CAR/MEN de Philippe Lafeuille par les Chicos Mambo

Si vous avez comme moi été enthousiasmé par Tutu il ne faut pas manquer Car /men. Ce ne sont pas les mêmes danseurs mais c'est toujours Philippe Lafeuille qui est aux manettes avec sa compagnie Chicos Mambo créée il y a 30 ans maintenant.

Avec un tel titre on devait s’attendre à des surprises, et on avait deviné qu'elles seraient essentiellement viriles.

Effectivement le chorégraphe et metteur en scène reprend Carmen de Bizet (qui est l'opéra le plus joué au monde) dans une version 100% masculine. L’idée de ce spectacle est née de son envie de retrouver l’Espagne où il a vécu dans les années 90. Il a voulu dans ce spectacle, s'attaquer, avec des hommes, à cette icône féminine, synonyme de liberté.

Le pari est triplement réussi : les chorégraphies sont parfaites, avec un humour qui sied complètement à la liberté de ton que l'artiste a voulu insuffler dans la soirée. On identifie malgré tout très bien le sujet et on parvient tout à fait à décoder les clichés propres à l'Espagne, comme la tauromachie, le flamenco, les objets emblématiques de la péninsule ibérique (castagnettes, éventail, épingle à chignon, cape et montera traditionnelle du toréro, la bata de cola de la robe de flamenco à traîne …), l'univers d'une manufacture de tabacs, les points communs ou divergents de la gitane versus la bohémienne ou la cartomancienne, tout y est.

La bande son est magnifique, composée des principaux airs de l'opéra mais aussi d'un beau morceau de Goran Bregovic pour le film Le temps des gitans ou d'Aberto Iglesias pour Parle avec elle.

Et pour bien signifier son admiration pour ce personnage mythique il a choisi de provoquer le sourire en lançant le show avec le thème principal de Superman. Ne manquera que le Carmen de Stromae (2015) dénonçant le ravage de Twitter dans les relations affectives. Mais loin de moi l'idée de critiquer les choix du chorégraphes qui sont quasi parfaits, et très éclectiques.

Plusieurs scènes se déroulent en blanc et rouge, couleur de la passion. Le noir est présent car Carmen est une tragédie mais on retrouve régulièrement un univers très coloré et fleuri comme Lafeuille en a fait sa spécialité. Il mixe également danse contemporaine, pas de gymnastique, marche militaire ou pas chassés classiques et déhanchés modernes, solo et groupes,

Il oppose régulièrement le sérieux et la dérision. Il joue avec les codes. Le défilé militaire devient ainsi défilé de haute couture, marche olympique, promenade de chiens en laisse, parcours de nage. Les danseurs marchent, glissent sur des skates ou empruntent une trottinette et bien entendu dansent sublimement. L'un d'entre eux chante les airs principaux, jouant à fond le côté opéra.

Il ne pouvait pas ne pas y avoir un taureau et j'ai reconnu la magnifique tête que j'avais admirée il y a quelques mois dans le musée archéologique d'Heraklion. Elle a été trouvée lors des excavations au Petit Palais de Knossos (1600-1400 av. J.-C.). C’est le rhyton le plus beau et le mieux conservé, véritable chef-d’œuvre témoignant de la finesse de l’art minoén. Il s’agit donc d’un vase à boire en forme de corne décoré d'une tête, comme on le faisait fréquemment. Il était percé d'une petite ouverture dans sa partie inférieure.

Les cornes ont été restaurées pour faire ressortir la dorure du bois. Les yeux sont en cristal de roche peint avec réalisme et le museau en coquillage avec une perle de nacre.

Il faut remercier Philippe Lafeuille de nous offrir un tel spectacle de couleur, de légèreté, mais aussi de lumière et de joie, tel qu'il voulait le partager. Et, bien sûr, j'attends avec impatience que sa nouvelle création, A4 (comme la feuille), soit présentée à Paris.

CAR/MEN par les Chicos Mambo

Chorégraphe et mise en scène de Philippe Lafeuille

Avec Antoine Audras, Lucas Radziejewsky, Antonin “Tonbee” Cattaruzza, Phanuel Erdmann, Samir M’Kirech, Jordan Kindell, JB Plumeau, Stéphane Vitrano
Chanteur : Antonio Macipe en alternance avec Rémi Torrado

Théâtre Libre, 4 Boulevard de Strasbourg, 75010 Paris

Jusqu'au 4 février 2024

La Vallée des Lazhars de Soufiane Khaloua remporte le Prix Hors Concours 2023

Si Caroline Bouffault est lauréate de la Mention du public 2023 avec Thelma, c'est Soufiane Khaloua qui est lauréat du Prix Hors Concours 2023 pour son roman La Vallée des Lazhars, paru aux éditions Agullo, succédant ainsi à Noël-Nétonon N’Djékéry.

Ainsi la huitième édition du prix couronne deux premiers romans. Je m'en réjouis d'autant plus que ces choix correspondent aux miens.

Je ne spolie rien en recopiant les derniers mots du roman (p. 272) : La vision qui survit toujours, éclatante, et sans cesse renouvelée par mon imagination, est celle de la R 12 verte qui parcourt les routes étroites des déserts, sa tôle déformée par la chaleur et se mêlant à l'asphalte accablé de soleil, point indistinct à l'horizon en exil pour l'éternité.

Cette phrase seule aurait suffit à justifier la photographie de cette voiture sur la couverture qui est presque un des personnages (comme une autre Renault, la R 18 de Messi à l'égard de laquelle le narrateur exprime sa jalousie, regrettant de ne pouvoir la faire parler). Je signale pour les puristes que la R 18 était censée remplacer la R 12 à partir de 1978 et que leur design est très semblable. On pourrait les confondre sur une simple photo.

Le dos du livre résume la situation :

A la frontière Est du Maroc il existe une vallée reculée, la vallée des Lazhars. Sur ses deux versants, deux clans se font face qui se vouent une haine immémoriale : les Adami et les Hokbanis. Pourtant, cet été-là, l’amour et le deuil vont bouleverser les rapports entre les deux familles.

Amir Adami est né en France, mais son père a grandi dans la vallée où ils reviennent après six ans d’absence pour assister au mariage de la belle Farah. Le jeune homme a tout l’été pour retrouver une identité qui lui est un droit de naissance et dont il a pourtant du mal à s’emparer. Pour l’aider, il compte sur son "cousin préféré", Haroun, exilé depuis trois ans et de retour pour les noces de sa soeur Farah. Haroun apporte avec lui les histoires haletantes de ses aventures dans tout le Maghreb. Mais, petit à petit, derrière ses récits luxuriants, Amir découvre une réalité différente, intimement liée à la vallée et à ses secrets.

La vallée des Lazhars est l’histoire d’une jeunesse qui se heurte à des frontières de toutes sortes et tente de s’en affranchir par la verve, le panache, la désobéissance, -par une solution qui lui est une seconde nature, l’exil.

Peut-on parler, à propos de ce récit, de secrets de famille ou plutôt de non-dits ? Les deux cousins discutent de femmes, d'amour, de nourriture, de Dieu et on sent combien Amir est fasciné par Haroun. Ce qui rend une personne brillante, ça n'est pas sa capacité à parler de sujets profonds, mais celle de rendre profondes les choses les plus futiles (p. 87).

Le mariage réconciliera-t-il les deux familles Ayami et Hokbani, ou resteront-elles ennemies comme les Capulet et les Montaigu de Roméo et Juliette alors qu'elles s'échinent à faire oeuvre d'hospitalité malgré la haine ancestrale ? A moins que l'enterrement de l'aïeule ne le fasse plus encore. Beaucoup d'événements vont se précipiter cet été là. Les émotions sont complexes. Amir est mis en garde contre son cousin mais en vain. Jusqu'à ce qu'Haroun se révèle par son comportement égoïste et monstrueux (p. 142).

Haroun pourra-il revenir après un exil comme si rien ne s'était produit ? Amir, parviendra-t-il à s'emparer d'une identité qui lui est un droit de naissance ? Tant il est vrai que Les terres d'origine s'oublient, les dynasties s'exilent et si l'on n'y prend pas garde, très vite, rien ne subsiste de nous ni de nos parents (p. 12). Lequel des deux choisira la belle Fayrouz ?

Le récit est parfois difficile à suivre. J'aurais apprécié de disposer d'une liste de personnages comme on en trouve au début d'une pièce de théâtre. Les balades en voiture s'enchaînent à l'instar des chevauchées sauvages d'un western.

L'auteur nous transmet sa fascination pour cette région : On peut étendre ses yeux sur un paysage comme on étend ses jambes à la fin d'une journée de travail, a-t-il confié le soir de la remise du prix.

C'est une jolie idée que d'avoir intitulé les différentes parties en les tirant de chansons de Nass et Ghiwan, Cheb Khaleb, Cheb Hasni, Cheikh Mohamed Younsi, Cheikha Rimitti, Souad Massi et Saïd Fikri.

Le ton est très masculin même si on remarquera que ce sont les femmes, les mères en l'occurrence, qui exercent le pouvoir. Ce qui m'inspire à relever sous forme de question à l'auteur un conseil qu'Amir reçoit de son père au début du roman : l'histoire d'une famille ne peut se contenter d'un seul récit, alors je te charge de questionner ta mère (p. 12). Cela donnerait-il sujet à un second roman ?

Soufiane Khaloua est né en 1992 dans l’Aisne. Après des études de lettres à Paris et un master de recherche en littérature, il se dirige vers l’enseignement et est aujourd’hui professeur de français en région parisienne.

Fondées en 2016 par Nadège Agullo et spécialisées en littérature étrangère, les éditions Agullo cherchent à "abolir les frontières". Elles se positionnent comme le porte-voix d’auteurs et d’autrices d’ici et d’ailleurs qui partagent leurs histoires, leurs cultures, leurs joies, leurs espoirs et par-dessus tout leur humanité.

La Vallée des Lazhars de Soufiane Khaloua, éditions Agullo, en librairie depuis le 9 février 2023

Article illustré d'une photo de Soufiane Khaloua, interviewé par Isabelle Motrot sur la scène de la Maison de la poésie, quelques minutes avant l’annonce du lauréat, le soir de la remise des prix.

Un silence de Joachim Lafosse

Il fallait bien que ça arrive un jour, je ne suis pas ressortie enthousiaste par le film surprise de l'AFCAE de janvier. Je ne dirai pas qu'il n'a pas de qualités mais ses travers m'ont exaspérée.

Je plébiscite le principe de ne pas connaitre le titre de l'oeuvre avant d'arriver dans la salle. Par contre, lorsqu'on est ainsi dans la plus grande des découvertes on est très sensible aux premières minutes.

Le trajet en voiture qu'effectue le personnage principal, dont il me semblait qu'il pouvait s'agir du profil d'Emmanuelle Devos, aperçu furtivement dans le rétroviseur, quand l'image s'affranchissait de la pénombre, m'a paru très long. Admettons que l'intention du réalisateur Joachim Lafosse était d'installer une forme d'angoisse. En plissant les yeux pour augmenter mes capacités de perception j'ai remarqué une discrète larme glisser le long de la joue de l'actrice.

La musique évoque celle que composait Michel Legrand au piano. Il se trouve que je reconnais By the Roes, and by the Hinds of the Field de Jóhann Jóhannsson qui est un compositeur islandais, habitué à produire de nombreuses œuvres pour le cinéma, le théâtre, la danse et la télévision depuis le début des années 2000. Figurant sur l'album Elegy for Lost Time (UMG Recordings, 2023), ce morceau apporte une touche nostalgique.

J'étais, je le répète, attentive pour comprendre le thème du film. Du coup, le nombre de plans tournés dans une voiture a fini par me donner une sensation d'étouffement. C'était sans doute voulu. J'ai quitté le cinéma épuisée d'avoir parcouru au moins 40% de la séance enfermée dans l'habitacle d'un quatre roues.

La plupart des plans, qu'ils soient en voiture ou dans la maison des protagonistes, se déroulent en faible lumière, voire dans l'obscurité et avec peu de dialogues. Paradoxalement, on compris vite que l'avocat  et père de famille (Daniel Auteuil) cache un secret et comme on suit les actualités on devine qu'il s'agit d'événements inspirés de faits réels que nous avons suivis sur les écrans et que l'affaire qui est étouffée est une affaire de pédopornographie, en vertu du syndrome que je désignerai sous l'expression du pompier pyromane. Tel est effectivement le sujet de Un silence.

A partir de là, je n'ai plus du tout eu d'intérêt à savoir pourquoi il est attiré par les jeunes enfants, pourquoi sa femme Astrid le soutient totalement avant de le lâcher 25 ans plus tard, pourquoi son fils va mal (la réponse est tellement évidente) … Je saisis des bribes de paroles : Surtout tu dis rien à papa … Si toi tu lui expliques pas, je peux compter sur qui ? Qui ?

Si en tant que spectateur on ne me met jamais dans la confidence mon esprit s'échappe. Restent des interprétations excellentes, forcément, avec des acteurs qui jouent parfaitement la partition qu'on leur a donnée.

De ce réalisateur j'avais vu il y a deux Les intranquilles, que j'avais beaucoup aimé. Je devine le penchant de Joachim Lafosse pour l'intime et ses frontières. Et sa volonté à laisser le public conclure lui-même en ne révélant surtout pas de fin.

Un silence de Joachim Lafosse

Avec Daniel Auteuil, Emmanuelle Devos, Matthieu Galoux, Jeanne Cherhal, Louise Chevillotte …

En salle le 10 janvier 2024

Allegoria, les clés de la symbolique baroque, dans les Anciennes Ecuries du Domaine de Sceaux (92)

La gratuité du premier dimanche du mois ne s'applique pas qu'aux musées parisiens. Le domaine de Sceaux (92) est ainsi accessible aussi bien pour les salles qui se trouvent adans le musée installé dans le château que pour l'exposition temporaire "Allegoria, les clés de la symbolique baroque" (à condition toutefois de ne pas prendre l'option visite guidée qui, il faut le dire, est assez nécessaire et dont j'ai eu la chance de bénéficier. Elle permet de ne pas passer à côté d’œuvres majeures et surtout de comprendre le procédé).

Je parlerai du château dans un autre article de même que du Pavillon de l'Aurore dont le plafond mérite qu'on y passe une bonne heure tant il fourmille de détails. Quant à l'exposition qui occupe le Petit château (voire même "les" expositions car je crois qu'il y en a au moins deux, la préfiguration du Musée du Grand Siècle, et une temporaire intitulée Fantaisies animales, les verres de Murano de la donation Pierre Rosenberg, jusqu'au 31 mars) au 9 rue du Docteur-Berger, je n'ai tout simplement pas eu le temps d'y jeter un oeil avant la fin de la fermeture de ce domaine qui mérite plus d'une journée !

Le présent article est donc consacré à Allegoria qui se déploie dans les Anciennes Écuries parce que c’est elle qui se terminera la première, même si les organisateurs ont décidé de la prolonger jusqu’au 17 mars.

L’exposition propose un parcours didactique qui captivera petits et grands : que signifiaient l’éléphant, l’obélisque, l’abeille, la tulipe, le rameau de chêne ou le chameau, l’œuf d’autruche, le tournesol ou le coquillage ? Les réponses sont données à travers des objets, des livres anciens, et surtout un exceptionnel florilège de tableaux du XVII° siècle qui proviennent de collections privées, de plusieurs musées des Beaux-Arts (Rennes, Quimper, Tours et Orléans), du musée du Grand Siècle, du musée du Domaine départemental de Sceaux, ainsi que des Archives des Hauts-de-Seine.

Pour pouvoir s'imprégner des œuvres présentées, nous avons besoin d'en capter le sens. La première partie de l’exposition, très pédagogique, porte sur l’émergence du langage symbolique. Ensuite, une galerie de peintures allégoriques s’ouvre au visiteur.

Il faut savoir qu’allégorie est un mot latin et italien, de allegorei, signifiant parler autrement. On comprend alors que ce mot désigne la personnification des idées. Un des meilleurs exemples est l’emploi de Marianne pour représenter la République française. Au sens plus large, une allégorie peut être un symbole qui n’est pas forcément un personnage, par exemple un animal, un objet … comme l’exposition en témoigne aussi.

Si les allégories sont très présentes dans la peinture de l’époque baroque pour transmettre des messages religieux et politiques, leur origine remonte plus loin dans le temps, à l’Antiquité.

On les désignera pendant l’époque Renaissance comme des hiéroglyphes, sans doute parce que leur signification était souvent opaque. Elles demandent d’être expliquées, ce à quoi s’est employé le rédacteur du Vert galant pour raconter la centaine d’allégories qui ornent la galerie des Glaces de Versailles.

Le langage symbolique se retrouve dès l'Égypte ancienne, à travers les écritures figuratives ou hiéroglyphes. Du signe à l'emblème, il utilise des thèmes tels que la nature morte, le langage des fleurs, les insectes, les proverbes et fables… Ce langage a été codifié par des textes, et en particulier par l’Iconologia de Cesare Ripa, publiée en 1593.

Il y présente par ordre alphabétique les sentiments humains, vertus, vices et passions, à travers des symboles antiques et ésotériques. Une fois illustrée de gravures, l’Iconologia, devient une véritable encyclopédie d’emblèmes et se diffuse dans toute l’Europe. Elle pénètre en France grâce à la traduction de Jean Baudoin entre 1636 et 1644. Sous le règne de Louis XIV, la plupart des artistes s’en inspirent, et notamment les grands décorateurs.

Chaque artiste utilise la syntaxe allégorique, soit dans le strict respect du code, soit en l’adaptant. Cette syntaxe influence toutes les écoles européennes : ainsi, des peintres aussi différents que Rubens, Vermeer ou Vélasquez avaient une parfaite connaissance de l’Iconologia de Ripa.

L’exposition commence avec les cabinets de curiosités qui témoignent du goût pour le langage allégorique. Dans cette vitrine, le poisson éponge rend hommage au créateur de l’univers. Mais on aurait pu y placer une autre créature de l’ordre animal.

 Integrae Naturae speculum Artisque imago (1617) de Jean Théodore de Bry

Cette gravure anglaise de 1617 d’Elisabeth Ière représente la vison du monde juste après Galilée. Elle est encore géocentrée avec, sur la terre, ce singe enchainé à l’allégorie de la nature, elle-même enchainée à un nuage, censé représenter Dieu. Le cercle rose est rempli de bataillons des anges appartenant au monde céleste, qui est le monde de l’esprit.

Dans une des vitrines on peut remarquer une figue à côté d'une grenade. Cette dernière ayant une forme de pomme et contenant des graines d'un rouge intense, serrées les unes contre les autres, évoque une société composée de membres réunis en ordre pour la défense d'une même cause. Selon Pierio Valeriano (1556) le principal hiéroglyphe et symbole de cette pomme est de signifier l'assemblée de diverses nations et peuples en un. Pour cette raison la grenade est un attributs des allégories de l'Académie, de la Concorde, de la Démocratie, de l'Eglise et de la Victoire.

La douceur, la forme de sac et la mollesse de la figue à maturité ont donné à ce fruit une connotation essentiellement sexuelle. Selon qu'elle est fermée ou fendue, elle peut ainsi évoquer les organes génitaux masculins ou féminins. C'est un symbole de sensualité.

On pourrait aussi noter que la base carrée et le sommet pointu de l'obélisque et de la pyramide ont en commun d'évoquer le passage de la matière à l'esprit. Leur base quadrangulaire symbolise les Quatre Eléments dont la quantité va en se réduisant à mesure qu'ils s'élèvent. La pyramide est associée à la longévité et l'obélisque évoque les mystères les plus sacrés. 

De façon générale, la fleur symbolise la vie brève et est pour cela couramment associée au genre de la vanité. La variété de ses formes, de ses couleurs, voire de ses comportements (l'idée par exemple que le Tournesol suive le soleil dans sa course) la rendait particulièrement accessible à la codification, sans pour autant rendre facile l'interprétation. Surtout lorsqu'elles sont réunies en bouquets foisonnants, sauf alors à évoquer la générosité du Créateur.

Néanmoins il existe des significations partagées par tous comme la rose, associée à Vénus, qui symbolise la beauté, la brièveté de la vie, l'amour et l'odorat ; le pavot évoque le sommeil en raisons de ses propriétés ; la narcisse, l'amour de soi-même ; le lys, la pureté, la pudeur et la sincérité ; l'iris, l'éloquence ; l'oeillet, les fiançailles ; la fleur d'oranger, le mariage ; la tulipe, l'aveuglement d'esprit en raison de la spéculation sur cette fleur ayant conduit au premier krach boursier de l'histoire.

Parmi les fleurs peintes en bouquets apparaissent souvent des insectes ou au pied des vases de petits reptiles, afin d'étendre le discours au monde animal. On rencontre l'abeille (diligence, industrie), la mouche (vie brève, génération spontanée), l'araignée (réussite), la cigale (musique), la fourmi (infatigable), le scarabée (la génération), la chenille (le cycle de la vie).

Nous poursuivons avec un tableau flamand intitulé Les cinq Sens qui est une des allégories les plus faciles à décrypter, même si elle semble à première vue en être éloignée :

La Collation dans un parc ou Les cinq Sens, huile sur panneau de chêne, 

réalisé dans le premier quart du XVII° siècle, attribué à l'Ecole flamande,

appartenant au musée du Domaine départemental de Sceaux

Et si on s'essayait au kouglof ?

Après une première expérience visuellement réussie mais gustativement catastrophique (consommable, mais franchement pas un régal), j’ai décidé de ne pas rester sur un échec et de suivre cette fois une recette venant d’un alsacien, installé à Sierentz (68510).

En effet, le kouglof est une des spécialités de cette région même si on ne sait pas réellement quand et où il est apparu en premier : peut-être en Alsace, mais pourquoi pas en Autriche ou en Pologne …

Ce qui est sûr c’est que d’après les légendes, sa forme représenterait le turban d’un Roi mage. C’est elle qui permet de faire de très grandes brioches, dont le cœur est toujours bien cuit grâce à la “cheminée” au centre du moule.

Qui dit Roi mage dit Épiphanie et voilà pourquoi je le présente le 6 janvier. Je me suis donc inspirée de la recette d'un pâtissier réputé mais je n'ai pas pu m’empêcher d’adapter, notamment cette fois en utilisant une farine moins blutée (photo ci-dessous), en n’ajoutant pas de raisins secs parce que je n’aime pas beaucoup ces fruits, et en ne saupoudrant pas de sucre glace … parce qu’on n’a pas besoin d’ingérer de sucre supplémentaire même si le résultat est un peu moins élégant.

Je me suis dispensée également du sirop d’imbibage, qui aurait certes rendu la mie encore plus moelleuse. Il est totalement facultatif, et on peut le faire au kirsch ou à l'eau de fleur d'oranger, cela fonctionnera tout autant. Mais je donne ces étapes pour les puristes.

Vous pouvez aussi aller vérifier la recette originale de Maxime en suivant ce lien. Je vous préviens que votre écran sera saturé d'écrans publicitaires et c'est vraiment regrettable car ses recettes sont ultra bien détaillées avec des photos précises et que j'aurais envie de toutes les suivre et les recommander.

Et si vous voulez un excellent kouglof sans prendre le risque de le faire aller chez Stéphane Vandermeersch  qui, soit dit en passant fait aussi les meilleures galettes des rois de Paris. Je l'avais déjà écrit ici et je les ai re-goutées le 3 janvier dernier. Je maintiens mon avis.

La veille, j'aurais fait tremper les raisins secs dans de l’eau ou du kirsch (c’est au choix) si j'avais eu l'intention d'en mettre.

Dans le bol du batteur muni du crochet, j'ai mélangé le jour J la farine bio T 64 de Mon Fournil (mais une autre conviendra), le sucre, les œufs, le lait, le sel et la levure (en évitant le contact avec le sel). J'ai fait tourner à vitesse lente jusqu’à ce que le mélange soit homogène.

J'avais coupé le beurre en petits morceaux et l'ai ensuite ajouté en poursuivant le pétrissage à vitesse moyenne pendant 20 min. Le pâtissier prévient que contrairement à une brioche la pâte à Kouglof est plus humide, et ne se décollera pas vraiment du bol. J'ai ensuite raclé proprement le bol du batteur puis déposé un film au contact de la pâte pour éviter qu'elle ne croute en gonflant.

J'ai laissé reposer 1 heure 30 à température ambiante … mais dans la salle de bains, à proximité du radiateur.

J'ai graissé graissé les moules avec du beurre mou en veillant à chaque cannelure et au centre jusqu'en haut puis ai placé les amandes.

J'ai ensuite déposez la pâte sur le plan de travail et l'ai rabattue vers le dessus pour former deux boules (car j'avais deux moules à remplir)  puis un trou au centre. Ce n’est pas évident car la pâte colle beaucoup,. Bien entendu, si j'avais choisi de mettre des raisins je les aurais ajouté égouttés avant et j'aurais mélangé pour les répartir.

Il faut ensuite déposer la pâte dans le moule en tassant bien (pour éviter les bulles d’air). La cheminée au centre du moule ne doit surtout pas être recouverte pour que l’air puisse circuler et cuire correctement la pâte mais si elle se bouche en cours de cuisson il n'y a pas d'inconvénient.

Il est important de laisser gonfler à nouveau pendant 1 heure 30 à température ambiante. Et même si c'est soit disant inutile je pose toujours un torchon sur les moules. Et il se peut que la pâte ait tendance à déborder …

J'ai enfourné, comme préconisé dans un four chaud à 170° pendant 45 min, ce qui convenait à mes moules en terre cuite. J'imagine qu'il faudrait adapter avec un moule en silicone ou en métal en réduisant probablement cette durée.

Ruby moonlight de Ali Cobby Eckermann

La vie est rude, comme le démontrait hier l'album L'enfance des méchants mais je voudrais en ce début d'année apporter un peu de douceur et de poésie. L'ouvrage de Ali Cobby Eckermann m'en donne l'occasion.

Ruby moonlight est minuscule par le format et l'épaisseur. Il est immense par ses qualités d'écriture et de composition. Qualifié à juste tire de roman phénomène, traduit en plusieurs langues, il est couronné de prestigieux prix littéraires en Australie et du prix Windham Campbell de l’université de Yale aux États-Unis. Ce livre qui est la seule œuvre de cette auteure à avoir été traduite en français à ce jour est éblouissant de justesse. Ses images sont fortes et évocatrices. Il est certain que la qualité de la traduction (par Mireille Vignol qui réussit à conserver des mots aborigènes pour respecter cette association avec une autre langue) compte énormément.

Je ne sais pas si ces images seront inoubliables. En tout cas, je sais que j'aurai envie de le relire plusieurs fois, comme on apprécie de retrouver la saveur d'un plat de famille.

J'ignorais qu'il existait en Australie -comme ce fut le cas d'ailleurs à La Réunion et Arianne Bois en a fait le sujet d'un de ses livres- une "génération volée", d'enfants aborigènes enlevés à leurs familles par des agences gouvernementales ou des missions religieuses pour les donner en adoption. C'est le cas d'Ali, née d’une famille Yankunytjatjara, sur la terre de Kaurna en Australie du Sud, et qui fut adoptée en 1963 et élevée par des Australiens d’origine européenne, la famille Eckermann, alors qu’elle était bébé.

Ce n'est qu'une fois adulte qu'elle a pu reprendre contact avec sa mère Audrey et quatre ans plus tard avec son fils Jonnie. Après avoir passé plus de trente ans dans le Territoire du Nord, elle réside à présent dans le village de Koolunga, en Australie du Sud, où elle a rénové la vieille épicerie locale pour la transformer en une retraite d’écriture aborigène. Elle n’a cessé d’écrire, depuis la sortie de son premier recueil de poésie little bit long time, en 2009, de la poésie, des romans en vers et un mémoire.

Elle s'est bien entendu inspiré de tragédies qui ont marqué son pays pour nous raconter cette histoire qu'on pourrait croire apparentée à Roméo et Juliette puisqu'une histoire d’amour et même d'amitié entre une femme aborigène et un homme blanc était interdite à l’époque coloniale bien que cette loi n’empêche ni les amours clandestins, ni les viols. Et il est amusant de relever que l'actrice a choisi de l'écrire en vers libres.

Il n'y a donc aucune ponctuation ni majuscule, excepté à leurs deux noms, Ruby et Jack. Chaque page est lancée par un mot-clé et l'histoire se dessine petit à petit dans une grande fluidité, tout à fait limpide. Notre oeil est conduit par les mots, leur disposition harmonieuse en faisant oublier le cadre de la poésie trop souvent réservée à une élite.

On constate ici qu'elle est un langage s'appuyant sur les sens et les émotions, secouant nos préjugés et ouvrant notre esprit.

L'auteur transmet beaucoup en peu de mots. Exemple (p. 21, en respectant le non alignement) :

la femme repose enfin son épuisement

   repose son chagrin

      et hume la pluie

Les images composent son langage. Ainsi l'homme allume sa pipe et fume ses pensées (p. 34). Plus loin (p. 40) il confesse son namour truffé de fautes ben sûr.

La loi est sévère pour chacun des deux et Ruby est consciente que l'homme risque sa présence (p. 41). Ruby le présentera néanmoins à son clan mais Jack comprendra que Ruby sera toujours une gemme et il sera toujours un mineur (p. 49).

Le mot gemme condense un double sens, celui de gin, qui qualifie péjorativement une femme aborigène et celui  de joyau, illustrant le paradoxe de la situation qui est inextricable car toute preuve de leur liaison est dangereuse pour elle en son absence et toute preuve de leur liaison est dangereuse pour lui à son retour (p. 55).

Ruby moonlight cheminera vers son destin, symbolisé par l'image projetée par son nom, un clair de lune rubis. Les oiseaux tiennent une place importante dans le récit, de même que tous les éléments de la nature. La jeune femme répète comme un mantra : fie-toi à la nature.

Sur la couverture vole un grand oiseau noir et blanc (un cassican gorge noire qui apparait p. 19 et qui reviendra plus tard au moment du projet meurtrier p. 69) sur fond crème piqueté de fleurs carmin, dans le style graphique habituel de l'éditeur Au vent des îles dont l'an dernier La baleine tatouée figurait elle aussi parmi les romans soumis aux lecteurs de ce Prix.

L'éditeur nous invite à sillonner l’Océanie et à découvrir sa culture singulière sous l’angle d’une littérature engagée, aux plumes rythmées, pétries d’oralité et pleines d’humanisme comme nous le promet leur catalogue.

Ruby moonlight de Ali Cobby Eckermann, traduit de l’anglais (Australie) par Mireille Vignol, Au vent des îles, édition originale par Broome W.A. Magabala Brooks en 2012

Recommandé à partir de 14 ans 

Liste des livres sélectionnés pour le Prix des Lecteurs d'Antony :

L' enfance des méchants

Je présentais hier le spectacle Fantasma Circus Erotica qui bien entendu n'est pas recommandé pour les enfants. Aujourd'hui, et dans un registre qui n'est pas totalement opposé,  j'ai voulu m'adresser aux jeunes lecteurs avec un livre que j'ai adoré, L'Enfance des méchants.

Pour être totalement exacte je devrais mentionner L'Enfance des méchants, des vilaines et des affreux, qui intéressera chacun à partir de 7 ans et sans aucune limite d'âge.

Sur la couverture la reine de coeur trône, entourée de personnages que nous allons rencontrer au fil des pages : le grand méchant loup (à ses pieds) qui dispute un os à Polyphème, Dracula, la Sorcière de l'Ouest et la Fée maléfique (qui est présente en gros plan dès l'avant-propos), chacun avec leur animal de compagnie et enfin Yama-Uba dont je ne connaissais pas l'existence.

L'ouvrage m'a également fait découvrir Loki et Njeddo Dewal.

Depuis la nuit des temps le méchant est un personnage qui fascine bien plus qu'un gentil. Le livre rassemble le portrait de vingt d'entre eux, en nous racontant leur enfance en posant le postulat qu'elle fut décisive pour forger leur caractère.

Dans les jeux de cartes français la Reine de coeur s'appelle Judith. Ici Sébastien Pérez la prénomme Elisabeth, inspiré peut-être par la monarque anglaise. On apprend qu'elle a été ce qu'on appelle un "enfant-roi", adulée mais frustrée, ne supportant pas qu'on lui tienne tête, et prompte alors à ordonner qu'on tranche celle de ses opposants.

du fait notamment des superbes illustrations de Benjamin Lacombe, le livre aux allures de grimoire, recense les motifs qui ont pu installer la méchanceté dans l'âme de ces héros d'un genre peu ordinaire. D'abord tous les manques imaginables en matière de faim et d'affection. Ensuite la mort prématurée d'un père ou d'une mère. La maltraitance est une autre raison bien connue car on reproduit souvent à l'âge adulte ce qu'on a subi lorsqu'on était petit. Bref, rares sont ceux qui sont nés avec une prédisposition à la malice … sauf si on est le descendant d'une famille d'ogres.

Nous présenter ces personnages au terrible destin sous une forme en quelque sorte miniature les rend attendrissant, et du coup d'autant plus dangereux après tout. Les illustrations sont si belles qu'on a envie de les aimer. Le moindre détail a son importance, dans l'histoire et dans le visuel, à commencer par la typographie de leur nom.

Au fil des pages on pourrait avoir envie d'aborder la question du vice et de la vertu sur un plan philosophique et/ou moral : qu’est-ce qu’être méchant ? Nait-on méchant ou le devient-on ? Les loups et les renards sont-ils méchants ? Tuer pour manger est-il répréhensible ? Reste-t-on méchant toute sa vie  ? L'auteur nous fournit des éléments de réponse à la fin.

Bref, la proposition est fascinante, que l'on connaisse précisément ou de manière lointaine les personnages qui composent cette cohorte. Celle-ci est loin d'être exhaustive et je me mets à supputer qu'un tome II pourrait être créé pour traiter, en l'inventant pour partie, l’enfance d’autres affreux comme l’ogre du Petit Poucet, la marâtre de Cendrillon, la sorcière d’Hansel et Gretel, Le géant de Zeralda de Tomi Ungerer, Jack l'éventreur, la gorgone ou le minotaure,… et la liste n'est pas close.

Sébastien Perez a très tôt satisfait sa passion pour l’écriture. Destins de chiens, son premier album jeunesse, est illustré par Benjamin Lacombe, avec qui il collabore très régulièrement. Auteur primé à travers le monde, il a notamment reçu à deux reprises le prix de la Nuit du Livre à Paris, pour les albums Frida et L’Herbier des fées. Il aime mêler dans ses écrits le fantastique et l’humour.

Depuis ses débuts, Benjamin Lacombe partage avec le grand public un univers poétique et onirique empreint de nombreuses références et teinté de gothique. Édité dans 14 langues et avec près de 3 millions d'exemplaires vendus à travers le monde, il est aujourd'hui l'un des représentants phares de la nouvelle illustration française.

L'enfance des méchants est édité par Margot, une maison d'édition fondée en 2013 par les auteurs Thibault Prugne et Anne-Fleur Drillon, qui a intégré le groupe L'école des loisirs, il y a quelques mois.

L'Enfance des méchants, des vilaines et des affreux, écrit par Sébastien Perez, illustré par Benjamin Lacombe, collection Margot, en librairie depuis le 11 octobre 2023

Fantasma Circus Erotica

Après le succès de leur passage au Théâtre des Variétés au printemps dernier, et la performance particulièrement remarquée de l'un des artistes (Piche) lors de la deuxième saison de Drag Race France et après le lancement de Belle de Nuit, le nouveau show de Manon Savary et Marc Zafutto à Las Vegas, Fantasma Circus Erotica est revenu fêter la nouvelle année avec quatre soirées aux Folies Bergère, du 3 au 6 janvier 2024.

Ce titre de Fantasma Circus Erotica donne parfaitement le ton, ou plutôt les tons du spectacle.

Voilà du cabaret dans la grande tradition parisienne au sein d'une des salles les plus mythiques de la capitale. Et le spectacle commence dans le hall bien avant l'heure annoncée. Plusieurs membres de la troupe y sont présents, en costumes de latex et dans des postures évoquant, dans des halos de lumières bleues et rouges (pendant les photos difficiles) l'univers sado-maso tout en se déroulant dans une ambiance extrêmement chaleureuse, et sans aucune ambiguïté, enfin de mon point de vue.

Il est vrai cependant que ce n'est pas tout à fait "tous publics" mais point n'est besoin d'être queer pour apprécier  l'esthétisme, le niveau de performance, les chorégraphies, les lumières … etc … même si je me suis sentie parfois après l'un ou l'autre numéro "out of the game", ce qui est un paradoxe pour un spectacle qui se veut accepter toutes les formes de sexualité. Il me semble qu'il faudrait y songer dans une version ultérieure.

Plus ennuyeux, j'ai loupé une bonne moitié des performances, dès que les danseurs (qu'on me pardonne de ne pas employer l'écriture inclusive qui rendrait vite cet article illisible) se trouvaient au ras du sol parce que du fait de la pente du plateau la visibilité est extrêmement réduite dès le quatrième rang. Je vous conseille donc très fortement de choisir votre place en corbeille même si cela restreint les possibilités.

A moins que Manon Savary, consciente de ce handicap, n'obtienne du propriétaire de la salle la confection d'une plateforme (qui sera utile à beaucoup d'autres spectacles). En tout cas elle m'a confié qu'il y aurait pour l'été un changement majeur avec l'ajout d'un numéro à la gloire de l'olympisme cet été durant les Jeux Olympiques de Paris 2024. La troupe est déjà constituée de plusieurs sportifs de haut niveau. Comment feront-ils pour présenter encore plus fort ? A vrai dire quand on sait leur acharnement au travail on peut s'attendre à de l'ultra haute performance.

Revenons à la soirée du 3 janvier et à la version "actuelle". Donc, après l'avant-spectacle l'heure précédent le coup d'envoi, nous voilà installés en salle où nous accueille Allanah Starr parfaitement à l'aise dans son rôle de meneuse de revue dans une dialogue avec la salle utilisant le français et l'anglais. It's not a Christmas Show for kids, prévient-elle, mais on le savait déjà. Plus vous ferez de bruit, meilleur sera le show. Pas de doute : elle connait son affaire.

Elle intervient régulièrement en duo avec Piche que l'on a connu au sein de la troupe du Fashion Freak Show de Jean-Paul Gaultier et qui incarne l'inoxydable Dark Bunny avec maitrise, sensualité et humour. 

Le premier numéro joue sur un des ressorts érotiques les plus connus, … le lapin avec six danseurs vêtus d'un costume évoquant l'univers de Playboy. L'animalité sera un des fils rouges de la soirée. Nous suivrons tous les codes du music-hall, du cabaret et du cirque contemporain dans ce qu'ils ont de plus spectaculaire pour mettre les corps en valeur.

Allanah reviendra en Marie-Antoinette sur la musique de God save the queen des Sex Pistols, qu'on pourrait entendre comme God save the queer tant on sait combien il est difficile de ne s'identifier à aucune catégorie relative à son orientation sexuelle et à son identité de genre. La métaphore de la tête coupée est bien trouvée. Tout à l'heure Allanah sera infirmière, puis dominatrice, et toujours avec à propos.

Une vingtaine de numéros et d'interludes vont se succéder. Offrant sur le plan musical des moments inattendus par exemple avec la Recette pour un cake d'amour de Michel Legrand pour le film Peau d'âne. Des instants évidents avec la musique Strip-tease de Juliette Gréco et Pourvu qu'elles soient douces de Mylène Farmer ou les très rythmés My neck, my back de Khia, ATM de Bree Runway ou encore le célébrissime Hot stuff de Donna Summer. D'autres sollicitant notre mémoire comme Flower Duet interprété par Maria Callas et si souvent utilisé en publicité, notamment par les pâtes Barilla, et bien d'autres car la bande son est très judicieuse.

L'esthétisme est partout, souvent au service de la sensibilité, comme dans Shave Me, où, sur la musique de  Flash for fantasy de Billy Idol un homme (David Pereira) prend conscience de son homosexualité. Le recours à la technologie est sophistiqué par exemple pour Vidéo Show où Jean Biche évolue sur la musique de I want you de Madonna.

Beaucoup de fantasmes sont représentés. Il ne pouvait pas ne pas y avoir celui de s'envoyer en l'air, Fantasma Airlines, avec Julian Ardley, Laure Petrie et Esther sur le fameux Hot Stuff précédemment cité. Ils démontrent qu'on peut (aussi) être érotiques sans se dénuder complètement.

Plusieurs numéros sont époustouflants en terme de prouesse technique, comme ceux de Julie Demont, acrobate aérienne qui effectue un numéro solo de cerceau aérien sans doute périlleux et exigeant beaucoup de concentration. Intitulé Red Shoes Fetish, on devine l'allusion à la marque aux célèbres semelles rouges et il renvoie aux fétiches du talon et de la domination sur la musique de Mary Magdelene de FKA Twigs.

On la retrouve plus tard, en duo dans Car crash avec Mimi, qui est aussi la chorégraphe du Show, sur une voiture accidentée, où elles se défient en acrobaties aériennes.

Sema Tawi est une Alien Superstar qui incarne à la perfection le titre de Beyoncé. Ancien mannequin pour Thierry Mugler elle est depuis longtemps membre de l'iconique House of Ninja et est en quelque sort elle porte-flambeau des femmes noires queer tendis que Stessy qui est à la première place sur Fantasma Strip Club est une représentation d'une femme cisgenre noire.

Les interventions de François Sagat ne passent pas inaperçues. Cet artiste populaire de la culture gay, idole des films pornographiques exhibe un sex-appeal décuplé, symbole de la tentation charnelle. Et il faut aussi citer Jake DuPree qui exprime sur scène son androgynéité. Il est d'ailleurs tout à fait normal que chaque artiste vienne saluer à l'appel de son nom qui s'illumine en lettres manuscrites sur le fond de scène :

Je ne vais pas raconter tout le spectacle. J'espère vous en avoir malgré tout dit suffisamment pour vous convaincre d'aller le voir, quelle que soit vote orientation sexuelle car, même si c'est un spectacle militant, c'est avant tout un show d'une qualité exceptionnelle.

Manon Savary (ci-contre) et Marc Zaffuto avaient-ils fait ce pari militant et politique autour de l'égalité des sexes et de la liberté, allant à l’encontre des standards habituels du cabaret (mais ils ont leurs propres standards) ?Ils montrent une féminité, une masculinité et une sexualité qu’on ne voit pas ou très peu, ou du moins dans des cercles fermés et le défi est amplement gagné, grâce à un énorme travail, une recherche inlassable de la perfection et la maitrise du risque sur les numéros d'acrobatie. Grâce aussi à la finesse du travail de la chorégraphe Mimi.

Les derniers applaudissements ne marquent pas la fin de la soirée. Elle se poursuit autour d'un verre dans le hall des Folies. Les membres de la troupe discutent volontiers avec le public. Allanah ne refuse aucune photo et chacun est d'une grande gentillesse.

Que dire de plus ? Vous l'avez manqué cet hiver, … allez-y cet été !

Fantasma Circus Erotica, création Savary & Zaffuto

Les 3, 4, 5 & 6 Janvier 2024 à 20h00

Puis du 18 juillet au 17 août 2024

Aux Folies Bergère - 32 rue Richer - 75009 Paris.

Avec Allanah Starr, David Pereira, Esther, François Sagat, Jake DuPree, Jean-Biche, Julian Ardley, Julie Demont, Laure Petrie, Mimi, Piche, Sema-Tawi, Stessy. 

Création chorégraphique : Mimi.

Création costumes : Angèle Micaux

Création lumières : Pascal Noël

Création vidéo : Clément Dezelus

Cuisine au monastère

Quand on est végétarien ou que tout simplement on désire consommer moins de viande et plus de légumes on se trouve vite à court d’idées.

Voici un ouvrage qui va vous être précieux. Il est petit par la taille. Immense par la richesse des propositions.

Il est aussi totalement original car je crois que je n’avais jamais vu quelque chose qui ouvre à la fois l’appétit et l’esprit. 

Le titre Cuisine au monastère évoque une retraite méditative et la privation. Pourtant les photos de plats colorés sont la promesse d’un festin. Effectivement, les recettes que l’on découvre au fil des pages sont très gustatives du fait d’un emploi généreux d’épices.

Certes, vous ne pourrez pas tout faire. Il va vous manquer des ingrédients qu’on ne trouve que sur les marchés étrangers mais vous allez vite acquérir les bases d’une cuisine du goût.

Une recette par page et une page par recette. C’est parfait. Chacune est toujours illustrée du plat, ce qui pour moi est essentiel. Les termes techniques sont expliqués. Le déroulé est plutôt simple de manière à ce que la réalisation soit à la portée des cuisiniers amateurs. C’est parfait.

Si je n'ai jamais cuisiné du chou-fleur avec du poivron comme le font les espagnols (p. 27) c'est tout à fait le genre d'association que je pourrais faire quand je me lance dans un plat de la cuisine de la récup, car je fais avec ce que je trouve. Je retiens donc l'idée.

Tout comme celle de faire cuire le tapioca dans du lait de coco (p. 21). Je n'y ai jamais pensé. Beaucoup me tentent et je vais m'y mettre pour varier mes menus.

J'ai la réputation d'être pointilleuse et cet ouvrage n'a pas échappé à ma vigilance. J'ai lu chaque recette avec attention. Voilà comment j'ai été surprise par le déroulé du "fameux gâteau à la banane" (p. 52) sans doute  aussi parce que le terme de fameux m'a intriguée. Vous remarquerez que l'on saute de l'étape 3 à l'étape 6 et que le visuel ne correspond pas tout à fait à ce qui est préconisé. 

Il me semble qu'il manque :

4° Ajouter la purée de bananes au mélange

5° Incorporer les bancs en neige en veillant à ne pas les casser

6° Beurrer un moule à manqué et farinez-le. Ou bien Caraméliser un moule à manqué et y déposer des rondelles épaisses de banane. A ce propos je signale que c'est un moule à bord haut permettant de réaliser des génoises, biscuits, cheesecake, bavarois … et qu'il ne s'écrit pas "manquer".

7° Verser la préparation dans le moule.

 

Bien entendu, ce n'est absolument pas grave. Cela ne remet pas du tout en question l'intérêt de cet ouvrage qui a l'énorme avantage d'être sur un registre authentique, ce qui est rare.

Au départ, j’ai été surprise par l’organisation qui s'écarte de la logique habituelle : entrée-plat-dessert. J’ai compris ensuite l’intention de rendre hommage à chaque cuisine du monde. Il commence par le monastère Nalanda dans le Tarn. Une mention discrète en bas de la page indique l’origine géographique de chaque plat. Et ce livre est devenu guide de voyage. A chacun de se l’approprier en marquant par exemple les recettes qu’on souhaite faire prioritairement à l'aide de post-it qui déborderont des pages.

C’est aussi un guide spirituel qui n’est absolument pas donneur de leçon. Des contes surgissent et constituent des étapes de pensée. Leur présence est discrète. Elle n’est pas répertoriée dans la table des matières. Ces textes m’ont fait penser à ces petits papiers qu’on découvre cachés à l’intérieur des biscuits chinois avec une formule philosophique. Ici, c’est une réflexion grand format qui se déploie entre deux séries de recettes.

Un mot des auteurs, Stéphanie et Thierry Deyts ont réalisé un travail colossal avec la collaboration de beaucoup d’autres passionnés dont la liste figure page 79. Ils sont d'une telle discrétion que leur nom n'est même pas mentionné sur la couverture. Je connais Thierry depuis plus de dix ans. J'ai eu la chance de goûter sa cuisine. Je sais combien elle part du coeur et l'attention extrême avec laquelle il cherche toujours à diffuser joie et bonne humeur. Je n'ai pas été surprise de voir les dessins de moines de Tenzin Gendun qui apportent une certaine animation.

Il offre en bonus ses recettes de confitures et sans doute s'est-il freiné pour ne pas alourdir le recueil. Peut-être en a-t-il réservé pour un autre volume. Je sais qu'il aimerait créer une collection. Ce projet fait l'objet d'un financement par Ulule qui n'est pas clôturé et auquel vous pouvez participer.

On souhaite une bonne année 2024

Nous y voici. Nous avons passé un nouveau cap … à l'instar de cette petite Pauline, l'héroïne du dernier album que j'ai lu en 2023, et dont je recommande la lecture à tous les âges.

Cette année 2024 démarre bizarrement pour moi parce que -contrairement aux précédents hivers- je ne suis pas avec ma fille au Mexique et que de multiples souvenirs me traversent. Elle-même est loin de son pays. Elle se rapproche du pôle diamétralement opposé à celui vers lequel progresse Pauline. Elle est en Patagonie et je suis sûre qu'elle va être épatée par les manchots empereur comme leur grand ami et protecteur Luc Jaquet.

Bonne et heureuse année ! Le rituel ne remonte pas à la nuit des temps mais il est bien installé depuis presque deux siècles, après que la coutume des vœux soit devenue postale grâce à un Anglais, Sir Henry Cole (1808-1882), qui inventa en 1843 la carte de Noël et qui joua un rôle majeur entre l'art et l'industrie.

Certes, on reçoit, de façon générale d’ailleurs, de moins en moins de courrier. Les voeux électroniques représentent la majorité des flux. Ça serait une énorme surprise de trouver une carte venant du Pôle Sud dans ma boite aux lettres. Mais qui sait ? Il y a des souhaits que je n'osais voir se réaliser, et qui pourtant se sont concrétisés. Il faut y croire, encore et toujours, sachant que chacun doit être acteur de sa vie. Cela me donne envie de reprendre la formule de Philippe Geluck : Meilleurs voeux pour toute la vie, comme ça c'est fait une fois pour toutes.

Savez-vous que 365 jours comptabilisent 31 536 000 secondes ? C’est autant de particules de bonheur pour qui saura en jouir.

On ne souhaite pas la "bonne" année au Mexique. On dit "Feliz año nuevo", ce qui signifie Heureuse nouvelle année et c’est ainsi que je vous propose d’aborder ce mois de janvier. Et surtout … prenez soin de vous, des autres et … de la planète aussi.

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La photo qui illustre cet article est celle d’un sapin stylisé, nommé Laurel, conçu par Virginie Broquet, dans l’esprit des fêtes de fin d’année, et qui a été installé dans la rotonde du château de l’Eglantine, qui abrite les anciens appartements des époux Oberkampf et le musée de la toile de Jouy de Jouy-en- Josas (78).