Lady W de Jean-Philippe Blondel chez Buchet-Chastel

Jean-Philippe Blondel est un "vieux" routard de la littérature. j'ai souvent parlé de ses ouvrages (ici).

On ne saurait le mettre en défaut. Pas même à propos de sa connaissance de la blogosphère, et je suis bien placée pour le savoir. Il n’empêche qu’il a failli me perdre dans le labyrinthe tracé autour de Lady W.

2005. Les technologies dites "nouvelles" s'imposent. La Toile s'étend, les communautés virtuelles se créent, la popularité des blogs explose. Parmi eux, celui tenu par l'intrigante Lady W, mystérieuse romancière qui égrène les souvenirs de son existence sulfureuse et prétend offrir à ses lecteurs un aperçu des cuisines de la création. Les aficionados de Lady W deviennent de plus en plus nombreux. Parmi eux, Fabrice Cami, romancier à la carrière embourbée, Hélène, bibliothécaire divorcée, Kevin, adolescent passionné de littérature, et Chloé, journaliste dont l'émission va bientôt être supprimée. Ils échangent leurs impressions, recoupent leurs informations et décident, sur un coup de tête, d'aller à la rencontre de Lady W, à San Sebastian. 

J’ai apprécié que le roman soit construit comme une enquête qui rassemble quatre personnages que tout oppose. Parmi eux un auteur, par ailleurs prof d’anglais qui … (mais je n’en dirai pas davantage, on a tous cru comprendre qu’il s’agissait de JPB, mais on réalisera dans les dernières pages que ce n’est pas si simple …).



Cette histoire est truffée de clés simples tout autant que de complexes serrures et j’ai fini par abandonner de résoudre chaque énigme. C’est la dernière partie du livre qui m’a le plus intéressée.

Une faiblesse dans l’écriture apparait avec deux occurrences rapprochées d’un terme inhabituel, celui d’épiphanie (notamment p. 165). Ne voulant pas être en reste avec l’héroïne j’ai laissé venir ma propre épiphanie, mais je vous ferai patienter jusqu'au 19ème anniversaire du blog, en février prochain pour vous la révéler.

C’est incroyable ce qu’on trouve quand on ne cherche pas (p. 180) mais j'ajouterai que c'est incroyable ce qu'on trouve quand on investigue un peu.

Lady W ne peut pas avoir été choisie au hasard. C'était le surnom de Lady Seymour Worsley (1758–1818), une aristocrate britannique qui se rendit célèbre en raison du procès pour adultère que lui fit son mari. C'est aussi l'initiale d'Oscar Wilde … qui écrivit L'Éventail de Lady Windermere en 1892. Et il existe sans doute d'autres inférences.

Jean-Philippe Blondel donne sa propre explication par l'intermédiaire de son double, Fabrice, qui annonce suivre le blog d'une femme qui se fait appeler Lady W, comme la chanson de Dire Straits (p. 70).

C'est en réalité Lady Writer, écrite par Mark Knopfler en 1979 pour le groupe de rock britannique et qui mélange un souvenir romantique et une apparition télévisée. Mais peu importe, pas plus que de trouver quels sont les romans de Jean-Philippe Blondel qui se cachent derrière les intitulés figurant dans le dernier.

Il y a un peu d'humour et de dérision, à propos d'un pseudo semblant abscons qu'un personnage décode en y voyant une date de naissance et trouve, par déduction, l'identité qu'elle est censée masquer. Les adultes croient qu'ils sont bien dissimulés sous des pseudos critiques mais, en réalité, c'est comme s'ils mesuraient deux mètres et se cachaient derrière un arbuste (p. 62). Alors il contacte son ancien prof se limitant aux deux mots magiques, Lady W. Et d'ajouter un point d'interrogation, comme un hameçon (p. 63).

On  sait combien les livres tissent des liens entre les inconnus. Le grand public le sait moins à propos des blogs littéraires mais est-ce un sujet en soi ?

Il en situe l'intrigue en 2005 et ce n'est pas fortuit puisque les premiers blogs sont apparus dans les années 2000 et que d'après le rapport Giazzi remis au gouvernement en 2008, la France comptait environ 9 millions de blogs, dont 2,5 millions étaient considérés comme actifs, ce qui classait la France au premier rang mondial pour le nombre de blogs par internaute. En 2008, Jean-Marc Leveratto et Mary Leontsini ont publié l'ouvrage sociologique de référence Internet et la sociabilité littéraire (édité par la Bibliothèque publique d'information), qui intellectualise et valide pour la première fois le poids grandissant de ces milliers de critiques amateurs sur le marché du livre. Et pour l'anecdote A bride abattue a vu le jour cette année là.

J'ai été amusée de lire qu'un des personnages qualifie de "révélation" la découverte de la blogosphère (encore une épiphanie en quelque sorte). J'avais déjà entendu cette remarque de la part d'écrivains. Et surtout par des chefs et des restaurateurs qui s'en sont largement inspiré pour modifier leurs pratiques, bien qu'ils soient moins nombreux que les blogs littéraires, sans doute parce qu'ils mobilisent des compétences différentes. En novembre 2007, le quotidien La Croix recensait un peu plus de 800 blogs culinaires francophones actifs. Si très peu de détenteurs de blogs littéraires sont devenus auteurs par contre plusieurs blogueurs culinaires sont devenus professionnels, Mercotte en étant l'exemple le plus célèbre.

Pendant que son personnage s’était perdu à la recherche de cette Lady W lui, l’écrivain dans la vie réelle, aimerait retrouver celle qui lui inspira le personnage d’Hélène Delorme. 

Les quatre "pieds nickelés" comme il les qualifie avec ironie et tendresse, poursuive leur périple. Mais la vie n'est pas une comédie romantique américaine où les héros se retrouvent au sommet de l'Empire State building une nuit d'été (p. 163), nous prévient l'auteur (comme si one le savait pas).

L'image est facile à comprendre même si on ne sait pas de quoi il retourne, probablement Elle et lui (An Affair to Remember, 1957) avec Cary Grant et Deborah Kerr, quoique dans Nuits blanches à Seattle (Sleepless in Seattle, 1993), avec Tom Hanks et Meg Ryan, les deux protagonistes, Annie et Sam, se rencontrent dans la vraie vie à la toute fin du film, la nuit, sur la terrasse d'observation au sommet de l'Empire State Building.

Ce qui est dit du monde audiovisuel dans lequel travaille Chloé n'est pas nouveau. Il y a par contre indéniablement des réflexions intéressantes sur l’acte d’écrire, que Lady W qualifie d’arrière-cuisine de l'écriture (p. 166) et dans doute auraient-elles été plus fouillées si l'auteur avait eu connaissance de l’affaire Thélyson Orélien. 

Lady W de Jean-Philippe Blondel chez Buchet-Chastel, août 2026

La Catrina posée sur le livre n'a aucun rapport avec le sujet si ce n'est qu'elle vous aura sans doute intriguée, que vous ne savez pas ce qu'elle représente (alors je vous invite à lire l'article consacré à son créateur) et qu'elle est partout en ce moment dans un pays que j'affectionne, le Mexique.

Accords avec un Clos Bourgelat 2023 - Cérons … et des coings

J'ai découvert le Cérons Clos Bourgelat, 2023 (100% Sémillon) à l'occasion du déjeuner de lancement de la Cheese Bordeaux Week 2026, sur proposition de mon voisin de table qui travaille pour le CVB.

Il avait réussi à rivaliser avec un Clos La Bohème, 2019 - Haut-Médoc (rouge, 70% Cabernet sauvignon, 30% Merlot) qui devait être servi sur un Poulet Jaune des Landes cuit basse Température, Fricassé de Carottes fanes aux Petits Pois et Fèves, Pommes Rattes, Sucrine rôtie, Jus crémeux d'Estragon.

Ce blanc fut une alternative intéressante et s'était révélé ensuite parfait sur les fromages.

J'ai, du coup, eu envie de vérifier s'il pouvait être servi tout au long d'un repas, en toute modération bien entendu sachant que l'abus d'alcool est dangereux pour la santé.

J'avoue que j'ai fait l'impasse sur l'entrée parce que je ne voulais pas m'arrêter sur un choix classique avec un foie gras.

Le plat était très simple, du poulet façon tajine. Les pilons de poulet revenus dans un tout petit peu de beurre, avec des oignons émincés et cuits en autocuiseur dans un bouillon de volaille. C'est rapide, et économique. Il suffit d'ajouter de la crème fraiche et de servir avec du riz blanc et une poêlée de coings puisque c'est la saison.

Leur légère amertume répond bien à ce vin qui a précisément des saveurs de coings et qui est un sémillon botrytisé, comme ses cousins plus connus, le Sauternes (comme le célèbre Château d'Yquem) ou le Monbazillac, à ceci près que le Cérons est un peu moins sucré.

Cette AOC Cérons tire son nom de la rivière Ciron, affluent de la Garonne d'où s'élèvent à l’automne des brouillards matinaux qui favorisent le développement d’un champignon appelé Botritys Cinérea (ou parfois pourriture noble). C'est lui qui a le pouvoir de déshydrater les baies et de les concentrer en sucre et composés aromatiques au cours de la  botrytisation.

Comme fromage, et bien que ceux qui avaient été servis au déjeuner en question étaient un excellent choix (Morbier 100 Jours Juraflore, Comté 18 Mois Juraflore, Fromage de Suisse Gruyère d'Alpage AOP, Pecorino et Caciocavallo Deliziosa) j'ai opté, pour un roquefort, parce que j'étais curieuse du comportement de ce vin face à un bleu.

Le résultat était à la hauteur de mes attentes. D'autant que j'avais ajouté sur le plateau des noix et de la pâte de coing.

En dessert, j'ai une nouvelle fois préféré la simplicité, toujours autour du coing qui fut confit et caramélisé avec un miel crétois, dans des crêpes roulées et parfumées d'un nuage de Cointreau. La vaporisation permet de procurer un arôme léger et délicat qui ne vient pas contrarier le vin qui a été servi.

Le Clos Bourgelat 2023 - Cérons est un vin de Graves (provenant de al rive gauche de al Garonne), produit par un domaine familial qui existe depuis 1889, et affirmant produire avec passion des vins empreints de caractère et d’élégance.

C'est un grand vin de Bordeaux, que l'on doit à Antoine Lafosse, viticulteur à Cérons (Gironde), incarnant ainsi la cinquième génération de vignerons de la famille. Depuis la retraite de ses parents en 2023, il dirige le domaine avec exigence et dévouement, veillant à faire rayonner son identité et son excellence. Attaché à l'évolution du métier, il introduit également des innovations techniques et environnementales pour affiner les vinifications et sublimer l'expression du terroir. Il cultive 14,91 hectares de vignes avec le label HVE (Haute Valeur Environnementale) 3, niveau 4.

Si les vignes poussent sur ce territoire depuis l’Antiquité, la création de l'appellation communale Cérons remonté à 1936. Ses vins blancs liquoreux sont d’une grande finesse et d’une grande complexité, faisant oublier les idées reçues sur ce type de vin. La production est relativement confidentielle avec des productions variables selon les millésimes. 

Celui-ci exprime des arômes complexes et intenses de fruits exotiques et de fleurs blanches. Leur équilibre entre sucre et acidité en fait un vin délicat et raffiné, parfait pour accompagner des plats gourmets et des accords un peu originaux mais il aurait aussi bien pu être dégusté seul à l’apéritif.

À jamais les premières, un film de Marta Díaz de Lope Díaz

J’ai découvert A jamais les premières en avant-premières en ignorant tout de ce film. Heureusement, car détestant le foot il n’est pas impossible que le thème m’ait coupé l’envie.

Ç’aurait été un grand loupé parce que ce film n’a que des qualités. Il est exceptionnel, interprétation, scénario, cadrage, montage, rythme, et même musique. J’ai a-do-ré et pourtant, je le confirme, je n’aime pas le foot.

À jamais les premières est un titre plus que justifié … il commence sans suspense puisqu’on nous annonce d’emblée qu'en 2023 l'Espagne fut championne du monde de football féminin et qu'elle conservera ce titre au moins jusqu'en 2027, date de la prochaine compétition qui se déroulera au Brésil.

Marta Díaz de Lope Díaz a choisi de retracer la véritable histoire des premières footballeuses  professionnelles espagnoles qui ont fait sortir le football féminin des ruelles où il se cachait.

Son film est une réussite. Nous sommes plongés en 1970 avant même la fin du générique. Le scénario est assez "incroyable" et pourtant tout y est vrai. Franco bien sûr est encore au pouvoir et les jeunes filles espagnoles ne connaissent pas la liberté post soixante-huitarde des françaises. Elles sont endoctrinées. Etre épouse et mère est la meilleure façon de servir la patrie.

Pourtant quelques-unes se passionnent pour le ballon rond. Elles sont découvertes par hasard par un jeune entraîneur, Rafael Muga, stupéfait par leur talent et leur passion à tel point qu'il va organiser en 1970, le tout premier match de football féminin espagnol.

Pour l'anecdote je signalerai quand même que les françaises ne sont pas en reste. Dans sa pièce de théâtre, intitulée Féminines, écrite et mise en scène par Pauline Bureau, on apprend l'histoire de la première équipe de football féminin en France, en 1968 à Reims, à l'initiative d'un journal qui organise un match pour une kermesse.

Mais pour le moment restons en Espagne au sein d'un groupe où les filles en veulent comme disent les hommes avec admiration. Il n'empêche que c'est très mal vu des autorités. En premier lieu par des femmes elles-mêmes qui vont mettre des bâtons dans les roues d’autres femmes.

On assiste, incrédules, aux intimidations d’une certaine Alicia (Elena Irureta) qui est un membre actif de la Sección Femenina, la branche féminine du parti unique sous la dictature franquiste (1939-1975). Dirigée par Pilar Primo de Rivera, elle avait le monopole absolu de l'encadrement, de l'éducation et de l'endoctrinement des femmes espagnoles. Et donc le pouvoir d'intervenir pour faire respecter la vision conservatrice de la société. Elle rappelle aux jeunes filles que leur rôle principal et leur source de fierté doivent être de remplir leur rôle patriotique au sein du foyer où se trouve leur véritable place tandis que le football est (évidemment) un sport intrinsèquement masculin, violent et dangereux pour la fertilité des femmes.

Sans être une force de police armée, la Sección Femenina exerçait un contrôle social, juridique et administratif si puissant qu'elle pouvait concrètement briser la carrière, les projets et les libertés d'une femme. Elle gérait le Servicio Social obligatoire pour toutes les femmes célibataires de 17 à 35 ans. Elles y apprenaient la couture, la puériculture, la cuisine et l'économie domestique. Sans le certificat prouvant la validation du service social l'État refusait d'accorder aux femmes leur permis de conduire, leur passeport, leur diplôme universitaire, ou le droit de passer des concours pour la fonction publique. 

Elles n'avaient d'autre choix que de devenir de discrètes "fées du logis", des épouses soumises à leur mari et de bonnes mères de famille pour repeupler la nation.

La Section Féminine exerçait aussi le contrôle sur le sport féminin, décidant seule de ce qui était "autorisé" ou "interdit" pour la santé et la moralité des femmes. Si l'éducation physique était obligatoire, le sport n'était toléré que s'il servait à rendre les femmes fortes et saines dans l'unique but de procréer. Le football n'étant pas approuvé par l'organisation, aucune structure légale, aucun terrain municipal, aucune subvention et aucune assurance médicale ne pouvaient être accordés à une équipe féminine.

En tant que branche du parti unique, ses déléguées locales avaient l'oreille des maires, des gouverneurs et des curés de paroisse. Si des filles tentaient d'organiser un match de football, la Section Féminine faisait pression pour faire interdire l'accès aux stades, la publicité de l'événement dans les journaux locaux, et même faire annuler la rencontre sous prétexte d'outrage aux bonnes mœurs.

Et pourtant les pionnières sont parvenues à contourner la censure et le blocage de la Fédération Royale Espagnole de Football pour réussir à jouer et disputer ce premier grand match clandestin en 1970 en faisant autant preuve de ruse que de courage

Il eut lieu à Madrid le 8 décembre 1970 au terrain de Boetticher, dans le quartier ouvrier de Villaverde sous couvert d'un divertissement de quartier plutôt que pour un tournoi sportif officiel. La censure n'a pas vu venir le succès de l'événement. Le jour J, les organisateurs ont réussi à attirer près de 8 000 spectateurs qui ont payé leur place et se sont enthousiasmé pour Conchi Sánchez (surnommée Conchi Amancio), la jeune prodige de 15 ans qui a marqué 5 buts lors de ce match historique. Devant une telle foule, les déléguées de la Section Féminine et les autorités locales ne pouvaient plus annuler le match sans provoquer une émeute ou un scandale public majeur.

La dictature n'a pas tardé à réagir. Immédiatement après la rencontre, Rafael Muga a été arrêté et emmené au poste de police (le cuartelillo) pour s'expliquer devant les autorités franquistes. De plus, lors des matchs suivants (comme le premier match international clandestin contre le Portugal en 1971), le régime a imposé des sanctions absurdes : interdiction pour les joueuses de porter l'écusson de l'Espagne sur le maillot et obligation pour l'arbitre de diriger le match en jogging plutôt qu'avec sa tenue officielle.

Le film montre comment l'institution espagnole s'est fermement opposée au développement du football féminin en refusant de lui accorder la moindre légitimité officielle à l'époque allant jusqu'à s’adjoindre les services d’un détective pour dénoncer les protagonistes. Il montre aussi comment elles sont parvenues à un renversement de situation malgré un contexte d'oppression fasciste.

Parallèlement le spectateur suit un autre parcours d'émancipation, celui de la journaliste qui cesse de signer ses articles du pseudo Maraton, agit à visage découvert et soutient les footballeuses.

J'ai beaucoup aimé la musique orchestrale originale signée par le compositeur portugais Pedro Marques. Deux chansons impriment un rythme soutenu, À la pelota et la dernière Marimacho, composée, écrite et interprétée par la chanteuse espagnole Zahara, marquant une nouvelle étape rave et techno dans sa carrière et qui illustre parfaitement l’énergie de ce film. En écoutant cette chanson on a l’impression de voir les jeunes filles dribbler et marquer des buts. Elle est devenue en toute logique le titre phare de la bande originale.

Le mot espagnol "marimacho" est une insulte historiquement utilisée pour désigner un "garçon manqué" ou stigmatiser les femmes homosexuelles ou non conformes aux normes de genre. Zahara a écrit ce morceau après avoir vu une scène centrale du film où les jeunes joueuses de football se font insulter par les spectateurs. Elle transforme ce mot en un hymne de résistance, de liberté et de réappropriation de soi et illustre combien ces femmes ne sont d’ailleurs pas contre les hommes mais réclament juste d’être elles-mêmes.

Les couplets décrivent la sensation de liberté des jeunes filles sur le terrain face au silence imposé par la société de l'époque. Le refrain reprend directement les insultes sexistes et homophobes de la foule ("Marimacho", "Fuera bollera") pour les détourner avec provocation, mêlant des métaphores enfantines violentes ("arracher la tête des poupées pour en faire un ballon") et des expressions purement footballistiques.

A la fin, les images d’actualité de l’époque, donc réelles, en noir et blanc, prennent le relai et ne sont pas moins surprenantes … On constate la ressemblance entre plusieurs comédiennes et de vraies joueuses. Ces images d’archives m'ont stupéfiée. Comme d’apprendre que l’Espagne est (encore) au premier rang mondial en football féminin.

À jamais les premières est un film historique joyeux et politique, extrêmement émouvant aussi où les très gros plans donnent du relief aux émotions. Le montage est énergique, avec du suspense (par exemple à propos des deux arrivées in extremis de Nati, la joueuse surdouée, pour disputer un match, et quant à l'attitude de la mère de Nati qui va finir par changer d'opinion). Il y a de très beaux plans de passe, de dribble, de but. Bref, une belle réussite sur un sujet qui méritait d'être mis en lumière.

À jamais les premières de Marta Díaz de Lope Díaz

Titre original : Pioneras: Solo querían jugar

Distribution WaynaPitch

Date de sortie en France : mercredi 11 novembre 2026

Hitchcock et Mary Rose mise en scène par Christophe Lidon

Créée lors du Festival d'Avignon Off 2026 (au Théâtre des Gémeaux), Hitchcock et Mary Rose est à l'affiche à Paris au Théâtre de l'Œuvre depuis le 3 septembre au 20 décembre 2026

Michael Sadler a écrit cette pièce en cherchant à dévoiler la face cachée du maître du suspense en s'inspirant de faits réels … et il est utile de le préciser sur le rideau de scène dès le début parce qu'on pourrait penser à une totale fiction.

Un des charmes du spectacle est le travail (toujours remarquable) du vidéaste Leonard qui, en nous faisant entrer dans le décor, apporte une profondeur supplémentaire à la pièce. Ses images servent à la perfection la mise en scène de Christophe Lidon.

Bien entendu il faut saluer le jeu des comédiens. Eric Prat est un Alfred Hitchcock tout à fait crédible, presque trop si j'en crois certains spectateurs qui, auparavant admirateurs du cinéaste, sont sortis en le détestant. Il y a de quoi mais j'ai trouvé que le comédien jouait avec finesse un homme qui peinait à maitriser ses pulsions. Il est amusant de le voir implorer l'aide de son assistante pour le rappeler à l'ordre en cas de débordement. Ses coups de clochette apportent une touche d'humour et n'empêchent pas de voir craquer le vernis de la respectabilité, laissant affleurer le vertige de la perversion.

J'ai retrouvé avec grand plaisir Marjorie Frantz que j'avais admirée dans Merteuil, un spectacle qu'elle avait écrit et interprété sous la direction de Salomé Villiers. Elle est la scénariste Jay Presson Allen qui, avant de collaborer avec Sidney Lumet, travailla avec Hitchcock sur Pas de printemps pour Marnie (1964). L'homme fut sans doute admiratif de son talent puisqu'il l'a sollicitée pour écrire l'adaptation d'une pièce fantastique de J. M. Barrie (l'auteur de Peter Pan) qui le hante depuis toujours, intitulée Mary Rose, sur le thème de la jeunesse éternelle et du temps qui passe. Comme on l'apprendra au cours de la soirée le patron des studios Universal fut réfractaire au sujet et refusa de miser le moindre dollar.

Ce projet, rejeté parce qu'il était trop intellectuel et insuffisamment commercial, fut un des grands regrets du cinéaste. La pièce de Michael Sadler éclaire les raisons de la frilosité des producteurs américains. Mais elle fait surtout la lumière sur le comportement des hommes de pouvoir à l'égard des femmes dans les années soixante, et qui serait condamné aujourd'hui.

L'auteur lui fait dire que Dieu a créé les blondes pour être des victimes. Cette affirmation, pourtant scandaleuse, n'est rien comparativement à une autre, qu'il a elle aussi réellement proférée : Les blondes font les meilleures victimes. Elles sont comme de la neige vierge qui montre les traces de pas sanglantes. Comme quoi il était totalement dans la préméditation et obnubilé par les actrices blondes, la preuve est qu'il a engagé aussi Grace Kelly et Kim Novak.

Aucune surprise pour moi de ce côté là après avoir lu le livre de Zoé Brisby, Hollywoodland, ce qui n'empêche que Tippi Hedren (Mélanie Page) aura été très malmenée et sa carrière aura été déplorablement compromise par la colère du cinéaste éconduit.

On quitte le théâtre en se réjouissant qu'elle soit parvenue à poser les limites et à se faire respecter. Mais on ignore à quel prix. Malgré la qualité de son interprétation dans Les oiseaux, le rejet opposé au maitre par l'actrice pendant le tournage de Pas de printemps pour Marnie et sa fermeté pendant les séances préparatoires de Mary Rose, aboutissant à son exigence d'arrêter leur collaboration, ont attisé la colère de l'homme au point de lui interdire de tourner pour d'autres réalisateurs (y compris François Truffaut).

Avec le recul, on considère la résistance de Tippi comme une préfiguration avant-gardiste du mouvement #MeToo. Mais la pauvre femme n'en a tiré jusqu'à maintenant aucune gloire. Qui sait si le succès de la pièce lui parviendra alors qu'elle se consacre encore aujourd'hui à la protection des grands fauves depuis son ranch californien. En attendant, elle aura subi la tyrannie et le harcèlement, tant sexuel que psychologique, d'un réalisateur sur deux tournages et, au lieu d'être considérée comme victime, elle sera punie pour avoir résisté.

Les Oiseaux marquent le sommet de la gloire d'Hitchcock dont les quatre derniers longs métrages n'ont pas laissé un souvenir impérissable. Faut-il y voir une punition divine à avoir boycotté son actrice ?

Mélanie Page endosse finement les deux rôles, d'abord Tippi Hedren, tentant de se faire le plus possible respecter par le cinéaste, ensuite Mary Rose telle qu'il lui  demande de la jouer au cours de scènes de répétition. Elle confie ne rien comprendre à la scénariste qui elle a compris qu'Hitchcock réalise dans ses films ses fantasmes les plus enfouis

Hitchcock et Mary Rose de Michael Sadler

Mise en scène et scénographie : Christophe Lidon

Avec Melanie Page, Éric Prat et Marjorie Frantz

Lumière : Cyril Manetta
Costumes : Jean-Daniel Vuillermoz
Musique : Cyril Giroux

Vidéo : Leonard

Du 3 septembre au 20 décembre 2026

Les samedis à 19h et les dimanches à 17h30

Garance, un film de Jeanne Herry

J’ai adoré Garance et vous aussi sans doute. Comment ai-je pu oublier de terminer ma critique ? Il est sorti depuis le 23 septembre mais je pense qu'il est encore à l'affiche. Il deviendra une référence en la matière. Tout comme En addicto l'est pour moi au théâtre sur le même sujet.

Elle ne boit pas pour chercher à oublier, Garance (Adèle Exarchopoulos. C'est une femme forte dont tout le monde profite. Son copain vit à ses crochets. Et même le copain du copain. Elle a un travail qu’elle adore et où elle excelle. L’alcool est la seule fausse note d'une vie de loin satisfaisante et elle est la seule à ne pas la voir … cette ombre à laquelle la réalisatrice accorde le plus de place sur l'affiche.

Puisqu’elle ne veut rien entendre, et parce qu’elle multiplie les "petites" erreurs (mais mon avis est plutôt que l'alcoolisme féminin dérange bien davantage que lorsqu'il concerne des hommes), l’entourage professionnel la lâchera, estimant que ça fera un électrochoc positif. Mais non. Il viendra bien plus tard quand un médecin au franc-parler lui laissera le choix de continuer, avec la conséquence de mourir bientôt … ou d’arrêter pour vivre.

J'ai beaucoup aimé les scènes de coulisses qui ouvrent le film, reconnaissant les murs patinés des Bouffes du Nord, hantés de la silhouette de Peter Brook (1925–2022) qui y installa sa compagnie en 1974 et créa Timon d'Athènes. Plus tard ce sera au Théâtre Jean Arp de Clamart (92) que se déroulera le spectacle pour enfants. J'ai reconnu aussi Jacques Vincey en Joris, le directeur de la troupe de théâtre qui emploie Garance … et qui se trouve être le tout premier metteur en scène à avoir fait travailler Jeanne Herry en tant qu'actrice à ses débuts sur les planches. 

Bruno Raffaelli (sociétaire honoraire de la Comédie-Française) joue lui aussi un membre de la troupe. Les premières minutes campent un milieu où les hommes occupent une position dominatrice tout autant que lâche. Son petit ami du début qui ne voit rien, Joris qui choisi le licenciement par facilité (dans une scène qui a l'horrible allure d'un procès), et plus tard le premier médecin généraliste qui passera à côté du diagnostic et sera incapable de proposer une prise en charge adaptée, accentueront l'addiction de Garance tout en l'isolant, et les périodes de confinement accéléreront le processus.

Garance sera bientôt isolée. Ce n’est peut-être pas totalement intentionnel de la part de Jeanne Herry mais dans son film seules les femmes sont courageuses et interviennent en leur nom propre et pas dans l'anonymat du collectif. La mère Catherine (Brigitte Sy) dont le passé ne fut sans doute pas un chemin de roses, la sœur (Mathilde Roehrich) voudraient bien aider mais le contrôle est un piège, l'addictologue (Hélène Alexandridis), franche et humaine et surtout sa sublime amoureuse Pauline (Sara Giraudeau).

Il faut  malgré tout considérer différemment Jérémie (Yuming Hey, un comédien que la cérémonie d'ouverture des JO a projeté sous les éclairages mais que je connais de longue date comme acteur de théâtre), qui incarne avec sensibilité la liberté de genre affranchie des normes hétéropatriarcales. Il apporte aussi un autre éclairage sur le théâtre contemporain, bien loin du conformisme de Joris. mais ce n'est pas pour autant que la fréquentation de ce gentil garçon va aider Garance à décrocher.

On va suivre cette vaillante héroïne pendant huit années dans sa traversée du déni jusqu'à une forme d'acceptation (J'ai toujours fonctionné comme çà) et sa reconstruction rendue possible grâce à l'amour, la patience et la bienveillance sans jugement grâce à la "juste distance" de Pauline et du médecin.

Le spectateur découvre que le réflexe de contrôle n'est pas efficace à long terme. La seule voie est l'acceptation de la réalité, sans faire la morale et sans user de la force, même "pour le bien" de l'autre, mais sans jamais l'abandonner pour autant.

On entend dans le film un morceau instrumental très rythmé intitulé Le Boucan, composé par le musicien Pascal Sangla (qui était aussi le compositeur de Je verrai toujours vos visages) pour accompagner les fêtes nocturnes … notamment dans un bar qui s'appelle aussi ainsi et qui existe boulevard de Clichy.

Si le film n'a pas été primé à Cannes Pascal Sangla a été récompensé au Festival du Cinéma et de Musique de Film de La Baule où il a remporté le Prix de la Meilleure Musique de Film. On peut enfin formuler l'hypothèse d'un prix d'interprétation pour la ou les comédiennes principales aux prochains César, et au titre du scénario ou de la réalisation pour Jeanne Herry (qui n'en reçu pas pour Pupille et Je verrai toujours vos visages).

Le Premier Homme, une pièce de Hugues Leforestier

On se souvient de lui en Danton, d'elle en Robespierre dans Les racines de la liberté qui est resté très longtemps à l'affiche. Ils sont encore sur la scène politique mais cette fois-ci leur face à face se situe dans la sphère intime.

Hugues Leforestier avait déjà glissé des propos féministes dans les échanges entre ces deux figures de la Révolution. On ne s'étonnera donc pas qu'il en ait fait le coeur du débat qui agite un ménage contemporain.

Le déroulement est tout à fait plausible. Un couple apparemment épanoui, qui jusque là a fonctionné à égalité, voit son équilibre basculer le jour où elle, cheffe d'entreprise, est nommée ministre lors d'un remaniement. 

Pour avoir moi-même travaillé dans un cabinet ministériel (mais sans être ministre) je peux vous assurer qu'on perd pied avec la réalité en l'espace d'une quinzaine de jours, notamment à cause du rythme, des contraintes et de la pression inhumaine exercée de toutes parts. J'ai donc trouvé tout à fait normal que la femme change, devienne irritable, et qu'elle en oublie un anniversaire de mariage.

Parallèlement il est totalement crédible que l'entourage, et ici en l'occurence le conjoint, ne suive pas le même cheminement et ne soit pas toujours prêt à soutenir et supporter ce qui est -convenons-en- un peu agaçant, c'est-à-dire de passer au second plan des préoccupations … même si on a le titre de "premier" homme.

Les répliques fusent. Le résultat est humoristique parce que l'intention n'est manifestement pas de faire un spectacle politique, ni sur la politique, mais plutôt, et c'est tout son intérêt, sur les rapports de pouvoir. Il est savoureux que l'auteur ait choisi de faire endosser au personnage principal la fonction de professeur de philosophie et de démontrer qu'il n'est pas si serein qu'on pourrait l'attendre.

On assiste au renversement de situation. La femme, soit disant "géniale mais pas politique", se lance dans le challenge qui lui est proposé sans aucun état d'âme, donnant à son cher époux "l'occasion de vivre un moment ce que les femmes vivent toute leur vie". Manifestement elle y prendra goût parce que le pouvoir éblouit, allant jusqu'à "donner à penser que la brebis pouvait mordre le loup".

On ne demande pas au public de prendre parti entre lui et elle mais juste d'apprécier, … et de rire de bon coeur. De chanter aussi, parce que franchement la bande-son est tout à fait entrainante. Les comédiens jouent le jeu jusqu'au bout, enchainant à la fin des figures de rock endiablées sur l'air de Drive my car des Beatles (1965).

Détail encore plus piquant, ce sont Hugues et Nathalie Mann, que l'on sait heureux dans leur propre vie, qui interprètent ce duo avec malice et tendresse.

Le Premier Homme
Texte Hugues Leforestier
Mise en scène Création Collective
Avec Nathalie Mann et Hugues Leforestier
Collaboration artistique Jacques Décombe
Création lumière Maurice Fouilhé

Au Théâtre Comédie Bastille, 5 rue Nicolas Appert, 75011 Paris
Tous les lundis et mardis à 20 h

Les premiers samedis du mois à 15 h

Jusqu'au 29 décembre 2026 … et ensuite en tournée en région

Comment te dire ? de Genevieve Kingston

C’est une de mes amies bibliothécaires qui m’a conseillé Comment te dire ? de Genevieve Kingston. Les premiers chapitres de ce livre m’ont profondément émue et je ne dirai pas que c’est une lecture facile. Et puis, comment vous dire … je n’ai pas réussi à rester focalisée sur l’histoire dont je savais l’issue.

L'autrice avait presque 12 ans lorsque sa mère, Katrina, est décédée d'un cancer du sein agressif à l'âge de 47 ans. Se sachant condamnée, sa mère a préparé pour elle et son frère un coffre rempli de lettres intimes, de cassettes et de cadeaux, conçus pour les accompagner et les guider à chaque grand moment de leur existence (comme les anniversaires ou les étapes clés de la vie) jusqu'à leurs 30 ans.

L’idée est excellente. Je l’avais moi-même appliquée lorsque j’étais une jeune maman mais dans des circonstances qui n'étaient pas dramatiques. Je devais m'absenter quatre jours pour aller au bout du monde, sur l'ile de la Réunion, pour mon travail. Mes enfants, alors 3 et 4 ans, restaient avec leur papa. Il n'y avait pas de téléphone portable à l'époque, pas plus que WhatsApp ou autre moyen d'appeler en video. Et puis il y avait le handicap du décalage horaire. Je m'étais munie de jolies cartes postales des principaux sites à l'office du tourisme parisien et j'avais écrit d'avance un petit texte encourageant sur chacune d'elles. Ainsi, chaque soir, la boite aux lettres était ouverte et les enfants découvraient ce que j'avais été censée faire la veille avec la preuve que je pensais à eux.

L'ouvrage de Geneviève Kingston est difficilement "critiquable" puisqu'il s'agit d'une histoire vraie, et tout à fait digne de respect. J’y ai retrouvé une manière douce-amère (me semble-t-il très américaine) d’aborder le deuil comme l’avait fait Joyce Maynard dans Un jour tu raconteras cette histoire, avec un dosage qu’on qualifierait de sucré-salé en cuisine.

Je devine la difficulté à traverser une telle épreuve quand elle commence alors que vous n'êtes qu'un tout jeune enfant. Même si les parents organisent des fêtes aux allures de kermesse (p. 39) qui respirent le vécu. Il me semble, mais c'est typiquement anglo-saxon, qu'intégrer un  groupe de soutien pour accepter que le miracle de la guérison ne se produira pas est une bonne chose; cela commence à se faire en France.

Il y a des femmes qui, comme Litzie Pérez, chercheront à maintenir jusqu'au bout l'image d'une maman forte et joyeuse, tel que Roland le raconte dans Bonne fête des mères, papa ! Il y en a d'autres, comme l'héroïne du roman de Geneviève Kingston, qui assument leur maladie tout en cherchant à rester auprès de leurs enfants d'une autre manière après leur mort.

Je ne sais pas quelle est la meilleure façon d'aider les gens que l'on aime au-delà de notre absence. Il me semble qu'on fait ce qu'on peut. Et c'est déjà beaucoup. La maman de Geneviève semble avoir choisi le "bon" chemin puisque sa fille écrit que ses mots jetaient une passerelle entre nous, par delà l'espace-temps (p. 22).

Cela étant il y a des livres admirables sur le deuil. En voici quelques-uns que j'ai chroniques et, en suivant ce lien, vous pourrez vous constituer une liste dans laquelle puiser si nécessaire (à lire avec modération pour maintenir un certain niveau d’optimisme) notamment Une année douce-amère.

Je me dis que je devrais réorganiser ma bibli par thèmes plutôt que par éditeur.

Comment te dire ? de Genevieve Kingston, traduit par Hélène Cohen, chez Robert Laffont, en librairie depuis le 8 janvier 2026

Sélection du Grand Prix des lectrices de ELLE

Déni de Sophie Cottin

Comment pourrais-je vous dire qu’il faut absolument que vous alliez voir Déni au Théâtre de Paris ? On ne m’a pas interdit de vous en révéler le sujet mais j’ai tellement apprécié de ne rien savoir de l’intrigue que je ne vais pas vous priver du choc de la révélation du sujet de la pièce.

Un jeune couple à l’avenir radieux est contraint de tout réenvisager en l’espace de quelques heures, et prendre une décision qui pourrait bouleverser leur vie à jamais.
Alix semble avoir tout pour être heureuse : un métier qu’elle aime, un amour solide, un avenir qui se dessine à New-York. Jusqu’à ce qu’un soir d’été, tout bascule. Une soirée romantique qui vire à l’incompréhensible. En quelques heures, la vie de la jeune femme se fissure, se bouscule, surtout face à Romain, son compagnon déboussolé. Heureusement elle peut compter sur son grand-père Papini, son grand-père et sur deux autres personnes qui vont lui permettre d'affronter ce que sa raison refuse d’admettre.
Entre tension et tendresse, humour et vertige, Déni explore la fragilité de nos certitudes, la puissance du réel quand il s’invite sans prévenir, et la force insoupçonnée qu’il faut pour renaître quand tout s’effondre sans crier gare.

Je peux tout de même dire que c’est une histoire d’amour, au sens large, entre un homme et une femme, un grand-père et sa petite fille, au sein d’une famille un peu éclatée. Qu’on en sort avec des interrogations du style, qu’aurais-je fait à la place d’Alix, mais aussi de Romain, et puis serais-je restée chez moi si ma fille m’avait téléphoné pour appeler à l’aide ? Je suis bien placée pour répondre non car je me suis précipitée au Mexique quand la mienne m’a réclamée auprès d’elle. Mais chacun agit comme il peut, non ? 

Je peux ajouter qu’Alix est interprétée par Salomé Villiers que j’ai déjà applaudie dans de multiples rôles (et mises en scène), qu’elle fut l’incroyable Montespan (moliérisée), et qu’elle joue ici une partition délicate, imaginée par Sophie Cottin et mise en scène par Raphaëlle Cambray qui est aussi sa complice sur la scène. Avec d’autres acteurs tout autant excellents, Thomas Gendronneau, Michel Papineschi et Geoffrey Couët.

Raphaëlle Cambray avait obtenu en mai 2025 le Molière de la Comédienne dans un second rôle pour son interprétation de Simone dans Du charbon dans les veines de et mis en scène par Jean-Philippe Daguerre. Cette année là Salomé Villiers était nominée dans la même catégorie pour son rôle dans Les liaisons dangereuses d'Arnaud Denis d'après Pierre Choderlos de Laclos - Mise en scène Arnaud Denis.

Thomas Gendronneau a quant à lui obtenu le Molière de la révélation masculine en 2023 pour son rôle de Glenn Gould dans la pièce Glenn, naissance d'un prodige écrite et mise en scène par Yvan Calbérac. En 2025 son nom a été mentionné en tant que compositeur pour le spectacle The Loop de Robin Goupil, qui a reçu le Molière de la meilleure comédie. Rien d'étonnant à ce qu'il assure aussi la musique de Déni.

Déni de Sophie Cottin
Mise en scène par Raphaëlle Cambray

Avec Salomé Villiers, Thomas Gendronneau, Raphaëlle Cambray, Michel Papineschi et Geoffrey Couët

L'huile d'olive extra vierge et l'avocat biologiques du programme Avolio sur la table Mavrommatis non loin du poulet Pindos

J’ai découvert l’huile d’olive vierge extra biologique et les avocats biologiques européens produits en Crète par le biais d’un dîner imaginé par la Maison Mavrommatis, mettant admirablement ces deux produits en lumière. C’est le programme européen Avolio,  qui sera présent au SIAL, qui les promeut en soulignant leur origine européenne et leur caractéristique biologique.

Au cours d'une autre soirée la Maison Mavrommatis a confirmé son soutien (déjà exprimé l'an dernier ainsi que j'en parlais ici) cette fois à l’égard de l’élevage grec à travers un dîner mettant en valeur le Poulet de Pindos, produit par la coopérative avicole de Loannina, située dans la région montagneuse de l'Épire, en Grèce.

Les deux soirées ont commencé par un rappel du contexte et des caractéristiques des produits, notamment le caractère bio des avocats et de l'huile. Un atelier de cuisine les a mis en valeur dans la réalisation d'un guacamole grec auquel j'ai été très attentive et que j'ai apprécié, bien qu'il soit très différent de ceux auxquels le Mexique m'a habituée.

La cuisinière a ajouté un kéfir au lait de chèvre bio et a obtenu une texture très veloutée en mixant longuement la préparation (alors les mexicains utilisent le pilon en veillant à laisser des morceaux). Elle n'a évidemment pas employé d'huile d'avocat mais l'excellente huile d'olive Avolio à la saveur herbacée.

Il a été servi sur des toasts et sous une tranche d'halloumi grillé qui faisait lui aussi toute la différence.

Mais comme la gourmandise est sans limite nous avons (aussi) apprécié quelques bouchées apéritives avant d'enchainer sur un Tataki de thon, Crémeux d'avocat de Chania BIO à la coriandre, perles d'huile d'olive de Crète qui s'est révélé aussi délicieux que superbe.

Le radeau de la méduse, interprété par Anne Cangelosi

Je n’avais pas encore vu le spectacle d’Anne Cangelosi mais je connaissais plutôt bien l’histoire du Radeau de la Méduse peint par Théodore Géricault (1791-1824) en 1818 alors qu'il n'a même pas trente ans.

En effet, la Maison des Arts d'Antony (92) avait décidé d’honorer le bicentenaire de la très célèbre oeuvre d'une manière assez originale en 2018 à travers une exposition intitulée Le radeau de Géricault 1818-2018.

Une reproduction du tableau était exposée dans la salle du premier étage, mis à disposition par le musée des Beaux-arts de Bordeaux, et permettait de revoir la scène que l'on pense connue de tout le monde, même si le tableau prêté était de dimensions réduites par rapport à l'original qui reste au Louvre.

Celle qui est accrochée derrière la comédienne est d’une taille encore plus modeste. Et il est utile de rappeler que l’œuvre mesure 4, 91 mètres de haut sur 7,16 mètres de large. Le voir de près est une expérience toute particulière … à faire au musée du Louvre (salle 700, au 1er étage de l'aile Denon).

Le spectacle est intéressant par son côté explicatif tout autant que par son aspect humoristique. La comédienne a un rapport au public totalement naturel et réussit à fasciner l'auditoire du début à la fin tout en n'étant absolument pas donneuse de leçon.

Elle a une manière personnelle de décrypter les choses : On montre la souffrance, le drame, la mort pour émouvoir, donc c'est romantique.

Elle créé constamment des oxymores en confrontant des faits réels, comme par exemple la superficie de la salle où le tableau est exposé (37 mètres carrés) avec la surface moyenne d'un appartement parisien. Elle tire un fil directeur original sous la forme d'une interrogation : Où sont les femmes ? avec la certitude de capter et de captiver son auditoire. 

Le  spectacle fourmille d'anecdotes tout autant que de sujets de réflexion très sérieux. J'ai ainsi appris que le tableau noircissait au fil du temps si bien qu'il sera un jour comparable à une oeuvre de Pierre Soulages.

Anne Cangelosi n'exerce pas dans la vraie vie le métier de conférencière, mais on pourrait le croire. Et si c'était le cas les musées auraient davantage de public.

Il faut l'entendre raconter la manière de procéder de Géricault qui y consacra près de deux ans à ne peindre que cette horreur (c'est elle qui le dit), à partir non pas de modèles vivants mais de cadavres que lui fournissait l'hôpital voisin. Elle continue et on entend les vagues. Nous sommes proches du chavirement. On sursaute au cliquetis d'un sabre prêt à faire de nous de la chair à pâté.

On rit tout autant qu'on s'épouvante et c'est ce qui fait la saveur de ce début de soirée. Jusqu'à ce que, tout de même, une petite voix nous chuchote qu'en matière de naufrage notre société n'a pas de leçon à donner. Nos dirigeants valent-ils mieux que les incompétents nommés par le roi et que le peintre cherchait à dénoncer ?

Et si ce spectacle créé en 2023 était (encore) un spectacle d'actualité ? Il est en tout cas  de salut public au motif que ceux qui ne connaissent pas leur histoire s'exposent à ce qu'elle recommence… comme l'écrivait Elie Wiesel, mais comme a pu aussi le dire à leur manière Winston Churchill ou Karl Marx.

On tâchera de s'en souvenir pour honorer le diplôme avec lequel repart chaque spectateur.

Le spectacle mérite le label "art et histoire" qu'on attribue aux cités de caractère. Il est à sa troisième saison parisienne après 4 festivals d'Avignon, et déjà la perspective d'un 5ème. Et il est éligible aux Molières. 

Le radeau de la méduse de Alexandre Delimoges

Avec Anne Cangelosi

À la Comédie Bastille

5 Rue Nicolas Appert, 75011 Paris - 01 48 07 52 07

Jusqu’au 29 décembre 2026, le Lundi à 18h30

Samedi des vacances scolaires à 15h

Yu Nishimura, Hélène Fauquet et Mungo Thomson exposent à Lafayette Anticipations

J'ai découvert la Fondation Lafayette Anticipations à l'occasion de la visite presse des expositions de Yu Nishimura, Hélène Fauquet et Mungo Thomson. 

Il m'est d'autant plus agréable d'en parler que l'ensemble est remarquable et que l'accès est entièrement gratuit pour les visites individuelles et les expositions, y compris les visites guidées (sur réservation ou au guichet).

Ce sont 3 expositions qui ont lieu pour la première fois chez Lafayette Anticipations en ce début de saison automne-hiver et que le directeur, Clément Delépine (ci-dessous à droite d'Elsa Coustou), nous a introduites :

1 . Towards a Sea de Yu Nishimura

Né en 1982 à Kanagawa, au Japon, où il vit et travaille, Yu Nishimura s'attache à saisir le fugace tout en sublimant le banal, en utilisant l'huile ou la tempura. Il travaille le portrait d'une manière très personnelle comme nous le verrons au cours du parcours qui est pensé comme une promenade méditative et qui fut présenté par la commissaire Elsa Coustou.

Ses œuvres sont entrées dans les collections de plusieurs institutions comme le Guggenheim Museum (New York) mais aussi à Paris le Centre Pompidou, le Musée d’Art Moderne de Paris, ou la Collection Pinault. Cependant, Towards a Sea est la première exposition monographique institutionnelle en France du peintre japonais et elle est de grande envergure. Elle réunit un corpus d'une cinquantaine d’œuvres, du dessin à la peinture de grand format, réalisées ces dix dernières années, dont certaines sont des prêts exceptionnels et d'autres spécialement conçues pour l’occasion et par conséquent jamais encore montrées à un public.

C'est donc la première fois aussi que l'artiste a un regard sur ses oeuvres passées et qu'il les confronte à ses oeuvres récentes en ayant choisi un titre qui soit ouvert à nos propres expériences. On remarquera combien la mer est présente, ou cachée, derrière le motif. Visages et paysages se superposent sans jamais se confondre à travers un jeu de distances qui font dialoguer les images.

Les oeuvres sont de proportions très diverses et leur accrochage instaure des relations particulières en raison de leurs rapports de tailles et de la distance qui les sépare. Voilà pourquoi j'ai ponctué l'article de plans d'ensemble et que j'ai systématiquement mentionné les dimensions des toiles.

 Factory, peinte en 2018, huile sur toile, 65,52 × 80,3 cm. Courtesy de l'artiste 

Scruter cette usine de ciment place le visiteur en situation de doute. On a l'impression que le paysage se teinte de l'atmosphère. La figure humaine en est absente alors que la présence proche de Meow (non photographié) est très proche. Cette huile de dimensions modestes, au format carré  de 27,3 cm représente un chat qui est omniprésent dans l'univers du peintre.

Ayant pour habitude de brouiller les frontières de l'identité il peut d'ailleurs représenter cet animal en ébauchant une silhouette canine ou le placer à ses côtés comme ci-contre, dans Just one, 2021, tempura sur toile, 83 x 100 cm, Courtesy de l'artiste et Crèvecœur, Paris. On notera l'humour du peintre qui désigne le chat par son miaulement et le chien également par son cri puisque One signifie aboiement en japonais.

Il a employé une tempura traditionnelle à l'oeuf pour lier les pigments et l'eau. Le chat est encore présent dans le portrait ci-dessous, lequel évolue en paysage.

Gaze, 2023, huile sur toile, 145,5 × 112 cm, Courtesy de l'artiste et Crèvecœur, Paris et qui a été utilisée comme visuel pour l'affiche de l'exposition)

Synopsis, 2023, huile sur toile, 194 × 162 cm, Courtesy de l'artiste et Sadie Coles HQ, Londres

Et détail de Projection, 2022, huile sur toile, 45,5 × 53 cm, Courtesy de l'artiste et Sadie Coles HQ, Londres

A l'instar de Gaze, ce type de tableau, tout comme Synopsis, qui se trouve dans la salle suivante, est propice à imaginer toute une narration. Et il est tentant aussi de le mettre en regard d'un autre tableau. Le peintre s'intéresse à des éléments ténus sur lesquels sa peinture peut donner le sentiment de zoomer. Une silhouette d'oiseau peut apparaitre sur une figure humaine comme ici sur Projection. Un ciel bleu débordera d'un toit d'un immeuble sur Summer clouds (non photographié)

Plus loin le bouquet de Flowers in blue vase, composé d'anémones elles aussi évanescentes, témoigne de leur proche flétrissement. Yu Nishimura peint régulièrement des vases et les fleurs sont toujours présentes dans son environnement.

Il a peint spécialement pour l'exposition Filtration, 2026, huile sur toile, 218,2 × 291 cm, Courtesy de l'artiste et Crèvecœur, Paris. On y remarque autant l'action conjointe de la lumière naturelle de son atelier et du souffle du vent.