Hitchcock et Mary Rose mise en scène par Christophe Lidon

Créée lors du Festival d'Avignon Off 2026 (au Théâtre des Gémeaux), Hitchcock et Mary Rose est à l'affiche à Paris au Théâtre de l'Œuvre depuis le 3 septembre au 20 décembre 2026

Michael Sadler a écrit cette pièce en cherchant à dévoiler la face cachée du maître du suspense en s'inspirant de faits réels … et il est utile de le préciser sur le rideau de scène dès le début parce qu'on pourrait penser à une totale fiction.

Un des charmes du spectacle est le travail (toujours remarquable) du vidéaste Leonard qui, en nous faisant entrer dans le décor, apporte une profondeur supplémentaire à la pièce. Ses images servent à la perfection la mise en scène de Christophe Lidon.

Bien entendu il faut saluer le jeu des comédiens. Eric Prat est un Alfred Hitchcock tout à fait crédible, presque trop si j'en crois certains spectateurs qui, auparavant admirateurs du cinéaste, sont sortis en le détestant. Il y a de quoi mais j'ai trouvé que le comédien jouait avec finesse un homme qui peinait à maitriser ses pulsions. Il est amusant de le voir implorer l'aide de son assistante pour le rappeler à l'ordre en cas de débordement. Ses coups de clochette apportent une touche d'humour et n'empêchent pas de voir craquer le vernis de la respectabilité, laissant affleurer le vertige de la perversion.

J'ai retrouvé avec grand plaisir Marjorie Frantz que j'avais admirée dans Merteuil, un spectacle qu'elle avait écrit et interprété sous la direction de Salomé Villiers. Elle est la scénariste Jay Presson Allen qui, avant de collaborer avec Sidney Lumet, travailla avec Hitchcock sur Pas de printemps pour Marnie (1964). L'homme fut sans doute admiratif de son talent puisqu'il l'a sollicitée pour écrire l'adaptation d'une pièce fantastique de J. M. Barrie (l'auteur de Peter Pan) qui le hante depuis toujours, intitulée Mary Rose, sur le thème de la jeunesse éternelle et du temps qui passe. Comme on l'apprendra au cours de la soirée le patron des studios Universal fut réfractaire au sujet et refusa de miser le moindre dollar.

Ce projet, rejeté parce qu'il était trop intellectuel et insuffisamment commercial, fut un des grands regrets du cinéaste. La pièce de Michael Sadler éclaire les raisons de la frilosité des producteurs américains. Mais elle fait surtout la lumière sur le comportement des hommes de pouvoir à l'égard des femmes dans les années soixante, et qui serait condamné aujourd'hui.

L'auteur lui fait dire que Dieu a créé les blondes pour être des victimes. Cette affirmation, pourtant scandaleuse, n'est rien comparativement à une autre, qu'il a elle aussi réellement proférée : Les blondes font les meilleures victimes. Elles sont comme de la neige vierge qui montre les traces de pas sanglantes. Comme quoi il était totalement dans la préméditation et obnubilé par les actrices blondes, la preuve est qu'il a engagé aussi Grace Kelly et Kim Novak.

Aucune surprise pour moi de ce côté là après avoir lu le livre de Zoé Brisby, Hollywoodland, ce qui n'empêche que Tippi Hedren (Mélanie Page) aura été très malmenée et sa carrière aura été déplorablement compromise par la colère du cinéaste éconduit.

On quitte le théâtre en se réjouissant qu'elle soit parvenue à poser les limites et à se faire respecter. Mais on ignore à quel prix. Malgré la qualité de son interprétation dans Les oiseaux, le rejet opposé au maitre par l'actrice pendant le tournage de Pas de printemps pour Marnie et sa fermeté pendant les séances préparatoires de Mary Rose, aboutissant à son exigence d'arrêter leur collaboration, ont attisé la colère de l'homme au point de lui interdire de tourner pour d'autres réalisateurs (y compris François Truffaut).

Avec le recul, on considère la résistance de Tippi comme une préfiguration avant-gardiste du mouvement #MeToo. Mais la pauvre femme n'en a tiré jusqu'à maintenant aucune gloire. Qui sait si le succès de la pièce lui parviendra alors qu'elle se consacre encore aujourd'hui à la protection des grands fauves depuis son ranch californien. En attendant, elle aura subi la tyrannie et le harcèlement, tant sexuel que psychologique, d'un réalisateur sur deux tournages et, au lieu d'être considérée comme victime, elle sera punie pour avoir résisté.

Les Oiseaux marquent le sommet de la gloire d'Hitchcock dont les quatre derniers longs métrages n'ont pas laissé un souvenir impérissable. Faut-il y voir une punition divine à avoir boycotté son actrice ?

Mélanie Page endosse finement les deux rôles, d'abord Tippi Hedren, tentant de se faire le plus possible respecter par le cinéaste, ensuite Mary Rose telle qu'il lui  demande de la jouer au cours de scènes de répétition. Elle confie ne rien comprendre à la scénariste qui elle a compris qu'Hitchcock réalise dans ses films ses fantasmes les plus enfouis

Hitchcock et Mary Rose de Michael Sadler

Mise en scène et scénographie : Christophe Lidon

Avec Melanie Page, Éric Prat et Marjorie Frantz

Lumière : Cyril Manetta
Costumes : Jean-Daniel Vuillermoz
Musique : Cyril Giroux

Vidéo : Leonard

Du 3 septembre au 20 décembre 2026

Les samedis à 19h et les dimanches à 17h30

Garance, un film de Jeanne Herry

J’ai adoré Garance et vous aussi sans doute. Comment ai-je pu oublier de terminer ma critique ? Il est sorti depuis le 23 septembre mais je pense qu'il est encore à l'affiche. Il deviendra une référence en la matière. Tout comme En addicto l'est pour moi au théâtre sur le même sujet.

Elle ne boit pas pour chercher à oublier, Garance (Adèle Exarchopoulos. C'est une femme forte dont tout le monde profite. Son copain vit à ses crochets. Et même le copain du copain. Elle a un travail qu’elle adore et où elle excelle. L’alcool est la seule fausse note d'une vie de loin satisfaisante et elle est la seule à ne pas la voir … cette ombre à laquelle la réalisatrice accorde le plus de place sur l'affiche.

Puisqu’elle ne veut rien entendre, et parce qu’elle multiplie les "petites" erreurs (mais mon avis est plutôt que l'alcoolisme féminin dérange bien davantage que lorsqu'il concerne des hommes), l’entourage professionnel la lâchera, estimant que ça fera un électrochoc positif. Mais non. Il viendra bien plus tard quand un médecin au franc-parler lui laissera le choix de continuer, avec la conséquence de mourir bientôt … ou d’arrêter pour vivre.

J'ai beaucoup aimé les scènes de coulisses qui ouvrent le film, reconnaissant les murs patinés des Bouffes du Nord, hantés de la silhouette de Peter Brook (1925–2022) qui y installa sa compagnie en 1974 et créa Timon d'Athènes. Plus tard ce sera au Théâtre Jean Arp de Clamart (92) que se déroulera le spectacle pour enfants. J'ai reconnu aussi Jacques Vincey en Joris, le directeur de la troupe de théâtre qui emploie Garance … et qui se trouve être le tout premier metteur en scène à avoir fait travailler Jeanne Herry en tant qu'actrice à ses débuts sur les planches. 

Bruno Raffaelli (sociétaire honoraire de la Comédie-Française) joue lui aussi un membre de la troupe. Les premières minutes campent un milieu où les hommes occupent une position dominatrice tout autant que lâche. Son petit ami du début qui ne voit rien, Joris qui choisi le licenciement par facilité (dans une scène qui a l'horrible allure d'un procès), et plus tard le premier médecin généraliste qui passera à côté du diagnostic et sera incapable de proposer une prise en charge adaptée, accentueront l'addiction de Garance tout en l'isolant, et les périodes de confinement accéléreront le processus.

Garance sera bientôt isolée. Ce n’est peut-être pas totalement intentionnel de la part de Jeanne Herry mais dans son film seules les femmes sont courageuses et interviennent en leur nom propre et pas dans l'anonymat du collectif. La mère Catherine (Brigitte Sy) dont le passé ne fut sans doute pas un chemin de roses, la sœur (Mathilde Roehrich) voudraient bien aider mais le contrôle est un piège, l'addictologue (Hélène Alexandridis), franche et humaine et surtout sa sublime amoureuse Pauline (Sara Giraudeau).

Il faut  malgré tout considérer différemment Jérémie (Yuming Hey, un comédien que la cérémonie d'ouverture des JO a projeté sous les éclairages mais que je connais de longue date comme acteur de théâtre), qui incarne avec sensibilité la liberté de genre affranchie des normes hétéropatriarcales. Il apporte aussi un autre éclairage sur le théâtre contemporain, bien loin du conformisme de Joris. mais ce n'est pas pour autant que la fréquentation de ce gentil garçon va aider Garance à décrocher.

On va suivre cette vaillante héroïne pendant huit années dans sa traversée du déni jusqu'à une forme d'acceptation (J'ai toujours fonctionné comme çà) et sa reconstruction rendue possible grâce à l'amour, la patience et la bienveillance sans jugement grâce à la "juste distance" de Pauline et du médecin.

Le spectateur découvre que le réflexe de contrôle n'est pas efficace à long terme. La seule voie est l'acceptation de la réalité, sans faire la morale et sans user de la force, même "pour le bien" de l'autre, mais sans jamais l'abandonner pour autant.

On entend dans le film un morceau instrumental très rythmé intitulé Le Boucan, composé par le musicien Pascal Sangla (qui était aussi le compositeur de Je verrai toujours vos visages) pour accompagner les fêtes nocturnes … notamment dans un bar qui s'appelle aussi ainsi et qui existe boulevard de Clichy.

Si le film n'a pas été primé à Cannes Pascal Sangla a été récompensé au Festival du Cinéma et de Musique de Film de La Baule où il a remporté le Prix de la Meilleure Musique de Film. On peut enfin formuler l'hypothèse d'un prix d'interprétation pour la ou les comédiennes principales aux prochains César, et au titre du scénario ou de la réalisation pour Jeanne Herry (qui n'en reçu pas pour Pupille et Je verrai toujours vos visages).

Le Premier Homme, une pièce de Hugues Leforestier

On se souvient de lui en Danton, d'elle en Robespierre dans Les racines de la liberté qui est resté très longtemps à l'affiche. Ils sont encore sur la scène politique mais cette fois-ci leur face à face se situe dans la sphère intime.

Hugues Leforestier avait déjà glissé des propos féministes dans les échanges entre ces deux figures de la Révolution. On ne s'étonnera donc pas qu'il en ait fait le coeur du débat qui agite un ménage contemporain.

Le déroulement est tout à fait plausible. Un couple apparemment épanoui, qui jusque là a fonctionné à égalité, voit son équilibre basculer le jour où elle, cheffe d'entreprise, est nommée ministre lors d'un remaniement. 

Pour avoir moi-même travaillé dans un cabinet ministériel (mais sans être ministre) je peux vous assurer qu'on perd pied avec la réalité en l'espace d'une quinzaine de jours, notamment à cause du rythme, des contraintes et de la pression inhumaine exercée de toutes parts. J'ai donc trouvé tout à fait normal que la femme change, devienne irritable, et qu'elle en oublie un anniversaire de mariage.

Parallèlement il est totalement crédible que l'entourage, et ici en l'occurence le conjoint, ne suive pas le même cheminement et ne soit pas toujours prêt à soutenir et supporter ce qui est -convenons-en- un peu agaçant, c'est-à-dire de passer au second plan des préoccupations … même si on a le titre de "premier" homme.

Les répliques fusent. Le résultat est humoristique parce que l'intention n'est manifestement pas de faire un spectacle politique, ni sur la politique, mais plutôt, et c'est tout son intérêt, sur les rapports de pouvoir. Il est savoureux que l'auteur ait choisi de faire endosser au personnage principal la fonction de professeur de philosophie et de démontrer qu'il n'est pas si serein qu'on pourrait l'attendre.

On assiste au renversement de situation. La femme, soit disant "géniale mais pas politique", se lance dans le challenge qui lui est proposé sans aucun état d'âme, donnant à son cher époux "l'occasion de vivre un moment ce que les femmes vivent toute leur vie". Manifestement elle y prendra goût parce que le pouvoir éblouit, allant jusqu'à "donner à penser que la brebis pouvait mordre le loup".

On ne demande pas au public de prendre parti entre lui et elle mais juste d'apprécier, … et de rire de bon coeur. De chanter aussi, parce que franchement la bande-son est tout à fait entrainante. Les comédiens jouent le jeu jusqu'au bout, enchainant à la fin des figures de rock endiablées sur l'air de Drive my car des Beatles (1965).

Détail encore plus piquant, ce sont Hugues et Nathalie Mann, que l'on sait heureux dans leur propre vie, qui interprètent ce duo avec malice et tendresse.

Le Premier Homme
Texte Hugues Leforestier
Mise en scène Création Collective
Avec Nathalie Mann et Hugues Leforestier
Collaboration artistique Jacques Décombe
Création lumière Maurice Fouilhé

Au Théâtre Comédie Bastille, 5 rue Nicolas Appert, 75011 Paris
Tous les lundis et mardis à 20 h

Les premiers samedis du mois à 15 h

Jusqu'au 29 décembre 2026 … et ensuite en tournée en région

Comment te dire ? de Genevieve Kingston

C’est une de mes amies bibliothécaires qui m’a conseillé Comment te dire ? de Genevieve Kingston. Les premiers chapitres de ce livre m’ont profondément émue et je ne dirai pas que c’est une lecture facile. Et puis, comment vous dire … je n’ai pas réussi à rester focalisée sur l’histoire dont je savais l’issue.

L'autrice avait presque 12 ans lorsque sa mère, Katrina, est décédée d'un cancer du sein agressif à l'âge de 47 ans. Se sachant condamnée, sa mère a préparé pour elle et son frère un coffre rempli de lettres intimes, de cassettes et de cadeaux, conçus pour les accompagner et les guider à chaque grand moment de leur existence (comme les anniversaires ou les étapes clés de la vie) jusqu'à leurs 30 ans.

L’idée est excellente. Je l’avais moi-même appliquée lorsque j’étais une jeune maman mais dans des circonstances qui n'étaient pas dramatiques. Je devais m'absenter quatre jours pour aller au bout du monde, sur l'ile de la Réunion, pour mon travail. Mes enfants, alors 3 et 4 ans, restaient avec leur papa. Il n'y avait pas de téléphone portable à l'époque, pas plus que WhatsApp ou autre moyen d'appeler en video. Et puis il y avait le handicap du décalage horaire. Je m'étais munie de jolies cartes postales des principaux sites à l'office du tourisme parisien et j'avais écrit d'avance un petit texte encourageant sur chacune d'elles. Ainsi, chaque soir, la boite aux lettres était ouverte et les enfants découvraient ce que j'avais été censée faire la veille avec la preuve que je pensais à eux.

L'ouvrage de Geneviève Kingston est difficilement "critiquable" puisqu'il s'agit d'une histoire vraie, et tout à fait digne de respect. J’y ai retrouvé une manière douce-amère (me semble-t-il très américaine) d’aborder le deuil comme l’avait fait Joyce Maynard dans Un jour tu raconteras cette histoire, avec un dosage qu’on qualifierait de sucré-salé en cuisine.

Je devine la difficulté à traverser une telle épreuve quand elle commence alors que vous n'êtes qu'un tout jeune enfant. Même si les parents organisent des fêtes aux allures de kermesse (p. 39) qui respirent le vécu. Il me semble, mais c'est typiquement anglo-saxon, qu'intégrer un  groupe de soutien pour accepter que le miracle de la guérison ne se produira pas est une bonne chose; cela commence à se faire en France.

Il y a des femmes qui, comme Litzie Pérez, chercheront à maintenir jusqu'au bout l'image d'une maman forte et joyeuse, tel que Roland le raconte dans Bonne fête des mères, papa ! Il y en a d'autres, comme l'héroïne du roman de Geneviève Kingston, qui assument leur maladie tout en cherchant à rester auprès de leurs enfants d'une autre manière après leur mort.

Je ne sais pas quelle est la meilleure façon d'aider les gens que l'on aime au-delà de notre absence. Il me semble qu'on fait ce qu'on peut. Et c'est déjà beaucoup. La maman de Geneviève semble avoir choisi le "bon" chemin puisque sa fille écrit que ses mots jetaient une passerelle entre nous, par delà l'espace-temps (p. 22).

Cela étant il y a des livres admirables sur le deuil. En voici quelques-uns que j'ai chroniques et, en suivant ce lien, vous pourrez vous constituer une liste dans laquelle puiser si nécessaire (à lire avec modération pour maintenir un certain niveau d’optimisme) notamment Une année douce-amère.

Je me dis que je devrais réorganiser ma bibli par thèmes plutôt que par éditeur.

Comment te dire ? de Genevieve Kingston, traduit par Hélène Cohen, chez Robert Laffont, en librairie depuis le 8 janvier 2026

Sélection du Grand Prix des lectrices de ELLE

Déni de Sophie Cottin

Comment pourrais-je vous dire qu’il faut absolument que vous alliez voir Déni au Théâtre de Paris ? On ne m’a pas interdit de vous en révéler le sujet mais j’ai tellement apprécié de ne rien savoir de l’intrigue que je ne vais pas vous priver du choc de la révélation du sujet de la pièce.

Un jeune couple à l’avenir radieux est contraint de tout réenvisager en l’espace de quelques heures, et prendre une décision qui pourrait bouleverser leur vie à jamais.
Alix semble avoir tout pour être heureuse : un métier qu’elle aime, un amour solide, un avenir qui se dessine à New-York. Jusqu’à ce qu’un soir d’été, tout bascule. Une soirée romantique qui vire à l’incompréhensible. En quelques heures, la vie de la jeune femme se fissure, se bouscule, surtout face à Romain, son compagnon déboussolé. Heureusement elle peut compter sur son grand-père Papini, son grand-père et sur deux autres personnes qui vont lui permettre d'affronter ce que sa raison refuse d’admettre.
Entre tension et tendresse, humour et vertige, Déni explore la fragilité de nos certitudes, la puissance du réel quand il s’invite sans prévenir, et la force insoupçonnée qu’il faut pour renaître quand tout s’effondre sans crier gare.

Je peux tout de même dire que c’est une histoire d’amour, au sens large, entre un homme et une femme, un grand-père et sa petite fille, au sein d’une famille un peu éclatée. Qu’on en sort avec des interrogations du style, qu’aurais-je fait à la place d’Alix, mais aussi de Romain, et puis serais-je restée chez moi si ma fille m’avait téléphoné pour appeler à l’aide ? Je suis bien placée pour répondre non car je me suis précipitée au Mexique quand la mienne m’a réclamée auprès d’elle. Mais chacun agit comme il peut, non ? 

Je peux ajouter qu’Alix est interprétée par Salomé Villiers que j’ai déjà applaudie dans de multiples rôles (et mises en scène), qu’elle fut l’incroyable Montespan (moliérisée), et qu’elle joue ici une partition délicate, imaginée par Sophie Cottin et mise en scène par Raphaëlle Cambray qui est aussi sa complice sur la scène. Avec d’autres acteurs tout autant excellents, Thomas Gendronneau, Michel Papineschi et Geoffrey Couët.

Raphaëlle Cambray avait obtenu en mai 2025 le Molière de la Comédienne dans un second rôle pour son interprétation de Simone dans Du charbon dans les veines de et mis en scène par Jean-Philippe Daguerre. Cette année là Salomé Villiers était nominée dans la même catégorie pour son rôle dans Les liaisons dangereuses d'Arnaud Denis d'après Pierre Choderlos de Laclos - Mise en scène Arnaud Denis.

Thomas Gendronneau a quant à lui obtenu le Molière de la révélation masculine en 2023 pour son rôle de Glenn Gould dans la pièce Glenn, naissance d'un prodige écrite et mise en scène par Yvan Calbérac. En 2025 son nom a été mentionné en tant que compositeur pour le spectacle The Loop de Robin Goupil, qui a reçu le Molière de la meilleure comédie. Rien d'étonnant à ce qu'il assure aussi la musique de Déni.

Déni de Sophie Cottin
Mise en scène par Raphaëlle Cambray

Avec Salomé Villiers, Thomas Gendronneau, Raphaëlle Cambray, Michel Papineschi et Geoffrey Couët

L'huile d'olive extra vierge et l'avocat biologiques du programme Avolio sur la table Mavrommatis non loin du poulet Pindos

J’ai découvert l’huile d’olive vierge extra biologique et les avocats biologiques européens produits en Crète par le biais d’un dîner imaginé par la Maison Mavrommatis, mettant admirablement ces deux produits en lumière. C’est le programme européen Avolio,  qui sera présent au SIAL, qui les promeut en soulignant leur origine européenne et leur caractéristique biologique.

Au cours d'une autre soirée la Maison Mavrommatis a confirmé son soutien (déjà exprimé l'an dernier ainsi que j'en parlais ici) cette fois à l’égard de l’élevage grec à travers un dîner mettant en valeur le Poulet de Pindos, produit par la coopérative avicole de Loannina, située dans la région montagneuse de l'Épire, en Grèce.

Les deux soirées ont commencé par un rappel du contexte et des caractéristiques des produits, notamment le caractère bio des avocats et de l'huile. Un atelier de cuisine les a mis en valeur dans la réalisation d'un guacamole grec auquel j'ai été très attentive et que j'ai apprécié, bien qu'il soit très différent de ceux auxquels le Mexique m'a habituée.

La cuisinière a ajouté un kéfir au lait de chèvre bio et a obtenu une texture très veloutée en mixant longuement la préparation (alors les mexicains utilisent le pilon en veillant à laisser des morceaux). Elle n'a évidemment pas employé d'huile d'avocat mais l'excellente huile d'olive Avolio à la saveur herbacée.

Il a été servi sur des toasts et sous une tranche d'halloumi grillé qui faisait lui aussi toute la différence.

Mais comme la gourmandise est sans limite nous avons (aussi) apprécié quelques bouchées apéritives avant d'enchainer sur un Tataki de thon, Crémeux d'avocat de Chania BIO à la coriandre, perles d'huile d'olive de Crète qui s'est révélé aussi délicieux que superbe.

Le radeau de la méduse, interprété par Anne Cangelosi

Je n’avais pas encore vu le spectacle d’Anne Cangelosi mais je connaissais plutôt bien l’histoire du Radeau de la Méduse peint par Théodore Géricault (1791-1824) en 1818 alors qu'il n'a même pas trente ans.

En effet, la Maison des Arts d'Antony (92) avait décidé d’honorer le bicentenaire de la très célèbre oeuvre d'une manière assez originale en 2018 à travers une exposition intitulée Le radeau de Géricault 1818-2018.

Une reproduction du tableau était exposée dans la salle du premier étage, mis à disposition par le musée des Beaux-arts de Bordeaux, et permettait de revoir la scène que l'on pense connue de tout le monde, même si le tableau prêté était de dimensions réduites par rapport à l'original qui reste au Louvre.

Celle qui est accrochée derrière la comédienne est d’une taille encore plus modeste. Et il est utile de rappeler que l’œuvre mesure 4, 91 mètres de haut sur 7,16 mètres de large. Le voir de près est une expérience toute particulière … à faire au musée du Louvre (salle 700, au 1er étage de l'aile Denon).

Le spectacle est intéressant par son côté explicatif tout autant que par son aspect humoristique. La comédienne a un rapport au public totalement naturel et réussit à fasciner l'auditoire du début à la fin tout en n'étant absolument pas donneuse de leçon.

Elle a une manière personnelle de décrypter les choses : On montre la souffrance, le drame, la mort pour émouvoir, donc c'est romantique.

Elle créé constamment des oxymores en confrontant des faits réels, comme par exemple la superficie de la salle où le tableau est exposé (37 mètres carrés) avec la surface moyenne d'un appartement parisien. Elle tire un fil directeur original sous la forme d'une interrogation : Où sont les femmes ? avec la certitude de capter et de captiver son auditoire. 

Le  spectacle fourmille d'anecdotes tout autant que de sujets de réflexion très sérieux. J'ai ainsi appris que le tableau noircissait au fil du temps si bien qu'il sera un jour comparable à une oeuvre de Pierre Soulages.

Anne Cangelosi n'exerce pas dans la vraie vie le métier de conférencière, mais on pourrait le croire. Et si c'était le cas les musées auraient davantage de public.

Il faut l'entendre raconter la manière de procéder de Géricault qui y consacra près de deux ans à ne peindre que cette horreur (c'est elle qui le dit), à partir non pas de modèles vivants mais de cadavres que lui fournissait l'hôpital voisin. Elle continue et on entend les vagues. Nous sommes proches du chavirement. On sursaute au cliquetis d'un sabre prêt à faire de nous de la chair à pâté.

On rit tout autant qu'on s'épouvante et c'est ce qui fait la saveur de ce début de soirée. Jusqu'à ce que, tout de même, une petite voix nous chuchote qu'en matière de naufrage notre société n'a pas de leçon à donner. Nos dirigeants valent-ils mieux que les incompétents nommés par le roi et que le peintre cherchait à dénoncer ?

Et si ce spectacle créé en 2023 était (encore) un spectacle d'actualité ? Il est en tout cas  de salut public au motif que ceux qui ne connaissent pas leur histoire s'exposent à ce qu'elle recommence… comme l'écrivait Elie Wiesel, mais comme a pu aussi le dire à leur manière Winston Churchill ou Karl Marx.

On tâchera de s'en souvenir pour honorer le diplôme avec lequel repart chaque spectateur.

Le spectacle mérite le label "art et histoire" qu'on attribue aux cités de caractère. Il est à sa troisième saison parisienne après 4 festivals d'Avignon, et déjà la perspective d'un 5ème. Et il est éligible aux Molières. 

Le radeau de la méduse de Alexandre Delimoges

Avec Anne Cangelosi

À la Comédie Bastille

5 Rue Nicolas Appert, 75011 Paris - 01 48 07 52 07

Jusqu’au 29 décembre 2026, le Lundi à 18h30

Samedi des vacances scolaires à 15h

Yu Nishimura, Hélène Fauquet et Mungo Thomson exposent à Lafayette Anticipations

J'ai découvert la Fondation Lafayette Anticipations à l'occasion de la visite presse des expositions de Yu Nishimura, Hélène Fauquet et Mungo Thomson. 

Il m'est d'autant plus agréable d'en parler que l'ensemble est remarquable et que l'accès est entièrement gratuit pour les visites individuelles et les expositions, y compris les visites guidées (sur réservation ou au guichet).

Ce sont 3 expositions qui ont lieu pour la première fois chez Lafayette Anticipations en ce début de saison automne-hiver et que le directeur, Clément Delépine (ci-dessous à droite d'Elsa Coustou), nous a introduites :

1 . Towards a Sea de Yu Nishimura

Né en 1982 à Kanagawa, au Japon, où il vit et travaille, Yu Nishimura s'attache à saisir le fugace tout en sublimant le banal, en utilisant l'huile ou la tempura. Il travaille le portrait d'une manière très personnelle comme nous le verrons au cours du parcours qui est pensé comme une promenade méditative et qui fut présenté par la commissaire Elsa Coustou.

Ses œuvres sont entrées dans les collections de plusieurs institutions comme le Guggenheim Museum (New York) mais aussi à Paris le Centre Pompidou, le Musée d’Art Moderne de Paris, ou la Collection Pinault. Cependant, Towards a Sea est la première exposition monographique institutionnelle en France du peintre japonais et elle est de grande envergure. Elle réunit un corpus d'une cinquantaine d’œuvres, du dessin à la peinture de grand format, réalisées ces dix dernières années, dont certaines sont des prêts exceptionnels et d'autres spécialement conçues pour l’occasion et par conséquent jamais encore montrées à un public.

C'est donc la première fois aussi que l'artiste a un regard sur ses oeuvres passées et qu'il les confronte à ses oeuvres récentes en ayant choisi un titre qui soit ouvert à nos propres expériences. On remarquera combien la mer est présente, ou cachée, derrière le motif. Visages et paysages se superposent sans jamais se confondre à travers un jeu de distances qui font dialoguer les images.

Les oeuvres sont de proportions très diverses et leur accrochage instaure des relations particulières en raison de leurs rapports de tailles et de la distance qui les sépare. Voilà pourquoi j'ai ponctué l'article de plans d'ensemble et que j'ai systématiquement mentionné les dimensions des toiles.

 Factory, peinte en 2018, huile sur toile, 65,52 × 80,3 cm. Courtesy de l'artiste 

Scruter cette usine de ciment place le visiteur en situation de doute. On a l'impression que le paysage se teinte de l'atmosphère. La figure humaine en est absente alors que la présence proche de Meow (non photographié) est très proche. Cette huile de dimensions modestes, au format carré  de 27,3 cm représente un chat qui est omniprésent dans l'univers du peintre.

Ayant pour habitude de brouiller les frontières de l'identité il peut d'ailleurs représenter cet animal en ébauchant une silhouette canine ou le placer à ses côtés comme ci-contre, dans Just one, 2021, tempura sur toile, 83 x 100 cm, Courtesy de l'artiste et Crèvecœur, Paris. On notera l'humour du peintre qui désigne le chat par son miaulement et le chien également par son cri puisque One signifie aboiement en japonais.

Il a employé une tempura traditionnelle à l'oeuf pour lier les pigments et l'eau. Le chat est encore présent dans le portrait ci-dessous, lequel évolue en paysage.

Gaze, 2023, huile sur toile, 145,5 × 112 cm, Courtesy de l'artiste et Crèvecœur, Paris et qui a été utilisée comme visuel pour l'affiche de l'exposition)

Synopsis, 2023, huile sur toile, 194 × 162 cm, Courtesy de l'artiste et Sadie Coles HQ, Londres

Et détail de Projection, 2022, huile sur toile, 45,5 × 53 cm, Courtesy de l'artiste et Sadie Coles HQ, Londres

A l'instar de Gaze, ce type de tableau, tout comme Synopsis, qui se trouve dans la salle suivante, est propice à imaginer toute une narration. Et il est tentant aussi de le mettre en regard d'un autre tableau. Le peintre s'intéresse à des éléments ténus sur lesquels sa peinture peut donner le sentiment de zoomer. Une silhouette d'oiseau peut apparaitre sur une figure humaine comme ici sur Projection. Un ciel bleu débordera d'un toit d'un immeuble sur Summer clouds (non photographié)

Plus loin le bouquet de Flowers in blue vase, composé d'anémones elles aussi évanescentes, témoigne de leur proche flétrissement. Yu Nishimura peint régulièrement des vases et les fleurs sont toujours présentes dans son environnement.

Il a peint spécialement pour l'exposition Filtration, 2026, huile sur toile, 218,2 × 291 cm, Courtesy de l'artiste et Crèvecœur, Paris. On y remarque autant l'action conjointe de la lumière naturelle de son atelier et du souffle du vent.

Les Misérables, adaptés et réalisés par Fred Cavayé

J'entends (presque) les critiques qu'on va faire aux Misérables : trop long, trop de violence, physique et psychique, des cascades à gogo, des paysages reconstitués en image de synthèse, une musique d'opéra sur d’horribles massacres … un film "facture série Netflix". 

N'empêche que j'ai trouvé que le scénario de Fred Cavayé (qui nous épargne le fameux "nez dans le ruisseau" et les références aux philosophes) était bien ficelé. Il y a des images percutantes comme par exemple Javert frottant sa montre (sans divulgâcher le fil de la narration).

Je n'avais jusque là aucune idée du chantier de démolition de la Bastille, ni évidemment conscience du charnier de la bataille de Waterloo. Même si ce sont des fresques historiques artificielles elles stimulent efficacement notre imagination et touchent notre sensibilité.

Les chorégraphies des scènes de combat sont très bien pensées et puissantes. 

Et surtout j'ai été cueillie par la qualité de l’interprétation. Vincent Lindon (Jean Valjean) et Louis Peres (Jean Valjean jeune), Benjamin Lavernhe et Camille Cottin (les horribles époux Thénardier), Noémie Merlant (merveilleuse Fantine), Megan Northam et Vassili Schneider (Cosette et son amoureux Marius), Tahar Rahim (redoutable Javert), Marie Colomb (Eponime) vont devenir inoubliables dans ces rôles. Il y a forcément au moins un César en vue … 

Hélas, les mots de Victor Hugo résonnent encore bruyamment : c’est de l’enfer des pauvres qu’est fait le paradis des riches … même si aujourd’hui une journée de travail permet de s’acheter plus qu’une miche de pain.

Vous pourrez toujours estimer que rien ne vaudra la lecture du roman, ce que le film aura peut-être réussi à provoquer.

Sortie en salles le 14 octobre 2026.

Jalisco, le Mexique autrement

Je croyais bien connaitre l'Etat de Jalisco où j'ai voyagé en 2020 (en allant de Guadalajara à Tequila, Sayulita et Puerto Vallarta en janvier 2020) mais j'ai découvert de multiples autres richesses au cours d'une soirée qui se révéla aussi bien une expérience gastronomique que patrimoniale, organisée conjointement par Jalisco et Aeroméxico.

Si je n'emploie pas le terme "folklorique" c'est parce que les Français associent souvent ce terme à des coutumes en voie de disparition. Il faut savoir que si Frida Kahlo les a faits connaitre à l'étranger (et que nous avons eu la chance de voir au Palais Galliera il y a 4 ans), l'usage des vêtements traditionnels est quotidien au Mexique. Certes, chaque région a sa spécificité mais on croise fréquemment partout dans le pays des femmes en jupe volantées et en blouse brodées, surtout fleuries, et pas seulement les jours de fêtes. On peut d'ailleurs les acheter sur les marchés.

Je vous recommande la visite de l'admirable (et gratuit) Museo Textil de Oaxaca situé dans le centre historique de cette ville mais nous sommes près de 1000 km au sud de la région dont il est question dans cet article. Le Mexique est un pays très grand et c'est une chance qu'il soit bien desservi par Aeromexico.

Pardonnez moi d'insister mais l'immense sombrero des Mariachis n'est pas là pour faire joli. C'est un des éléments du traje de charro (le costume du cavalier de l'époque coloniale) fabriqué à l'origine en feutre de laine épais ou en poil de lièvre rigide, si solidement qu'il protégeait le cavalier des branches d'arbres ou amortissait les chocs en cas de chute de cheval. C'est après la Révolution mexicaine (au début du XX° siècle) qu'il s'est orné de broderies de fil d'or ou d'argent, comme on le connaît aujourd'hui.

Je pourrais consacrer un article entier au costume des musiciens et en particulier aux caractéristiques techniques de leur chapeau. Je dirai quelques mots de cette musique plus bas, car nous avons eu la chance d'en écouter un récital, en toute légitimité puisque ce genre est né dans l'Etat de Jalisco avant de s'exporter dans tout le pays. Je soulignerai cependant tout de suite que cette musique a été inscrite au patrimoine culturel immatériel de l'humanité par l'UNESCO en 2011.

La richesse patrimoniale de Jalisco est telle qu'une soirée ne suffit pas à aborder tous les sujets. Je vous souhaite de vous rendre sur place car rien ne vaut d'aller à la rencontre des habitants pour en comprendre les coutumes et le mode de vie. La chose est désormais rendue plus facile avec la création d'une nouvelle liaison aérienne directe entre Paris et Guadalajara (la capitale de cet Etat), à raison de trois vols hebdomadaires.

Situé dans l’ouest du Mexique, le Jalisco est l’une des destinations qui incarnent la richesse culturelle et la diversité du pays. Une des premières spécificités est d'être elle berceau de la tequila (mais le mot est masculin en espagnol) et se décline en plusieurs types : blanco, reposado, añejo. Pour en savoir plus je vous renvoie à une master-class que j'ai suivie en mars dernier à Wine Paris.

Un cocktail de bienvenue fut proposé en début de soirée, à consommer entièrement toute modération sachant que l'abus d'alcool est dangereux pour la santé. Soit la classique Margarita, soit une Paloma à la fraise qui fut mon choix parce que ça me rappelait de multiples souvenirs et que cette boisson n'est pas fréquente en France.

On pouvait aussi découvrir l'Agua de Jamaica, une infusion florale d'hibiscus très populaire au Mexique (et en Afrique sous le terme de bissap).

Plusieurs spécialités culinaires ont circulé entre les invités, là encore typique de la cuisine traditionnelle que l'on consomme dans cet Etat, mais revisité en bouchées pour convenir à une soirée. Il y eut un Ceviche de poisson très parfumé, avec comme il se soit quelques pluches de coriandre. Un petit pain garni de porc arrosé de sauce tomate, rappelant, en version réduite, la Torta Ahogada caractéristique de la cuisine de rue de Guadalajara.

La birria de los Altos (les hauts plateaux de Jalisco) fut déclinée en effilochée de boeuf au lieu de la traditionnelle version à jeune chèvre sauvage. La plupart des convives a aussi découvert le Pozole de mais blanc, qui est un bouillon originaire de l'État voisin de Guerrero (et le meilleur que j'ai consommé était préparé à Taxco) mais servi partout dans le pays.

Un tamal circula en guise de dessert, débarrassé de la feuille de maïs dans laquelle il a cuit. Il en existe autant de version que de région. Ainsi dans le Yucatan, au sud il est plutôt enveloppé dans une feuille de bananier. Et pour finir un bâtonnet glacé (helado) de Chapala qui était d'une douceur raffinée.

Sur le plan touristique Jalisco possède des sites extraordinaires. Le lac Chapala est le plus étendu de tout le Mexique. Un petit film nous a fait traverser les paysages.

Michelle Fridman Hirsch, la Secrétaire au Tourisme de l'État de Jalisco était venue pour présenter l'offre touristique, culturelle et gastronomique. Il faut dire que le Salon du Tourisme se déroulait en parallèle Porte de Versailles. Elle a insisté sur la variété de l'offre, sur son authenticité et sur sa représentativité des principales caractéristiques mexicaines, justifiant le slogan "Jalisco c'est le Mexique" (Jalisco es México).

40 ans d'histoire de la mode au Musée des Arts décoratifs

Me revoici au Musée des Arts décoratifs pour une autre exposition (je vous recommande celle qui est consacré à la haute couture thaïlandaise qui ferme prochainement) pour célébrer le quarantième anniversaire du musée des Arts de la mode, institution sœur puis partie intégrante du musée des Arts décoratifs.

Sa création en 1986 marqua l’entrée officielle de la couture dans le domaine culturel et le champ des arts. Seule à préserver les collections nationales de mode, l’institution réunit alors deux associations qui participent activement à la reconnaissance du vêtement comme objet de patrimoine : les collections textiles de l’Union centrale des arts décoratifs et celles de l’Union française des arts du costume. J'ai listé en fin d'article  les différences avec le Palais Galliera, dont je rends régulièrement compte des expositions.

En 40 ans, le musée a organisé plus de 70 expositions de mode ou de textile. La Nef accueille des œuvres exceptionnelles des collections, témoins de ces événements qui ont façonné l’histoire de la mode, de la société et des savoir-faire. Les équipes du musée ont sélectionné une silhouette par année et ce sont donc 40 mannequins qui portent des créations emblématiques qui ont marqué l'époque. Je suis sûre que vous direz devant certaines : mais oui, … je connais !

On les reconnait presque tous tant le choix se porte sur des modèles qui ont été abondamment photographiés. L'exposition nous invite aussi, et ce n'est pas le moins intéressant, à découvrir les coulisses de la mode en nous transportant dans l’atelier de couture, de l’idée initiale au défilé, et à comprendre l’envers du décor, notamment en matière de conservation des œuvres, ce qui est une des missions essentielles du musée quand on songe que les collections comptent 80 000 pièces devant pour les plus fragiles être stockées à plat.

L'évolution morphologique des mannequins (sur lesquels les modèles sont placés) est une des révélations. La femme est plus mince en 2010 qu'en 1950 et elle a moins de poitrine, ce qui se traduit par des modifications de dimensions. Enfin les chaussures ne sont pas oubliées, depuis les escarpins de Roger Vivier jusqu'aux Ghillies à plateforme de Vivienne Westwood de 1995, inspirées des souliers de danse écossais traditionnels à lacets.

A comprendre aussi comment s'organisent les acquisitions, de gré à gré ou par enchères publiques (volontaires ou judiciaires), mais aussi par don (manuel ou notarié), avec effet immédiat ou différé, à l'initiative du propriétaire ou de ses héritiers, à moins que ce ne soit sur sollicitation des équipes de conservation auprès de particuliers, du grand public au grand collectionneur, des maisons de couture, des créateurs ou des entreprises.

L'ordre d'apparition des silhouettes n'est pas chronologique. La première à nous accueillir est  l'ensemble Bohemian, Lady San (kimono, robe) de John Galliano, Paris, haute couture printemps-été 1998 en satin faconné, vison, lamé et crêpe satin.

Il avait célébré le 30 ème anniversaire de l'ouverture du musée des Arts de la mode dans une exposition intitulée "Fashion Forward" 3 siècles de mode (1715-2016) qui retraçait l'essentiel de la création, du XVIII siècle à nos jours, à travers une sélection foisonnante d'œuvres fameuses et emblématiques de chaque époque. Y figurait ce majestueux manteau kimono, illustrant la liberté avec laquelle John Galliano mêle des inspirations éclectiques d'autres cultures, créateurs et époques.

Juste à côté la robe, en crêpe de soie, taffetas de soie, jersey de fibres synthétiques, qui a sans doute le plus marqué l'histoire du cinéma et qui restera la tenue la plus iconique de Mireille Darc. Elle la porta gracieusement dans le film Le Grand Blond avec une chaussure noire (Yves Robert, 1972). Très sage vue de face, choquante quand l'actrice tourne le dos à la caméra, ce que le visiteur est invité à faire pour apprécier le vertigineux, et jusque là insoupçonnable, décolleté laissant voir la naissance des fesses. On notera qu'elle s'attache par une simple agrafe dans la nuque. Une demi-ceinture de chaine a tout de même été ajoutée par le couturier Guy Laroche pour maintenir le tissu sur les hanches.

Remontons dans le temps avec une robe à la française, en taffetas de soie chiné à la branche, datant de 1760, qui incarne l'élégance du XVIII° siècle, portée sur des paniers élargissant les hanches et un corps à baleines, ancêtre du corset. Elle a été montrée au public dans la première exposition du musée des Arts de la mode, en 1986. Intitulée Moments de mode, celle-ci retraça l'évolution de la silhouette de la fin du XVI° siècle aux années 1940.

A sa gauche, le velours de soie noir dans lequel Thierry Mugler tailla la robe Embarquement immédiat fait autant sensation que celle de Guy Laroche pour le défilé haute couture automne-hiver 1987-1988.

Cette robe était présente dans l'exposition Thierry Mugler, Couturissime (septembre 2021-avril 2022) regroupant 140 à 150 tenues de prêt-à-porter et de haute couture, costumes de scène, croquis, archives, vidéos et clips (notamment Too Funky ou l'univers du parfum Angel) au sein d'une rétrospective pluridisciplinaire rendant hommage au couturier, metteur en scène, photographe et parfumeur Thierry Mugler, retraçant sa carrière de 1973 à 2014. Il reste célèbre pour ses silhouettes féminines sexualisées et pleines de fantaisie. Dans la collection "Les Aviateuses", plusieurs tenues jouent sur le contraste entre une première apparence sage et un dos très audacieux, à l'image de ce grand décolleté garni de fleurs artificielles.

Sur ce cliché on peut voir à gauche une tenue de danse de  Jean-Paul Gaultier pour  la chorégraphe Régine Chopinot et à droite un bustier sur un jupon d'Hussein Chalayan tandis qu'au fond, à gauche, on aperçoit la merveilleuse création de Valentino de couleur rose qui illustre le parcours de visite tout comme le gros plan de l'affiche.

La tenue de danse (corset, cagoule, composé en satin de soie matelassé et surpiqué, satin de coton, applications, métal, maille de coton, tulle mécanique de fibres synthétiques, satin de coton, ouate) a été portée par la danseuse Monet Robier en 1985 pour le Ballet Le Défilé, passage "Manque d'air".

Jean-Paul Gaultier a réalisé les costumes de 14 ballets chorégraphiés par Régine Chopinot, de "Délices" en 1983 jusqu’à "Soli-Bach" en 1994. Le plus connu d'entre eux, Le Défilé (1985), était une œuvre hybride et marquante, entre danse et mode. Les tenues, données pour la plupart au musée, constituent une exception remarquable au sein des collections, puisqu'il s'agit de costumes de scène. Elles ont fait l'objet d'une retrospective en 2007. On y retrouve le style caractéristique du créateur de mode, entre humour et audace technique : le jeu du dessus-dessous, les surpiqûres ou encore le tutu, autant d'éléments qui participent du geste chorégraphique.

À la frontière entre architecture et design, Hussein Chalayan déploie une mode intellectuelle, où le vêtement devient un support de réflexion politique et sociale. Une exposition, en 2011, intitulée Hussein Chalayan, Récits de mode, explorait sa démarche expérimentale, marquée par l'emploi inventif des technologies et un engagement face aux enjeux de son époque.

Ici on a retenu un bustier, jupe, jupon en faille de soie surpiquée et baleinée, toile de coton, toile de coton, tulle de coton enduit présenté à Londres, en prêt-à-porter, au printemps-été 2000. Inspirée des corps à baleines du XVIII°, elle a défilé parmi des créations gonflables ou téléguidées et d'autres qui déconstruisaient le vestiaire historique. Au moment du final, cinq mannequins vêtus d'ensembles similaires - dont celui-ci -, disparaissaient, comme aspirés dans le sol. On peut en voir la vidéo dans la salle adjacente.

Place maintenant au rose avec plusieurs créations de Valentino, Schiaparelli et Iris van Herpen.