avec Enzo Monchauzou ou Tristan Pellegrino). 

Lumières Julien Ménard
Musiques Arthur Dupuy
Scénographie Lucie Baron
Costumes Sophie Benoit

Au Théâtre Lepic - 1 avenue Junot - 75018 Paris - 01 42 54 15 12

Le Procès d’une vie de Barbara Lamballais et Karina Testa

Le Procès d’une vie a été honoré au cours de al dernière cérémonie des Molières de trois statuettes :

- Molière du spectacle de théâtre privé

- Molière des autrices francophones vivantes pour Barbara Lamballais et Karina Testa

- Molière de la comédienne dans un second rôle pour Jeanne Arènes, tour à tour Lucette Duboucheix, une des co-accusées et Simone de Beauvoir, qui recevait ainsi le troisième Molière de sa carrière.

Été 1971, Marie-Claire, 16 ans, tombe enceinte. Bien que ce soit un crime puni par la loi, elle ne veut pas garder l’enfant. Elle veut avorter. Solidaire, sa mère, Michèle puis Lucette, Renée et Micheline mettent tout en œuvre pour l’aider. Mais l’avortement clandestin tourne mal… Automne 1972. Toutes les femmes se retrouvent inculpées. Une certaine avocate, Maître Gisèle Halimi, orchestrera ce procès, le procès de Bobigny. Leur courage a écrit la suite de l’Histoire.

J'avais tellement été convaincue par Hors-la-loi de Pauline Bureau que je n'avais pas, a priori, eut l'envie d'aller voir Le procès d'une vie sachant qu'il s'agissait du même sujet. Je me souvenais encore de répliques entières.

Mais j'avais été troublée par les paroles de Barbara Lamballais et Karina Testa le soir des Molières :  Restez dignes même si vous doutez. Ne cherchons pas à plaire. Ayons confiance en nous. Incroyable mais pas impossible. J'étais admirative de leur détermination puisqu'elles ont  tout de même consacré huit années de travail avant de pouvoir le créer l'an dernier en Avignon au théâtre des Gémeaux. Et puis j'avais très envie de voir jouer Jeanne Arènes (ci-dessus à droite).

Le jeu de l'alternance (et à ce titre je regrette que le théâtre n'affiche pas les noms de la distribution du jour) a voulu que ce soit une autre comédienne le soir de ma venue, de même pour le rôle de Gisèle Halimi, repris par Emilie Chevrillon (qui en a tout à fait la carrure). Ils sont tous méritants car ce n'est pas une mince affaire que d'incarner 28 personnages quand on n'est que 7, mais offre à chacune de beaux moments, par exemple à celle qui interprète la mère de Marie-Claire Chevallier. Mention spéciale d'ailleurs au seul homme qui en joue 6. 

La principale différence avec la version de Pauline Bureau consiste à davantage attirer le regard sur Gisèle Halimi (c'est elle que l'on voit au centre de l'affiche, reprenant un cliché de l'époque) que sur les accusées, même si le spectacle s'inscrit bien dans une dynamique en faveur de la cause féministe. D'ailleurs il commence par une adresse au public en reprenant l'assemblée générale historique moment historique du 5 avril 1971 qui fait suite à la parution de l’illustre Manifeste des 343 salopes, appelant à la dépénalisation de l’avortement et qui a ouvert la voie à la légalisation de cet acte en France.

On apprend beaucoup de choses sur la vie et la personnalité de l'avocate, en particulier sa difficulté à se faire admettre comme l'égal de son frère au sein de sa famille. Il fallut une grève de la faim pour que son père cède.

La scénographie est inventive et permet, par le biais de miroirs coulissants de voir en quelque sorte l'envers de chaque scène. Les changements se font à vue, comme nous y a habitué Alexis Michalik. Et parfois trois actions se déroulent simultanément, imprimant à l'ensemble un rythme soutenu qui provoque de la tension.

Les dialogues sont parfois brutaux, probablement fidèles à ce qui s'est réellement passé. On désigne une femme enceinte contre son gré comme étant "ennuyée", une formule qui prend des allures de nom de code. Quand le petit ami de la jeune fille s'offusque qu'elle ne veuille pas poursuivre la grossesse : Avorter ! C'est dégueulasse … C'est la tôle si ça se sait.

J'espère que chaque spectateur aura compris que c'est lui (violeur de Marie-Claire, seulement 16 ans) qui la dénoncera à la police pour s'éviter des poursuites après un vol de voiture.

La fin apporte un dénouement positif (sans surprise puisque nous connaissons l'histoire) mais qui est bien amené en rappelant d'une part que l'intention de Gisèle Halimi n'était pas de justifier qu'on puisse enfreindre la loi mais de convaincre qu'elle devait avancer. Et d'autre part en donnant la parole à toutes les femmes qui, s'exprimant d'une même voix, créé une chaine de sonorité qui provoque des applaudissements nourris.

Le Procès d’une vie

De Barbara Lamballais et Karina Testa

Mise en scène Barbara Lamballais assistée d’Armance Galpin

Les marchands d'étoiles d'Anthony Michineau

Je suis sans doute très naïve, ou trop premier degré, mais je n'ai compris le titre de la pièce que le lendemain tant le mot "étoile" est pour moi positif. Je m'attendais à une pièce porteuse d'optimisme et j'ai découvert un coup de projecteur sur de la grande tragédie.

Je ne suis pas la seule spectatrice à être sortie plus bouleversée qu'amusée par ce spectacle qui est pourtant effectivement pimenté de scènes qui provoquent le rire. Mais le sujet, lui, ne prête pas vraiment à la fantaisie.

Pourtant la bande-son accueillant le public installe une joyeuse ambiance. Berthe Silva chante "Frou-frou", créée en 1897 et Maurice Chevalier enchaine avec "Prosper Yop la Boum", qui est plus récente (1935).

Nous voici dans un dépôt de tissus parisien, un soir d'inventaire de juin 1942, et il s'agit de faire vite pour ne pas sortir après le couvre-feu imposé par la guerre. Car malgré tout la vie poursuit son cours. 
Raymond Martineau, le patron, ne réussit pas imposer son autorité à sa fille. A sa femme non plus, d'ailleurs. 
Et puis il y a aussi Joseph, son plus jeune employé, dont le père est breton mais dont on apprend brutalement que la mère est juive. 
Et enfin il y a Louis, son plus vieil employé, dont le nouvel ami pourrait bien être un collabo de la pire espèce.
 Mais à part ça… la vie poursuit son cours

Vous savez tout, ou presque. Les voilà qui entrent en scène, s'activent, s'invectivent un peu. L'atmosphère est bon enfant. Mais surviennent les premiers grincements.

Rien de grave, mais tout de même. La situation se complexifie de fil en aiguille. Heureusement, il y a Marcel, toujours prêt à "dissiper les malentendus" au prix de quelques billets. L'homme devient gourmand. Il tape et retape à la porte de l'atelier, flairant la bonne affaire.

Il s'incruste, devient harcelant, donne furieusement envie de le remettre à sa place sauf que le provoquer n'est pas un acte de résistance, mais juste une connerie.

Régulièrement une scène apporte un souffle récréatif et il se pourrait que plusieurs deviennent cultes à l'instar du Père noël est une ordure. La blague sur Hitler est plutôt drôle mais ne gomme en rien le caractère odieux de cet homme.

Sera-t-il possible de faire cesser le chantage ? Et si oui, à quel prix ? Qui en aura le courage ? 

Quand Yvette, la mère de famille estime qu'en temps de guerre on est juste tributaire du hasard d'une bonne ou mauvaise situation la salle se tait, songeuse.

Anthony Michineau a écrit des dialogues qui claquent à chaque réplique et qui continuent, quatre-vingt dix ans après les faits, à nous interroger sur le pourquoi du comment des horreurs de la guerre, lorsque la lâcheté l'emporte sur le courage.

Il interprète le rôle de Louis, le plus vieil employé, celui en qui on a toute confiance, et auquel il insuffle toute l'ambiguïté nécessaire.

Le spectateur ne sait quel parti adopter. Bien évidemment pas celui du maître chanteur mais peut-on soutenir ceux qui ont fait fortune en approvisionnant l’ennemi en tissu de couleur jaune ?

Et cette question insidieuse de s'interroger sur le risque que l'histoire puisse se répéter.

La pièce a été acclamée au festival d'Avignon en 2023 comme en 2024. Elle a été nominée à quatre titres aux Molières en 2025 : meilleur auteur francophone, meilleur spectacle de théâtre privé, meilleur second rôle masculin (pour Anthony Michineau) et meilleur premier rôle dans un spectacle de Théâtre privé, que reçut Guillaume Bouchède pour son rôle de père.

Ce n'était pas lui qui jouait ce soir. Une alternance s'opère entre des comédiens qui sont tous brillants, qu'on se rassure.

Les marchands d'étoiles d'Anthony Michineau
Metteur en scène : Julien Alluguette

Avec Nicolas Martinez (ou Romain Thunin), Guillaume Bouchède (ou Eric Collado), Anthony Michineau (ou Thibaut Gonzalez), Julien Crampon (ou Vianney Fayard), Stéphanie Caillol (ou Clotilde Daniault) et Axelle Dodier (ou Justine Teulié). 


Scénographe : Georges Vauraz Affiche : Florian Le Priol 
Création sonore : Yohann Roques

Au Théâtre du Splendid

48 rue du Faubourg Saint-Martin - 75010 Paris

Du mardi au samedi à 19 heures

37 ème Nuit des Molières aux Folies Bergère

Je dois approcher la 10 ème cérémonie des Molières. Je suis une habituée mais je reste vigilante à mon arrivée en salle de presse parce que chaque année voit de légères modifications vers davantage de professionnalisme, moins d’improvisation et plus d'encadrement. Je suis malgré tout nostalgique du long tapis rouge marquant les arrivées à la maison de la culture de Créteil, plus glamour que les rues voisines des Folies bergère, encombrées de fourgonnettes policières.

Il est vrai que le quartier a été très marqué par des attentants et que la prudence prime probablement. La soirée reste un moment festif sauf bien entendu pour les déçus privés de repartir avec une statuette et à ce sujet David Castello-Lopèz nous servira un sketch d'anthologie quand le nombre de "loosers" de ce soir aura déjà atteint le nombre de 33, recommandant de ne pas s'auto-applaudir, ce qui rendra "mort de rire" Ahmed Sylla (toujours souriant quelle que soit la vanne). David justifiera son ironie par le fait d'avoir été éligible l'an dernier sans aller jusqu'à la nomination, ce qui lui valut d'être un looser parmi les loosers sans avoir même le droit d'échouer en public. L'échec des autres aujourd'hui m'apaise conclura-t-il.

Il m’a semblé néanmoins que les hommes étaient moins bons "joueurs" que les femmes. J’ai vu des perdants s’éclipser prestement avant la fin. Par contre de grandes artistes non récompensées sont restées jusqu’au bout, même au-delà et leur sourire était rassurant. Elles vont continuer à nous éblouir dans leurs prochains spectacles..

Je me suis réjouie de la réception de plusieurs statuettes. Je n’ai pas à m’en cacher. Katia Ghanty (autrice et interprète des Frottements du coeur, mise en scène Éric Bu), est celle qui m’a le plus emballée. Elle méritait tellement cet honneur et je livrerai plus bas des extraits de son émouvant discours, même si, ne me faites pas dire ce que je n’ai pas écrit, les autres aussi étaient de haut niveau. A-t-on vu d'ailleurs dans l’histoire des Molières l’attribution d’un prix ex aequo ?

Certes il y a des récompenses qui se partagent, comme celle de la mise en scène entre Samuel Valensi et Paul-Éloi Forget pour leur formidable travail dans Made in France. Mais ils sont de la même équipe. Ou celui du meilleur auteur, en l’occurrence autrices pour Barbara Lamballais et Karina Testa, avec Le Procès d'une vie qui nécessita 8 ans de travail. Et enfin Valérie Lesort et Christian Hecq qui remportent avec le retour de leur Petite boutique des Horreurs trois ans après une première série à l’Opéra-Comique, respectivement leur 7ème Molière pour elle, 10 ème pour lui, ce qui signifie que le duo n'a pas systématiquement fait coup double. Ce soir, si je suis précise, c’est en fait leur spectacle qui est récompensé au titre de la création visuelle et ils ne sont d’ailleurs pas montés sur la scène.

Reprendre un succès (déjà moliérisé) ne garantit pas systématiquement de nouvelles statuettes. Les trois comédiens d'Art l'apprendront à leurs dépends malgré 4 nominations cette année. Aucune nouvelle récompense ne s'ajoutera en 2026 à celles obtenues à la création en 1995. Mais pour l'heure ils sont confiants et souriants au photo-call. On retrouvera François Morel dans le rôle d'Arnolphe de l'Ecole des femmes tout l'été au festival de Grigan.

J’ai lu que la soirée fut calme. Certes il n’y eut pas d’intrusion d’intermittents. Sébastien Thierry n’est pas réapparu dans le plus simple appareil pour interpeler la ministre. La CGT spectacle n’a pas fait son discours habituel (et qui jamais ne surprend).

La fougue et l'originalité sont venues de Lancelot Cherer qui salua l'intermittence qui lui a permis ce pari d'écrire Fin, fin, fin (2 Molières) et qui osa un big-up aux comédies émergentes qui prônent non pas l'entre soi mais l'accessibilité et la culture pour tous, méritant des putains de subvention pour continuer à faire vos spectacles qui sont importants en ces temps politiquement dangereux et anxiogènes.

L’émotion fut au rendez-vous avec l’intervention de Aïla Navidi qui rapporta les mots d'une iranienne pour nous interroger sur les exécutions quotidiennes dans un pays dont on doit souhaiter que le régime tombe un jour.

L’hommage aux disparus fut un très beau moment, avec la chanson de Terry Jacks Seasons in the Sun, réarrangée par Jean-Baptiste Soulard à la guitare et sublimement interprétée par Awa Ly. Qui nous manque le plus de Brigitte Bardot, Nathalie Baye, Tchéky Kario, Joffrey Kles, Lynda Mihoub ou de Bob Wilson ? J’ai remarqué de tristes sourires sur les visages des spectateurs …

J'ai aussi été touchée, et sans doute fûmes-nous nombreux à l'être, si j'en juge par la puissance des applaudissements, par Alex Vizorek opposant théâtre et IA, par le franc parler de Paloma avec une belle phrase pour chacun des nominés, par l'hommage d'Alex Lutz à son père (il est ci-contre avec son fils), de Jérôme Kirscher à sa mère, par Elsa Lepoivre, Jeanne Arènes, Katia Ghanty

, Marianne Pangos et Samuel Valensi dont les discours ont davantage été orientés sur les causes qu'elles soutiennent que sur leur propre personne.

D'une façon générale il m'a semblé que la majorité des spectacles récompensés portait un appel à la résistance contre de multiples formes de violence ou un hommage à la résilience.

J'ai aussi remarqué la reconnaissance de ceux qui sont passés par le théâtre public même (et surtout) s'ils reçoivent aujourd'hui un Molière pour leur travail dans le privé. A ce titre l'enseignement de Michel Bouquet aura été cité deux fois, par Jérôme Kirscher et par Muriel Robin dont il faudrait se souvenir de chaque mot tant ses paroles seront justes, notamment sur le côté malsain à l'encontre des victimes de viol du projet de loi SURE. Je reprends plus loin les extraits les plus signifiants de leurs discours.

La soirée s’est achevée sur les paroles enflammées de Jean-Christophe Meurisse, Molière du théâtre public pour I Will survive rappelant ce qu’il doit au service public. Quand j'avais 19 ans le théâtre m'a appris à lire, à penser, à être citoyen, amoureux, et m'a réconcilié avec l'humanité. J'espère madame la ministre (elle sourit) que vous allez continuer à tous, là et pas là, nous protéger pour l'avenir.

Juste avant, le discours sensible et percutant d’Anne Bouvier, présidente de l'Adami, valait toutes les déclarations syndicales. Elle a pointé un malentendu entre les artistes et les politiques et une partie du public. Nous avons laissé s'installer une image fausse d'un monde de privilégiés. Le revenu moyen d'un artiste dans le spectacle vivant c'est 590 euros par mois. Nous ne sommes pas là pour nous plaindre mais parfois on oublie ce que représente la culture. On la voit comme un luxe et c'est l'inverse. En 2024 les secteurs culturels ont généré plus de 100 milliards de chiffres d'affaires, plus de 53 milliards de valeur ajoutée à l'économie française. C'est plus d'un million d'emplois, soit 3 fois plus que dans le secteur de l'automobile. Partout en France la culture n'est pas un coût, c'est un investissement qui rapporte. La culture est faite d'artisans qui travaillent avec leurs mains, leur coeur, leur esprit. Elle est l'essence même de l'humanité parce que quand vient le chaos c'est tout ce qu'il reste. Charlotte Delbo a survécu aux camps de concentration en récitant dans sa tête des tirades du Misanthrope (…) alors la sauvegarde de l'humanité c'est cela votre ministère (et la ministre opine). Notre patrimoine premier c'est nous, ne l'oublions pas.

Sans qu'on le lui demande la salle s'est spontanément levée d'un bond. Merci Anne d'avoir mis les mots qui ont davantage leur place en début d'article qu'en conclusion. Puissent ils résonner longtemps !

J'ai suivi la soirée en salle presse et j'ai respecté l'embargo puisque la diffusion se fait en léger différé. J'ai bien entendu pris des notes au fur et à mesure, enregistré mes réflexions. C'est cependant après avoir visionné le replay de l'émission de manière à ne pas vous parler d'un moment qui aurait été coupé au montage puisque Alex Vizorek avait prévenu, avec l'aval de Jean-Marc Dumontet, on se donne le droit de couper les remerciements s'ils dépassent les 45 secondes. Ce fut le cas pour le discours de Jean-Philippe Daguerre qui tenait une dizaine de feuillets entre ses mains, mais il s'agissait peut-être -sans doute- d'un effet convenu et d'une connivence entre eux, même si ce ne fut pas du goût de tous le monde.

Quoiqu’il en soit avec une retransmission de 2 h 47 alors que le conducteur prévoyait 2 h 22 je ne vois pas ce qui a été retranché. La soirée m’a semblé plutôt équilibrée, entre humour et dignité, sérieux et dérision, joie et retenue. Les intermèdes voulus pour distraire n’ont pas du tout occulté la profondeur des paroles des artistes dont la responsabilité en matière d’engagement était tout à fait palpable, y compris jusqu’au Molière de la comédie. Ceci justifierait-il que la soirée ait réalisé la meilleure audience depuis 2015 en attirant 1,2 million de personnes ? Pour mémoire, l'an passé, 779 000 téléspectateurs s'étaient mobilisés le 28 avril 2025.

Revenons maintenant plus en détail sur le déroulé de la cérémonie. 

Potiche dans la mise en scène de Charles Templon

Très forte est la probabilité d’avoir déjà vu Potiche, soit au cinéma avec le film de François Ozon (2010) où Catherine Deneuve interprétait le rôle titre en compagnie de Gérard Depardieu et Fabrice Luchini, ou au théâtre, bien que la création du rôle titre par Jacqueline Maillan remonte tout de même à 1980.

On connait tous l’histoire dont il est impossible de ne pas avoir visionné un extrait de l’une ou de l’autre version.

Nous voici au Théâtre Libre, à deux pas du théâtre Antoine où l’immense Maillan officiait. Par chance la comédie pétillante écrite par Barillet et Grédy il y a plus de 45 ans reste tout à fait entendable, ce qui dénote que nous n’en avons pas fini avec le machisme bien que les femmes ne se laissent plus cantonner à une telle vision (sauf peut-être une certaine épouse d’un certain président outre-Atlantique mais là n’est pas la question. Et c’est sans doute au final une idée judicieuse que d’avoir quasiment repris le décor d’origine, tout à fait daté et ponctué de parapluies. On est en terrain de connaissance …

Dans la ville tranquille de Sainte-Gudule, rien ne semble pouvoir troubler la vie bien rangée de la famille Pujol. Et pourtant… Quand Robert, patron austère d’une usine de parapluies, est victime d’un malaise, son épouse Suzanne se voit contrainte de reprendre les rênes de l’entreprise. Docile et dévouée, Suzanne se révèle finalement une cheffe d’entreprise brillante et inattendue !

Au-delà du décor la super bonne idée est d’avoir fait une distribution au petits oignons, ce qui a sans doute pesé dans la nomination de la pièce aux prochains Molières au au titre de Meilleure Comédie. Avec en tête Clémentine Célarié qui combine intelligemment comédie et sérieux.

On ne se souvient pas de Patricia Karim qui était la Nadège d’origine. Par contre Karin Viard avait fait du personnage une parfaite secrétaire dans la version cinématographique. Ici c’est  l’excellentissime, Hugo Bardin alias Paloma (remplacée dans le rôle de Nadège par Kameliya Stoeva le 23 avril), qui fait le job et qui aurait bien mérité une nomination comme Molière de la révélation. Quel vent de folie douce !

Philippe Uchan, Jérôme Pouly, Benjamin Siksou, Alexie Ribes et Valmont Folcher se donnent admirablement la réplique avec une belle énergie et une complicité évidente … jusqu’aux lapsus et petits incidents rattrapés avec une dextérité jouissive.

On se surprend à trouver que des répliques cultes qui n’ont (malheureusement) pas tant que ça vieilli :

- Ton avis ? Tu as un avis ? Je te demande de partager le mien.

- Je n’ai pas à m’excuser d’être femme.

Côté bande-son, on s’amusera de reconnaître le générique d’Aujourd'hui madame, qui était d’ailleurs utilisé dans le film, et qui « date » l’époque. Ce magazine destiné aux femmes au foyer, ces fameuses « ménagères » a été diffusé sur la deuxième chaîne de 1970 à 1982. Le grand succès de Dalida, véritable ode à la liberté, qu’est Laissez-moi danser, lui fait en quelque sorte contrepoint.

On entend bien à la fin que la France est une grande baraque qui manque de femmes au pouvoir. On pourrait reprocher à Charles Templon de n’avoir pas osé dépoussiérer les dialogues en écrivant une adaptation qui aurait résonné avec les préoccupations actuelles. Et pourtant je lui donne raison. Tout en conservant l’action en 1977 le réalisateur avait glissé dans son film des allusions politiques contemporaines à la sortie du long métrage (se moquant aussi bien de Sarkozy que deSégolène Royal) qui ont terriblement mal vieilli, si bien qu’il en devient incompréhensible. Le journal La Croix avait d’ailleurs titré cruellement à l’époque Potiche un film cruche.

On remarque malgré tout que si au début le chemisier de Suzanne la confond avec le tissu vert des coussins du canapé, signifiant combien elle est ravalée à un niveau d’objet, à la fin elle resplendit en rouge alors que le mari a revêtu un blouson … vert.

Elle est brillamment ressuscitée au Théâtre Libre jusqu’au 14 juin 2026 où le rire contamine la salle entière et ça fait du bien sans prendre la tête.

Potiche de Barillet et Grédy
Mise en scène : Charles Templon assisté de Félix Beaupérin

Avec Clémentine Célarié , Hugo Bardin (Paloma), Philippe Uchan, Jérôme Pouly, Benjamin Siksou, Alexie Ribes et Valmont Folcher

Lumières : Denis Koransky assisté Mathilde Monier

Décors : Nicolas Delas
Costumes : Emmanuelle Youchnovski assistée de David Rossini
Création sonore : Côme Ranjard, Benjamin Siksou, Camille Vitté 
Perruques : Dorian Jollet

Au Théâtre Libre - 4 bougnats de Strasbourg - 75010 Paris

Du 12 février au 14 juin 2026

Le Bourgeois Gentilhomme mis en scène par Jérémie Lippman

Les trois coups résonnent sous le plafond du Gymnase Marie Bell qui est tout à fait raccord avec le décor du Bourgeois Gentilhomme, magnifiquement mis en scène et dépoussiéré par Jérémie Lippman et une troupe formidable, danseurs y compris. Mention particulière à la merveilleuse Marie Parouty en Madame Jourdain même si son mari, interprété par Jean-Paul Rouve est touchant de candeur, tout autant que de ridicule, lui valant une nomination comme meilleur comédien aux Molières.

L’ensemble est moderne, respectant malgré tout les codes du passé. La musique est baroque. Les cannes martèlent la mesure. Le lustre brille. Les perruches sont ébouriffées. Costumes et mimiques évoquent joliment Lagerfeld chez le tailleur, et quand la musique suggèrera celle des défilés le public ne retiendra pas ses battements de mains. Les intermèdes dansés sont tous très jolis. Les chorégraphies sont épatantes, et leur place est légitime puisque la pièce est une comédie-ballet.

Jérémie Lippman dit avoir envisagé l'espace scénique comme une arène pour évoquer à la fois la piste d’un cirque et le manège des apparences. De fait chaque personnage y vient, tour à tour, présenter son numéro pour défendre ses intérêts. Ce cercle infernal, s’accélère au fil des scènes (et même les saluts sont personnalisés). La scénographie évolue, puis se métamorphose, suivant ainsi l’aveuglement grandissant du protagoniste.

Les costumes, fidèles à l’époque de la pièce, incarnent les travestissements, les ambitions et les mensonges de ceux qui les portent. Tantôt apparats, tantôt déguisements, ils sont au cœur de la supercherie collective.

La musique omniprésente, emprunte à Lully ses fondations baroques. Elle se jouera, elle aussi de ce double jeu : elle guide, suggère, trahit, fait éclater le comique. À des moments clés, elle s’échappe du XVII° pour glisser vers des sonorités plus contemporaines, soulignant par contraste l’absurdité ou la modernité des situations.

Les ballets, accompagnent ces compositions et accentuent la frénésie et l’exaltation du ridicule, où le corps exprime ce que les mots dissimulent. Ils portent à leur paroxysme les illusions de grandeur de Monsieur Jourdain.

Est-ce que les gens de qualité font ci ou çà, portent ci ou çà, aiment ci ou çà ? Ne raillons pas les interrogations de ce bourgeois qui ressemble à s’y méprendre à tous les moutons qui suivent les influenceurs des réseaux sociaux.

"On veut toujours être quelqu'un d'autre, on aspire toujours à ce qu'on nous trouve mieux", a dit en interview Jean-Paul Rouve. Il confie avoir lui-même connu un sentiment d'imposture en arrivant de Dunkerque à Paris et avoir nourri son personnage de son propre parcours : "Tu as l'impression que tu es d'un milieu inférieur, c'est d'autres codes sociaux, d'autres façons de parler, d'autres goûts, d'autres rapports à tout. Donc il m'arrivait de mentir en disant 'oui, j'ai vu ça', de dire 'ça j'ai aimé, alors que je n'avais pas aimé', et de cacher mes véritables goûts".

Le comédien établit un parallèle avec la saga des Tuche, tout en nuançant : "Jeff Tuche ne change pas. Il vient dans un monde qui n'est pas le sien et au lieu de vouloir s'adapter, il vient avec son monde à lui et il va perturber le monde de l'autre. Alors que le Bourgeois, lui, veut s'adapter. Il a l'impression qu'il y a un monde qui est mieux que le sien et il veut appartenir à ce monde. Mais ils ont quand même tous les deux une part d'enfance très présente."

Combien de pères aujourd’hui ne pourraient pas se reconnaître dans le reproche : vous n’êtes pas gentleman, vous n’aurez pas ma fille quand leur progéniture annonce une union en dehors des attentes familiales ? Le désir de s’élever socialement n’est pas aussi ridicule qu’il y parait. C’est universel et près de quatre siècles après sa création au château de Chambord en 1670, Le Bourgeois Gentilhomme continue de faire rire et de questionner notre rapport aux apparences et à la légitimité sociale.

On déguste la conversation débattant de prose et de vers. Le rire de Nicole est contagieux quand elle estime que la maison est Mardi-Gras tous les jours. Le travail sur les voix et les accents est excellent. C'est un très beau travail de troupe longuement applaudi par un public conquis de scène en scène.

Traité avec une forte originalité, des parti-pris esthétiques tranchés sans pour autant dénaturer la pièce que nous connaissons bien. Il ne fait pas de doute que Jérémie Lippmann assisté de Sarah Gellé et Sarah Recht (qui ont également travaillé avec lui sur Les souliers rouges et Bungalow 21) sait s'entourer de talents.

Il n’y a pas longtemps, trois ans seulement Le Bourgeois gentilhomme, mis en scène par Christian Hecq et Valérie Lesort à la Comédie-Française, avait reçu le Molière du Théâtre public. Je me souviens de celui de Marcel Maréchal que je qualifiais de "régal". Il n’empêche que ceux qui bouderont la version de Jérémie Lippman se priveront d’un grand plaisir.

Le Bourgeois Gentilhomme mis en scène par Jérémie Lippman
Scénographie et décors : Jacques Gabel
Costumes : Jean-Daniel Vuillermoz
Chorégraphies : Tamara Fernando
Perruques : Catherine Saint-Sever
Musiques : David Parienti
Lumières : Jean-Pascal Pracht

Avec Jean-Paul Rouve, Jean-Louis Barcelona, Gauthier Battoue, Julien Boclé, Taylor Chateau, Michaël Cohen, Hugues Delamarlière, Eleonora Galasso, Audrey Langle, Joséphine Meunier, Florent Operto, Marie Parisot, Marie Parouty, Héloïse Vellard

Au Théâtre du Gymnase jusqu'au 2 mai 2026

Mais aussi pour une date exceptionnelle à l’Olympia le 24 janvier 2027

La photo qui n'est pas logotypée A bride abattue est une photo de © Tanguy Mendrisse, prise à la création de la pièce au Théâtre Antoine, en septembre 2025.

Et les nominations aux Molières 2026 sont …

(mis à jour le 4 mai 2026)

Jean-Marc Dumontet, président des Molières, a profité de la conférence de presse d'annonce des nominations pour rendre hommage au soutien indéfectible de France Télévisions qui diffuse la cérémonie en prime.

Cette prochaine soirée qui aura lieu lundi 4 mai sur France 2, à 21 h 10 et qui sera réalisée par une femme, Patricia Rimond des Anges (Production toujours  Act4 Productions) est plus utile que jamais pour mettre en avant toute la créativité, certes forte, mais malmenée comme jamais avec les coupes budgétaires qui ont lieu un peu partout …

Jean-Marc Dumontet, producteur de théâtre pointilleux et reconnu, possède le théâtre Antoine, le Théâtre Libre, Le Point-Virgule, Le Grand Point-Virgule, Bobino et la Salle Gaveau (où avait lieu la conférence de presse). Il est co-propriétaire des Folies-Bergère. Et surtout, il préside depuis 2013 l’association des Molières. Il considère que malgré tous les aléas le spectacle est plus vivant que jamais autant dans le public que le privé mais que le besoin de relai reste essentiel. Il a souligné aussi qu’un théâtre populaire n’était pas incompatible avec l’exigeance.

De son côté Anna Holmes, directrice des programmes de France télévisions, a confirmé l’investissement du service public avec 150 pièces diffusées -dont 25 inédits- sur l’ensemble de ces chaînes, soit une augmentation de 15% par rapport à l’an dernier. C’est très important puisque chaque diffusion touche environ 7 millions de "spectateurs". Et on peut se réjouir que l’audience de France 4 connaisse en la matière une croissance de 35%.

Après Courgette, Les gros patinent bien, Le retour de Richard 3 par le train de 9h24 on peut citer, rien que pour la semaine du 3 mai Bungalow 21, Une idée géniale, Du charbon dans les veines, Le repas des fauves, Un pas de côté et L’école de danse de Carlo Goldoni, avec la troupe de la Comédie-Française (tout le programme est détaillé ici).

Elle a confirmé qu’étant la vitrine de la création théâtrale française, en mettant à l’honneur celles et ceux qui font vibrer les scènes, la retransmission de la Cérémonie des Molières était le point d'orgue de la place du théâtre sur les chaines publiques. Mais comme dit précédemment l’action ne se limite pas à cet évènement, loin s’en faut. Cette seule soirée vise 1 millions de téléspectateurs, ce qui serait l’équivalent de 840 représentations aux Folies Bergère. Elle sera diffusée en léger différé, à 21 heures, depuis ce magnifique théâtre mais rien ne filtrera de le remise des premières statuettes avant 22 h 30 sur les réseaux sociaux.

Pour la troisième fois (non consécutive) Alex Vizorek en sera le présentateur et s’il n’a rien voulu révéler de particulier nous avons deviné qu’il y aurait des surprises de taille, et de l’humour bien entendu. Pour l’instant tout est encore à l’état de pistes et nous savons simplement que Jim Carrey ne pourra pas venir. faisons confiance à celui qui est tout de même à longueur de temps un jour sur trois sur une scène.

L’assemblée étant impatiente de connaitre les nominations ce sont Hugues Leforestier, directeur général et Gaëlle Billaut-Danno, une des administratrices, qui ont donné la liste des 46 spectacles distingués parmi les 225 éligibles et vous constatez que 7 d’entre eux figurent dans 3 catégories. On est loin du trust de certaines années par des pièces qui allaient jusqu’à 7 nominations comme Edmond, Courgette ou encore Le canard à l’orange …

Ce sont les 3800 électeurs qui votent, en s’exprimant généralement à 60% au premier tour et 70-75% au second, qui se déroule sur quelques jours, du 13 au 18 avril à 21 h. Il faut savoir qu’on n’est pas votant à vie et qu’on est exclu si on ne vote pas pendant deux ans. Les règles sont, on le constate, très strictes et rigoureusement appliquées.

Il y a des surprises dans la liste des nominations du fait que les spectacles sont soumis par les théâtres ou les producteurs, en justifiant du nombre de dates de représentations nécessaires. Certains ne souhaitent pas le faire et c’est leur liberté. Et s’il n’y a que 3 nominations dans la catégorie spectacle musical c’est parce que les titres proposés cette année étaient au nombre de 5. Il aurait été déraisonnable de tous les retenir.

Suite à la mise à jour du 4 mai 2026, 23 h 30, les gagnants apparaissent en rouge.

Made in France de Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget

(mise à jour 4 mai 2026)

Made in France a été créé au Théâtre de Belleville l'an dernier. Après une belle tournée (passant par Auxerre, le festival Off d'Avignon en juillet 2025, le Théâtre de la Concorde (Paris), Saint-Denis, Alfortville, Conflans Sainte Honorine, Saint Cloud et j'en oublie sans doute) la pièce est revenue à Paris, au Théâtre de la Renaissance et va continuer son bonhomme de chemin jusqu'au 27 avril … à moins que la soirée des Molières (le 4 mai) ne suscite une nouvelle prolongation.

Le spectacle commence à Londres en 1830 avec le rappel de l'évènement ayant amené la municipalité à concevoir le premier réseau de tout-à-l'égout au monde pour endiguer la propagation d'une nouvelle maladie, le choléra, laquelle avait fait 30 000 morts en trente ans.

Faudra-t-il voir dans ce prologue un message d'espoir signifiant qu'à tout malheur quelque chose est bon ?

Le spectacle pose de nombreuses questions sans donner de réponse. Paul-Eloi Forget et Samuel Valensi revendiquent un théâtre politique mais pas politisé, ce qui fait une énorme différence.

Mais voici Emile qui, après un long temps passé à l’attendre derrière les barreaux, a obtenu sa peine aménagée. Dès demain, il passera ses journées à "faire le ménage" l’usine et ses nuits en centre de détention, de quoi rêver d’une sortie rapide pour bonne conduite. Il suffit que le patron signe son contrat d'engagement. Sauf que l’usine où il s’apprête à travailler délocalise.

Par chance, … pour nous car sinon il n'y aurait pas eu de spectacle, une série de quiproquos vont s'enclencher. Le pauvre Émile va pour se tirer du mauvais pas, devenir le meilleur des syndicalistes, prétendre sauver l’usine, ses collègues et, peut-être, au passage, le pays tout entier.

Made in France est un spectacle qui raconte le combat d’hommes et de femmes prêts à tout pour sauver l’industrie française... enfin... à tout, sauf à faire quelque chose. N'oublions pas que nous sommes dans le registre de la comédie même si les références à des situations dramatiques sont évidentes, à commencer par des fictions théâtrales (Les Frères Lehman et 7 minutes de Stefano Massini, 1336 de Philippe Durand ou encore La Formule du Bonheur de Rainer Sievert), cinématographiques (Ressources Humaines de Laurent Cantet, Un Autre Monde de Stéphane Brizé), sérielles (Baron Noir, House of Cards, Borgen ou encore Parlement) et littéraires (tout particulièrement l’œuvre de John Steinbeck, en toute évidence puisque les deux co-auteurs se sont rencontrés à la création de Des Souris et des Hommes).

Pour ce qui est du ton, ils reconnaissent des inspirations dans le cinéma déjanté des frères Coen, les traitements punk et grinçants d’Albert Dupontel ou de Ruben Östlund, la grande comédie des petits riens si chère à Jacques Tati ... et on pensera aussi à un film qui vient d'être porté à l'écran, le thriller social de La Guerre des prix d'Anthony Déchaux même s'il est trop récent pour les avoir influencés.

Mais la réalité est si noire que chacun aura en tête ses propres sources, depuis Alstom, Arcelor-Mittal … ou sa propre entreprise. La note d'intention des créateurs est un modèle de discours parallèle et j'imagine très bien quel pourrait être elle ton de leur discours en cas d'obtention du Molière du Meilleur spectacle théâtre privé, de la Meilleure mise en scène et/ou du Meilleur auteur, voire des trois.

Ainsi ils précisent que comédiennes et comédiens incarnent chacun plusieurs personnages afin d’en limiter le nombre. Ils ont reçu pour consigne de jouer ce qui est absurde avec sérieux et ce qui est sérieux avec absurdité. Notre monde étant souvent kafkaïen c'était bien la moindre des choses. Le texte est de ce fait hyper dialectique tout en reprenant des formules connues comme trahir c'est la base en politique.

La musique est littéralement au centre de la scène, incarnant le rythme de l’usine. Elle est le chef d’orchestre qui fait régner le désaccord, le système qui impose son tempo au groupe, tord les désirs individuels et précipite des décisions solitaires.

Grâce à la présence de la batterie, les changements de décor s'effectuent tambour battant. les panneaux n'arrêtent pas de glisser dans une chorégraphie complexe qui annonce les entrées du repreneur, d’un conseiller ou d’un ministre. Ils suggèrent le confinement d'un bureau, un couloir ministériel, un hangar, un parking … Au spectateur de faire l'effort de reconstituer le décor.

Des néons suspendus donnent la hauteur de l’usine, redescendent pour nous enfermer en cellule, deviennent élégants et tamisés dans les arcanes du pouvoir.

Outre le pauvre Emile, on croise le directeur d'usine qui n'assume ni les décisions du groupe étranger qui détient l'établissement ni ses propres mensonges. Il y a l'inévitable syndicaliste qui elle aussi tente de tirer son épingle du jeu sous couvert de négociations. Paradoxalement Emile est celui qui met le plus d'énergie à tenter de sauver l'usine et sa bonne volonté met le spectateur dans sa poche alors que nous condamnons autant le patronat que le syndicat … comme le pouvoir politique.

On en ressort sur l'air de Kaät de Roseaux & Blick Bassy avec plus de questions qu'au début sur les causes et les conséquences de notre désindustrialisation, ce qui était le but premier car le théâtre est bien un des lieux qui restent pour réfléchir.

Et surtout la revue est faite que la création théâtrale ne connait pas l'essoufflement.

Samuel Valensi a fondé la compagnie La Poursuite du Bleu en 2014. Au sein de cette dernière, il a écrit et mis en scène L’Inversion de la courbe, puis Melone Blu créé en 2019 au Théâtre 13 – Seine. En 2019, il est lauréat du prix Jeune Talent FoRTE de la Région Île-de-France. Il travaille au plateau avec Paul-Eloi Forget (ci-dessous à droite) depuis près de dix ans. Depuis 2021 et la création de Coupures, qui traite d’écologie et de démocratie, ils co-écrivent, jouent et mettent en scène ensemble.

Made in France de Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget

Mise en scène Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget

Avec June Assal, Michel Derville en alternance avec Bertrand Saunier, Thomas Rio en alternance avec Paul-Eloi Forget, Valérie Moinet, Samuel Valensi

Batterie Mélanie Centenero ou Chloé Denis

Assistanat à la mise en scène Alice Helfing & Alexandre Babey

Lumières Geoffroy Adragna • Costumes Carole Nobiron

Direction musicale Lison Favard et Léo Elso • Création sonore Timothée Langlois

Scénographie Bastien Forestier et Sandrine Lamblin

Production Cie La Poursuite du Bleu, Lucy Decronumbourg, Margaux Grégoir, Jumo Production

Jusqu'au 27 avril 2026 au Théâtre de la Renaissance

Le Molière du Metteur en scène dans un spectacle de Théâtre privé a été décerné à Samuel Valensi et Paul-Éloi Forget au cours de la cérémonie du 4 mai 2026. Il avait été nominé aussi au titre de Molière du Théâtre Privé et Molière de l'auteur francophone vivant.