Valpolicella et Parmigiano Reggiano, l'accord parfait

Pour nous Français, accorder un fromage avec un vin rouge peut sembler aberrant. Pas pour les Italiens.

Il est de tradition pour les Vénitiens d'accompagner leur verre de Valpolicella d'une belle écaille de Parmigiano Reggiano … avec sagesse parce que ce vin, pourtant d'une couleur rubis profond a un goût velouté et corsé, est marqué par la fraicheur, et a surtout très peu de tanins, ce qui ne dénature pas le goût de ce merveilleux fromage que nous appelons chez nous "parmesan" par simplification.

La définition de la zone et l’amélioration des techniques de production et de vinification au cours des quatre-vingts années suivantes ont conduit en 1968 à l’approbation officielle du premier cahier des charges de production de vin Valpolicella avec la reconnaissance de l’AOC.

Je ne connaissais pas ce vin que j'ai découvert à Wine Paris (où cette année l'Italie était on peut le dire très présente). J'en étais revenue (par hasard, et c'est ce qui est extraordinaire) avec un Amarone della Valpolicella DOCG Classico Riserva millésime 2015 de la maison Le Ragose.

J'ai pris conscience de la valeur de cette bouteille au moment de la dégustation et bien entendu on pourrait me reprocher de n'avoir pas anticipé en le servant sur un plat d’exception, plutôt riche, une viande longuement mijoté ou un risotto au vin rouge, voire un excellent dessert qui aurait mis en valeur son intensité fruitée.

Toujours est-il que nous l'avons immensément apprécié, même dans le contexte "simple" d'un apéritif et que nous garderons longtemps en mémoire ses arômes de fruits rouges mûrs, denses et généreux, sa touche de chocolat noir, de feuilles de tabac séchées et de sous-bois. Il s'accorde avec tout, surtout un pain de campagne aux graines, de la bonne charcuterie et même des pickles maison d'oignon rouge à l'huile des Pouilles.

Il est le résultat d'un assemblage de 50 % Corvina, 20 % Rondinella, 20 % Corvinone, 10 % autres cépages autorisés, ce qui lui permet de présenter toutes les qualités de ces différents cépages emblématiques de l'appellation.

Corvina est la variété la plus importante présente et donne de la structure et du corps. La Rondinella est particulièrement importante pour l’apport de la couleur.

Les vignes sont nourries par un sol principalement argileux, avec présence de calcaire. Les raisins sont récoltés à la main puis séchés sur des feuilles plastiques. La fermentation s’effectue avec des levures indigènes dans des cuves inox pendant environ un mois, puis le vin repose une grande partie de l’année avant de passer au moins 7 ans en fûts de chêne de Slavonie avant la mise en bouteille.

Il en résulte un vin puissant (tout de même 16°), une grande pureté de fruit, avec en bouche des saveurs subtiles et complexes, allant du chocolat noir intense aux notes de noix et de noisettes, avec une acidité parfaitement équilibrée. 

Vous imaginerez donc facilement combien j'ai été séduite par l'invitation de DOP Era (qui est une marque collective rassemblant producteurs de vin et de fromage) à une master-class quelques jours plus tard autour du (des) Valpolicella et du (des) Parmigiano Reggiano chez Signorvino place Saint Michel, dont je savais par ailleurs que ce bar à vins avait été remarqué par Gambero Rosso comme un des meilleurs de Paris à la suite d'une autre master-class, consacrée aux vins rares italiens.

Gabrielle Vizzonova, experte en vins, et Fabrice Gour, expert mondial sur le parmesan, nous ont présentés respectivement 5 vins de 4 AOC différentes et des fromages de 4 degrés d'affinage.

D'une façon générale il faut savoir que la consommation du Valpolicella avec du parmesan a une double justification. Culturelle puisque c'est une habitude dans le nord de l'Italie, et pratique car les cépages employés dans l'appellation sont très peu tanniques et peuvent donc s’accorder avec des fromages l’inverse de beaucoup de vins rouges.

Le consortium à célébré ses cent ans d’existence l’an dernier. Il représente des vins DOC et DOCH, sachant que ce dernier est le plus prestigieux. C'est la première appellation de Vénétie juste dépassée par le Proseco. La production estimée à 59 millions de cols pour un chiffre d’affaires de 600 millions d’euros est le travail de 2200 viticulteurs composant 240 maisons de vin à partir de raisins poussant sur 8600 hectares, entre 70 et 700 mètres d’altitude, s'étendant en succession de vallées du lac de Garde à l’ouest jusqu’à Vérone, et est protégé à l'est et au nord par les montagnes de Lessini.

Il y a en Italie plus de 800 cépages autochtones endémiques ce qui explique la prédominance des assemblages. Ici le Corvina est majoritaire (56%) suivi du Rondinella (19%), du Corvinone (18%), puis Mounara, Croatina, Cabernet Sauvignon (chacun pour 2 à 1%), Forselina, Negrara et Oseleta … On pratique le palissage en pergola depuis 2000 ans. On fait une canopée avec le feuillage. Ce qui est très fréquent dans ce pays mais inhabituel en France.

Protocoles de Constance Debré

Je ne sais pas s’il faut un certain courage pour se lancer dans la lecture de Protocoles. La question peut être posée …

Les lecteurs de tous poils étant particulièrement critiques j’ai entendu certaines interrogations au sujet de la nature du texte que l’on hésiterait à qualifier de roman. Sont-ce les mêmes qui se posaient une question identique à propos de La vie entière qu’ils jugeaient trop courte (et pour cause comme je le démontre dans ma chronique) ?

Constance Debré a écrit un texte  bref, incisif, presque dénué d’affect et qui est pourtant saisissant de sensibilité.

Les évènements se passent dans un endroit qui n’est jamais nommé mais que l’on identifie immédiatement, le pays des théories. Des religions des sectes des astrologues, des complotistes (p.19).

Un pays où la peine de mort n’a pas été abolie et où chaque Etat a recours à sa propre méthode. Chaise électrique, chambre à gaz, peloton d’exécution, injection létale, et même nitrogène au masque, une nouvelle méthode dont l’expérimentation est interdite sur animaux (p. 84), mais pas de guillotine (jugée trop sanglante).

Comment bien tuer ? Un amendement de la Constitution américaine interdit les peines cruelles et où on croit au progrès même s’il ne permet pas de tuer plus proprement. Rien ne fonctionne en effet à 100%. Un tiers des exécutions par injection sont ratées (p. 77). Elle en décrit les loupés et c’est effarant (p. 113).

Et pourtant on ne pourra pas dire qu'on improvise. La procédure prévoit les répétitions et des scénarios alternatifs. On comprend mal alors (si tant est qu'on accepte le principe de la peine de mort) pourquoi un Etat privilégie un moyen plutôt qu'un autre sachant que selon les spécialistes l’exécution par balles est le seul mode d'exécution qui ne rate jamais (…) relativement rapide et sans douleur. Il est peu utilisé (p. 52).

Pendant deux ans, Constance Debré a consacré son temps -sans avoir alors l’intention d’écrire un livre- à l’analyse de méthodes d’exécution qu’elle a lues "de fil en aiguille" sur Internet et qui sont de l’ordre d’une pure pornographie du réel.

Elle a été avocate pénaliste et il est évident que ça ne s’oublie pas. Interviewée récemment dans Le Monde, elle souligne que plaider, c’est parler pour quelqu’un qui est accusé et doit répondre d’un acte grave. L’avocat n’a pas le pouvoir de la décision, mais celui, à la fois absolu et minuscule, de la parole. Comme dans un livre, de la première à la dernière page.

Dans Protocoles, sans pour autant défendre la position des USA en terme d’exécution capitale, elle fait des descriptions qui semblent dénuées de tout affect, allant jusqu'à d'infime détail comme le budget du dernier repas qui ne doit pas dépasser 25 dollars.

La littérature use de son pouvoir à montrer ce qu’on ne veut pas voir. La parole est distanciée et pourtant insoutenable. Avec des phrases courtes. Ou longues. Où l’absence de virgule les hache encore plus avec une précision chirurgicale sans pour autant verser dans le glauque.

On donne et on se donne beaucoup la mort en Amérique. La preuve : le suicide est la première cause de mortalité chez les ados. Un tiers est sous traitement (p. 126)

Il est manifeste que le rapport à la mort n’est pas le même chez nous qu'outre-Atlantique. D’autres modes de vie y sont différents. Constance Debré le démontre dans les chapitres qui font état de son quotidien lorsqu’elle vit à Los Angeles. Ce qui est en quelque sorte amusant est qu’elle suit, elle aussi, des protocoles, comme le rituel accompagnant ses séances quotidiennes de natation.

Elle peint à petites touches une Amérique en déshérence et en décalage avec ce qu'on pourrait qualifier de "réalité" : Everyone in this town lives on somebody’s else money. Il y a toujours quelqu’un qui paye (pour quelqu’un). (…) l’économie de leur existence repose sur les autres (p. 62).

Elle démontre du coup la "logique" du système en vigueur dans le domaine de la justice : Il n’y a pas de bourreau. Il y a des équipes d’exécution (…). On applique des protocoles on suit des procédures on respecte des règles. Personne ne tue (p. 85). Tout en application du principe selon lequel La loi supprime les questions (p. 25). Tout autant que la loi qui organise la mort en organise le secret (p. 102).

Ce qui est très réussi dans cet ouvrage c'est que, sans avoir jamais assisté à une exécution, Constance Debré en livre l'essentiel, ce qui fait évidemment froid dans le dos et achèverait de convaincre les derniers réfractaires à l'abolition de la peine de mort en France. Nous ne sommes pas surpris à la lecture de la description d'un quartier de Haute Sécurité que la détention conduise à la psychose (p. 66).

Ce livre pointe l'absence de sens dans notre société positiviste, matérialiste, soit disant marquée par le progrès.

Protocoles de Constance Debré, Flammarion, en librairie depuis le 7 janvier 2026

L'exposition Révélation du sculpteur Thierry Benenati à Fontenay-aux-Roses (92)

La ville de Fontenay-aux-Roses présente une rétrospective en immersion dans l’univers singulier de Thierry Benenati, où les figures animales prennent une dimension symbolique et poétique.

L’artiste est né à Marseille. Après ses études aux Arts Appliqués, c’est à Paris qu’il entamera une brillante carrière de 20 ans comme directeur artistique dans de grandes agences de publicité parisiennes qu’il a définitivement quittées en 2007 pour se tourner vers une carrière où il pourrait exprimer sa créativité avec davantage de liberté, à l’instar du parcours de Grégoire Delacourt, lui aussi de la publicité mais aujourd’hui en littérature.

Cheval, lévrier, autruche, taureau, gorille ou éléphant deviennent sous ses mains des allégories du monde humain. Ses sculptures, souvent enrichies d’éléments mécaniques comme des engrenages ou des horloges, interrogent le temps, la tension et les paradoxes de notre époque.

Réalisées en bronze ou en acier, ses œuvres conjuguent puissance des formes, précision du modelage et imaginaire narratif. Du monumental aux pièces plus intimistes, le parcours invite à découvrir plusieurs décennies de création et à plonger dans une sculpture expressive, à la frontière du réel et du symbolique, toujours fantastique.

C’est Miss Bling Bling, une impressionnante autruche grandeur nature, de près de deux mètres de hauteur, qui vous accueillera au seuil de la salle d’exposition. Elle est en acier modelé, bronze et cristal. Son col est en mosaïque de bijoux et de verre de Bohème.

Un texte de Corinne Magne de Giacomoni accompagne chaque oeuvre. S’agissant de cet animal elle y voit une représentation de l’appât du gain et imagine le volatile défier l’humain, avec ses beaux atours comme avec son bec dont elle évoque la dangerosité.

Les oeuvres sont majoritairement des animaux mais il y a tout de même un Saint-Jacques Pélerin, en résine argentée, semblant avancer péniblement, les bras en croix, dans une position christique. C’est un projet de monument composé en un amalgame de crucifix.

On l’aperçoit ci-dessous derrière un Lévrier de compétition, une commande spéciale de Porsche.

Ce Greyhound argenté est représenté en course, dans l'action, dans une interprétation surréaliste, à la limite des écorchés étudiés en médecine et pourtant très évocatrice de la course de côte, faisant saillir les muscles dans un effort intense.

Rupture de ton avec L'écrit du corbeau qui est la sculpture figurant au début de cet article. L’artiste nous propose derrière ce jeu de mots, une métaphore des lettres anonymes avec un oiseau aux ailes de porte-plumes sur amalgame de lettres. Le bronze est astucieusement dans une autre couleur que le noir, nous faisant encore davantage réfléchir au sens de cette oeuvre.

L’Etat est célébré fièrement avec une Tête coq aux montres. L’emblème de la République est composé d’horloges de bronze. Cela signifierai-il une nouvelle mise en garde du sculpteur cette fois contre les menaces de disparition du service public ?

C’est lui qui a été retenu pour illustrer l’affiche de cette exposition organisée dans le cadre du Printemps de la Sculpture qui, du 21 au 29 mars, propose cette année dans les Hauts-de-Seine plus d’une centaine de rendez-vous culturels gratuits qui sont récapitulés ici. La seule ville de Fontenay-aux-Roses en propose trois. Pour ce qui est de Révélation il est conseillé de participer à une des visites commentées qui permettront d’échanger avec l’auteur autour de son travail.

J’aurai l’occasion de revenir sur cette manifestation à l’occasion de l’exposition de Medjid Houari qui travaille le métal avec rigueur et sensibilité en explorant les notions de tensions, d’équilibre … et de légèreté. Ses oeuvres sont exposées au Pavillon des Arts de Châtenay-Malabry jusqu’au 2 mai 2026

Révélation de Thierry Benenati du 10 mars au 25 avril 2026

Médiathèque de Fontenay-aux-Roses, 6 Place du Château Sainte-Barbe

92260 Fontenay-aux-Roses

Entrée libre tous les jours sauf les lundis de 10h à 19h 

La vie entière de Timothée de Fombelle

J'ai connu Timothée de Fombelle en tant qu'auteur pour adultes en 2017 avec Neverland qui fut son premier roman adulte.

C'est l'insistance des bibliothécaires d'Antony (92) qui m'a poussée à lire son dernier, quasi minuscule puisqu'il ne compte "que" 80 pages qui sont d'ailleurs publiées dans un format nettement plus petit que les habituels romans de Gallimard.

La remarque peut sembler ridicule lors qu'on a lu La vie entière. Mais ayant entendu cette critique je me dois de préciser que la longueur sert juste à rendre l'histoire crédible. La narratrice aurait-elle pu taper un texte plus long en l’espace d’une nuit ?

J'ajoute qu'on se trompe si on pense qu’il est facile et rapide d’écrire court. Il aura fallu 25 ans à l'auteur pour aboutir à ce distillat où la densité exprime si bien la peur, l'urgence, la nécessité dans laquelle se trouve cette jeune femme en sursis.

Claire, hiver 43-44, tout juste dix-neuf ans, tape à la machine le soir des feuilles clandestines que lui dicte le chef d’un réseau résistant. Un soir il ne vient pas. Elle a pour consigne dans ce cas de s’enfuir sans attendre plus d’une demi-heure. Pourtant elle restera toute la nuit à l’attendre en tapant frénétiquement sur sa machine la vie entière qu’ils n’auront eu qu’en rêve.

Bravant la règle, Claire se sauve d’une autre manière, en faisant exister à travers des mots de papier les années qu’ils auraient traversées si elle avait osé lui avouer son amour et surtout si la guerre n’avait pas tout gâché. Les phrases sont courtes, tombant sur le papier comme des miettes, éclatant comme des flashs … sans revenir en arrière. Ces flashforwards intenses font paradoxalement (pour quelqu’un qui nous a habitué à de longs récits) tenir la vie entière dans un roman de moins de 100 pages.

L’auteur en parle comme d’un petit polar poétique de l’attente du risque.

La vie entière de Timothée de Fombelle, Collection Blanche, Gallimard, en librairie depuis le 2 janvier 2026

Visite des trois expositions de Susanna Inglada Paris – Amiens

Il y a des artistes dont l'univers nous touche plus que d'autres. C'est le cas de Susanna Inglada dont j'ai découvert le travail l'an dernier avant même qu'elle obtienne le Prix Drawing Now.

Cette distinction lui a permis de bénéficier d'un vaste espace d'exposition au Drawing Lab où elle présente une exposition intitulée All parts of us.

On peut aussi découvrir son travail en région, précisément à Amiens avec deux autres expositions, respectivement à la Maison de la culture d'Amiens et au FRAC Picardie qui se sont associés, dans le cadre du "Printemps du dessin" (qui rassemble une centaine de lieux dans toute la France), pour présenter la singularité de son œuvre.

J'ai profité d'une journée sur place pour voir les autres expositions présentées par le FRAC et que je retrace en fin d'article.

Qui, mieux que Susanna déploie un espace où le dessin sort de la feuille pour investir l’espace et la scène ? C'est autant frappant dans les trois lieux qui l'accueillent. Il est possible que ses animations constituent une clé pour entrer plus facilement dans son univers. Elles se présentent comme des chorégraphies suspendues d'environ trois minutes : fragments de visages, mains crispées et corps recroquevillés racontent, mieux que des mots, la violence, les rapports de pouvoir, la domination, le silence, tout autant que la force de la résistance ou de la résilience.

Deux d'entre elles sont inspirés de l'histoire Susanna and the Elders (Susanna et les ancêtres), respectivement Rumeurs et Pouvons-nous être des oiseaux ? La troisième, uniquement projetée à Amiens, s'intitule Entre toi et moi. Elle est bouleversante car elle retrace avec pudeur et sensibilité un épisode personnel douloureux concernant la perte d'un enfant.

Toutes trois, réalisées selon le principe du stop motion, utilisent bien entendu des dessins et/ou des morceaux qu'on peut retrouver presque ou totalement à l'identique sur les murs. Comme celle-ci :

Ainsi donc déambuler parmi les oeuvres prend davantage de sens après les visionnage.

Nous avons été accueillis à la Maison de la Culture d'Amiens par Romaric Daurier (ci-dessus à droite) qui succède à Laurent Dreano (ci-dessous).

L’école des femmes mise en scène par Frédérique Lazarini

Quand Frédérique Lazarini met en scène un "classique" c''est pour nous en donner une version rafraichie, voire décapée, en tout cas qui apporte un regard neuf sur un texte qu'on connait parfois par pans entiers.

Elle avait démontré que le Cid contenait une interrogation sur la question (très actuelle) du consentement et de la liberté de penser, donc de celle de disposer de sa propre vie en maîtrisant son destin. Quoi de plus logique qu'elle ait poursuivi de dévider cette bobine en s'attaquant à l'Ecole des femmes ?

Quelle chance que Cédric Colas ait accepté d'interpréter ce rôle d'Arnolphe, sans craindre le ridicule avec lequel on nous le montre si régulièrement ! Il lui donne une humanité inattendue. Sa souffrance est palpable, faisant oublier ses tentatives de manipulation de la jeune Agnès qui n'est pas si naïve qu'on a bien voulu nous le faire croire jusqu'ici.

Là encore Frédérique Lazarini a eu bien raison de faire confiance à une comédienne venant du cinéma. J'avais beaucoup apprécié le jeu de Sara Montpetit dans le film Vampire humaniste cherche suicidaire consentant. Elle trouve sur la scène des Artistic Athévains matière à poursuivre une belle carrière.

La modernité de la scénographie (François Cabanat) renforcée par l'usage intelligent de la vidéo (conçue par Hugo Givort qui en outre interprète un Horace dont la sincérité est convaincante) va permettre encore une fois d’oublier l’époque en rendant le propos contemporain quand bien même les personnages respecteront les alexandrins. Et pour ajouter davantage de suspens Arnolphe et Chrysalde jouent la première scène devant le rideau de scène tiré. Le dispositif ne se laisse découvrir qu'une fois la scène achevée et la surprise est grande.

Puisque vous l'aurez vu sur les photos je ne peux pas vous le cacher. Le plateau est divisé en trois zones. A jardin, et à proximité de la porte d'entrée, un dispositif de télésurveillance dont Georgette et Alain ont la responsabilité. Ces deux rustres, servante et valet, ont endossé la tenue d'agents de surveillance, encore une brillante trouvaille faisant référence au monde ultra contrôlé que nous subissons sans pour autant y être en grande sécurité.

Arnolphe est arrivé élégamment vêtu d'un costume gris, avec un petit sac signé par une célèbre marque spécialisée dans les mariages, contenant un joli bouquet de fleurs blanches. Très vite nous avons perçu son angoisse et ses craintes, justifiant -à ses yeux- la méfiance qu'il témoigne à l'égard de sa protégée.

On découvrira celle-ci, à cour, sagement assise devant sa machine à coudre, à l'abri -théoriquement- de toutes les tentations, puisqu'elle est tenue à l'égard du monde dans une sorte de serre aux parois de verre, égale à celle où l'on protège des plantes fragiles. Aucun doute qu'Agnès ne doit que savoir prier Dieu, m'aimer, coudre et filer.

Arnolphe est tel que Molière en a écrit le rôle. Intraitable (en femme comme en tout je veux suivre ma mode), cruellement misogyne, monstrueux de manipulation, mais touchant pourtant quand on comprend sa sincérité et que l'on constate que son humeur traverse des montagnes russes. Il sera terrifiant lorsqu'il s'emportera contre la jeune fille en la menaçant de bouillir dans les enfers (Acte III, scène 2) en sautant comme un démon, impression renforcée par un effet d'écho sur sa voix. Et plus tard il sera touchant lorsqu'on comprendra qu'il éprouve un vrai chagrin, même s'il perd le contrôle de ses nerfs en arrachant les patrons qui étaient affichés dans la chambre.

La mise en scène est fidèle à l'esprit voulu par Molière. Il n'empêche que l'on interprète les relations différemment. On s'interroge tout au long du spectacle sur les intentions de l'auteur. Voulait-il dénoncer la main mise des hommes sur les femmes ? Les spectateurs en débattent à la sortie et c'est bien agréable d'être ainsi secoués.

Quelle bonne idée de nous faire entendre la chanson de Jacques Brel Quand on n'a que l'amour au moment où Agnès dit qu'on ne donne rien pour rien, phrase tirée des maximes du mariage qu'elle est obligée de lire.. (quand on n'a) rien qu'une chanson pour convaincre un tambour. On retiendra qu'Agnès n'a pas grand chose à opposer à la contrainte dont elle est la cible. Et pourtant elle fera front.

Au début, elle est celle qui pose les mains sur la vitre pour tenter d'apercevoir quelque chose au dehors, ainsi qu'elle est représentée sur l'affiche. On verra le personnage évoluer depuis ce moment où nous l'avons découverte se promenant main dans la main avec celui en qui elle voyait un protecteur. 

Quand Arnolphe lui rend sa liberté tout en la suppliant de l'aimer (Acte V, Scène 4) on s'attendrait presque à entendre de nouveau Jacques Brel implorer Ne me quitte pas. La fin sera horrible pour le pauvre homme.

L'interprétation est parfaite d'un bout à l'autre. La modernité de la mise en scène est très jouissive. Le contexte de télé-réalité est tout à fait actuel. Tout autant que le côté thriller qui imprègne plusieurs scènes et qui est habilement contrebalancé par des touches d'humour qui interviennent toujours à bon escient.

Tout est réussi dans cette pièce qui s'élève au niveau de cas d'école. A tel point que Robin Renucci qui présentera "son" Ecole des femmes à Grignan dans le cadre des fêtes nocturnes cet été (avec François Morel dans le rôle d'Arnolphe) va venir la voir, ce qui est une belle démarche. Gageons que nous prendrons plaisir dans les deux configurations … qui ne devraient pas se ressembler. 

L'Ecole des femmes (1662) de Molière (1622-1673)

Adaptation, dramaturgie et mise en scène Frédérique Lazarini

Scénographie et lumière François Cabanat

Costumes Dominique Bourde et Isabelle Pasquier

Musique et son François Peyrony

Vidéo Hugo Givort

Avec Cédric Colas Arnolphe, dit "Monsieur de la Souche", Sara Montpetit Agnès, amoureuse d'Horace, nièce de Chrysalde, Hugo Givort Horace, amoureux d'Agnès, fils d'Oronte, Guillaume Veyre Chrysalde, ami d'Arnolphe et oncle d'Agnès, Emmanuelle Galabru Georgette, paysanne, servante d'Arnolphe, Alain Cerrer Alain, paysan, valet d'Arnolphe / Oronte, père d'Horace et ami d'Arnolphe et la voix de Michel Ouimet disant les Préceptes du Mariage

Horaires multiples du mardi au dimanche (15-17-19- 20 ou 20 h 30)

Relâches les lundis

Relâches exceptionnelles les 10 et 17 avril et le 1er mai 2026.

Représentation exceptionnelle le lundi 1er juin à 20h

Du lundi 23 février au 4 juin 2026

Aux Artistic Athévains - 45 rue Richard Lenoir - 75011 Paris

Le spectacle sera en juillet pendant le Festival Off d'Avignon au Théâtre du Chêne Noir 

Il partira en tournée de septembre 2026 à janvier 2027

Les photos qui ne sont pas logotypées A bride abattue sont de © Marion Duhame

Rouge aux lèvres a tenu sa 5ème soirée célébrant les Femmes du Vin

Depuis que Margot Ducancel avait reçu le prix de l'APCIG, il y a presque un an, j'avais envie de découvrir sur son terrain comment cette jeune femme animait une soirée consacrée à l'univers du vin.

Et je peux vous dire qu'elle est aussi passionnée que passionnante,  l'oeil sur tout, le sourire constant illuminant son visage, toute de rouge vêtue, … évidemment.

Elle a fondé un média vin et un club de dégustation, Rouge aux lèvres, et organise de multiples événements à l'intention des 500 membres de sa communauté qui certes est composée à 90% de femmes mais qui se masculinise, ne serait-ce que parce que les conjoints des dames tiennent eux aussi à participer. Et on les comprend.

Parmi tout ce qu'elle fait il y a un évènement qui lui tient à coeur parce qu'il met à l'honneur les femmes travaillant dans ce domaine. Je suis donc venue lundi 16 mars dernier à la 6ème soirée "les Femmes du Vin" qui a eu lieu au Marriott Opera Ambassador Hotel, 16 boulevard Haussmann, 75009 Paris.

Au programme : un talk inspirant avec 12 personnalités féminines emblématiques du vignoble suivi d’une dégustation exclusive de cuvées coup de coeur.

Afin de ne pas alourdir cet article j'ai placé en annexe un mini CV de chacune que je désignerai par son prénom pour rendre compte de la discussion, brillamment orchestré par Margot autour de 5 thèmes, la reconversion, la transmission, la carrière et l'engagement.

Pour discuter de reconversion ce sont Laïla Pezeron – Co-dirigeante "Ura Spirits" | Sud Ouest, Fanny Dulong – Vigneronne
 Clos Systey | Saint-Émilion Grand Cru et France d’Hotelans – Vigneronne
 Domaine de la Presle | Beaujolais qui sont montées sur l'estrade.

Trois fois Jacqueline de Hadia Decharrière

Voilà un roman étonnant ! Hadia Decharrière s’est attaquée au sujet du métavers et y entraine le lecteur en croisant les regards.

Je ne sais pas pourquoi elle a intitulé ce quatrième roman Trois fois Jacqueline, peut-être parce qu’elle confronte son personnage à trois univers, la réalité, le virtuel et le métavers.

Si je veux être honnête, je dois dire que je n’ai pas toujours réussie à me projeter, en toute logique, dans ce qui concerne ce dernier domaine. L’autrice a eu la très bonne idée de faire figurer en annexe le véritable échange qu’elle a eu avec chatGPT (p. 151). Je vous conseille de le lire en premier parce que, curieusement, ce contexte virtuel éclaire parfaitement l’écriture et vous préparera à l’apprécier.

Jacqueline est chirurgienne obstétricienne et s’étonne de la demande d’une jeune patiente, désireuse de se faire ligaturer les trompes au motif qu’elle refuse d’avoir des enfants dans un monde devenu trop violent. Cette question est déjà en soi porteuse d’une réflexion sur les inquiétudes actuelles des femmes.

Quelques jours plus tard, la praticienne va recevoir une étrange invitation à intégrer le métavers pour y faire la première greffe utérine au cours d’un évènement qui devrait avoir lieu à New-York. On se doute qu’elle va accepter mais ce qui est intéressant c’est l’analyse qu’Hadia Decharrière fait des freins et motivations à entreprendre un tel "voyage".

Le lecteur est autant néophyte que le personnage pour appréhender ce nouveau monde qui, s’il est virtuel, n’en est pas moins une réalité. C’est tout le paradoxe de la situation qui est disséqué entre les pages, quitte parfois à devenir hallucinant. A ce titre, l’image de la couverture est bien choisie, montrant le portait de l’autrice fragmenté et néanmoins absolument pas flou.

Tout ce qui concerne la médecine, elle est d’une précision sans faille, ce qui peut s’expliquer par le fait que dans son autre vie cette femme, née en 1979, exerce la profession de chirurgien-dentiste.

Ce roman est vertigineux, incorporant des faits qui ont été oubliés comme la prise d’otages menée par une femme rêvant de réconcilier les israéliens avec les palestiniens et qui pensait qu’il était absolument nécessaire d’empêcher la sortie du film des Aventures de Rabbi Jacob (p. 57 puis 78, 117 et 140).

Quelques heures après avoir lu ces lignes, que je pensais inventées, j’assistais à la nouvelle pièce de théâtre de Jean-Philippe Daguerre que j’allais voir au théâtre Montparnasse après un autre spectacle auquel assistait la petite fille de Louis de Funès. Les hasards de la vie sont plus violents que ceux que les écrivains fantasment. Et j’ai repris ensuite ma lecture de Trois fois Jacqueline avec un autre oeil.

Nous suivons le personnage principal à Paris, à New-York, et entre temps en Grèce, qui sont eux aussi trois univers ayant chacun leurs spécificités. A son arrivée à Athènes Jacqueline reconnaîtra : Je ne suis personne de logique à cet endroit et à cet instant précis (p. 88).

Et pourtant elle y passera des heures qui vont compter, notamment avec un responsable de laboratoire de recherche en astrophysique. Il enseigne que l’espace et le temps sont liés, et qu’ils sont tous les deux relatifs (p. 117). Après lui avoir permis de contempler les étoiles comme jamais elle n’avait pu le faire il prédit que bientôt plus aucune ne sera visible depuis la Terre, en partie en raison de la pollution lumineuse et on frissonne de deviner que c’est une vérité (p. 123).

C’est sur Hydra que leurs échanges ont lieu. Sur cette même île où Léonard Cohen fit la connaissance de Marianne, le grand amour de sa vie, et où se trouvait sa maison. Lui aussi fut bouleversé par la guerre du Kippour à laquelle il s’opposa en écrivant Lover, lover, lover qu’il chanta sur la ligne de front (p. 120). 

La femme nous confiera aussi combien l’incongruité de son prénom aura été déterminante. J’ai trouvé l’ensemble fort intéressant, quoique difficile à lire. Les interventions de son hypnothérapeute et d’une acupunctrice apportent un éclairage complémentaire et je retiens la leçon d’auto hypnose pour vaincre le stress (p. 89).

Trois fois Jacqueline de Hadia Decharrière, Alma éditeur, en librairie depuis le 9 janvier 2026

Licornes ! au Musée de Cluny

Licornes ! Figurait sur la liste des expositions les plus attendues de l’année. Le sujet était totalement légitime pour le Musée de Cluny qui accueille depuis si longtemps la tapisserie de la Dame à la Licorne.

Tout le monde sait qu'il s'agit d'un animal fantastique mais sans en connaitre les mystères. Certains seraient même prêts à témoigner en avoir vu. L'exposition, conçue par ce musée avec le GrandPalaisRmn et le Museum Barberini de Potsdam, a pour ambition de faire le tour de la question à travers 9 grands chapitres dont l'argumentation s'appuie sur des oeuvres provenant de ses collections ou de prêts de grands musées européens.

Le visiteur remarquera que ces objets ne sont pas nécessairement positionnés près des grands panneaux explicatifs, sans doute pour des raisons de scénographie. L'ensemble se découvre agréablement sans en souffrir.

Je mets néanmoins en garde sur le fait que si la majeure partie occupe le Frigidarium des ancien thermes, il ne faut pas manquer la salle 20 avec la tenture de la Dame à la Licorne et à l'autre bout du bâtiment la salle 26 consacrée à l'expression contemporaine de la Licorne inspirante.

Il serait dommage de limiter la visite à l'exposition même si une demi journée ne suffira pas à tout voir. Je donne en fin d'article quelques suggestions à suivre, en particulier en lien avec un moment que j'avais passé dans ce musée à l'occasion de la sortie du livre de littérature jeunesse Le chevalier à reculons de François Soutif, Ecole des loisirs, Kaléidoscope, en librairie depuis décembre 2024.

Parmi les nombreuses activités proposées autour de l'exposition (et répertoriés sur le site) j'ai relevé deux ateliers avec cet illustrateur le dimanche 12 avril :

- Vilain dragon de 10h30 à 12h30 pour des enfants de 5-7 ans (accompagnés d’un adulte)

- Chimère de 14h à 16h pour des 8-12 ans (sans adulte)

Commençons par la Licorne universelle, telle qu'elle est mentionnée dans les textes depuis l’Antiquité, en Chine, au Proche et au Moyen-Orient. Seules certitudes, c’est un quadrupède, proche de l’âne, du cheval, d’un bovidé ou d’un dragon... et l’animal possède une corne unique sur le front.

La taille et la forme de cet attribut sont très variables, d’une soixantaine de centimètres à plus de deux mètres. Pour certains auteurs, la licorne est même un assemblage chimérique : tête de cerf, pieds d’éléphant, queue de sanglier. La licorne chevaline blanche s’impose à partir de la fin du Moyen Âge, mais elle est souvent pourvue d’une barbiche de chèvre et de sabots fendus. Aujourd’hui, les métamorphoses de la licorne se poursuivent, grâce aux artistes et à la culture populaire.

L'exposition, commence avec la plus ancienne œuvre qui est une des premières représentations de licornes connues. Il provient d'une région qui se trouve aujourd'hui au Pakistan. C'est le sceau d'un animal unicorne en stéatite  vieux de 2000 ans avant JC., de la Civilisation de l’Indus (Mohenjo-Daro), Berlin, Staatliche Museen zu Berlin, Museum für Asiatische Kunst.

Bouddha aurait prêché dans le parc aux gazelles de Bénarès ; il est souvent représenté entre deux gazelles. Elles sont parfois figurées avec une seule corne ; un animal unicorne est par ailleurs évoqué dans des contes du bouddhisme. Admirons cette Gazelle unicorne, Tibet, Bronze doré, Alliage cuivreux, dorure au mercure, XVIIIe siècle, Zurich, Museum Rietberg

Suivent deux photographies de la série "Chevaux" de Marie Cécile Thijs (1964-) qui se font face. Une licorne (2012) ci-dessous et une licorne noire, toutes deux provenant d'Amsterdam, Smith Davidson Gallery Paris, Gallerie XII.

Marie Cécile Thijs s’est inspirée d’un tableau de l’artiste anversois Maerten de Vos pour ce "portrait" de licorne blanche à la tête retournée. Sa licorne noire, de profil, met en majesté le noir, teinte vedette de la fin du XXe et du XXIe siècle.

Voltige, la vie de Dorine Bourneton sur la scène du théâtre Montparnasse

Quand on s’appelle Dorine on pourrait se sentir prédestinée pour devenir comédienne mais Dorine Bourneton avait des rêves de hauteur. Elle voulait être pilote.

Et ce n’est pas un absurde crash -dans lequel elle n’avait d’ailleurs aucune responsabilité- qui allait l’empêcher de le réaliser. Certes, elle mit plus de temps que prévu, et son parcours fut semé d’embûches, Lutter contre les a priori est un combat de chaque instant.

Elle aurait pu se satisfaire de partager son succès dans le cadre des conférences qu’elle donne un peu partout mais il faut croire que personne n’est jamais à l’abri d’un retournement de situation. A force de multiplier les loopings sa vie est une révolution permanente.

Elle aurait pu mobiliser son potentiel comique pour le raconter sur scène dans une formule one-woman-show mais sa rencontre avec un homme de théâtre l’a poussée à monter sur les planches.

Éric Métayer a écrit l’histoire "incroyable" de cette femme dont le ciel est la seule limite et en a assuré la mise en scène.

La forme est originale, tenant de la conversation avec le public, du théâtre d’objet et de marionnettes. Le résultat est un spectacle vivant dans lequel cette femme, à l’instar de la Dorine de Molière, s’avère être insolente et libre et qui, jamais, n’hésite à dire ce qu’elle pense et qui ne cache pas ses jambes.

Elle évolue avec aisance sur le plateau, entre deux kuroko, qui, comme leur fonction l’indique, sont toujours "derrière" pour déplacer les décors, manipuler les accessoires, aider aux changements de scène … En théorie ce sont des machinistes qui sont traditionnellement vêtus de noir pour ne pas être remarqués. C’est ainsi que, tout en ne faisant jamais partie de l’action, leurs interventions peuvent donner à un spectacle une impression de magie.

J’ignore les réelles intentions du metteur en scène lorsqu’il leur a demandé de dévoiler leur visage à certains moments (peut-être pour de simples raisons d’ordre pratique) mais il instaure ainsi de la confusion. Ces deux hommes sortent de leur statut et deviennent des comédiens à part entière, ce qu’ils font d’ailleurs admirablement. On comprend mal qu’ils retournent ensuite dans la pénombre.

Le spectacle gagnerait en densité en les intégrant complètement puisque à ce stade de la narration le public a parfaitement compris pourquoi ils sont là et qu’il serait intéressant de le déstabiliser en lui prouvant que ces machinos sont aussi des partenaires. On en devine le potentiel avec des moments où l’humour est très fin comme la scène du chien.

Dorine est aussi le nom d’une fleur. C’est une plante vivace s’épanouissant en rampant dans les zones montagneuses humides ou au bord de ruisseaux. Le destin est cruel en se matérialisant dans le moindre détail mais ce n’est pas lui qui gagne dans Voltige.

Il n’y a aucune récompense à attendre quand on accepte une fonction de kuroko puisque ce n’est pas un rôle. Là encore la situation se renverse aux saluts et Mikael Fou et Yoann Leduc méritent les chaleureux applaudissements qu’ils partagent avec leur partenaire comédienne.

Voltige d’Éric Métayer en collaboration avec Dorine Bourneton

Mise en scène Éric Métayer

Avec Dorine Bourneton, Mikael Fou et Yoann Leduc

Son Vincent Lustaud

Lumières Jean-Yves Desaint-Fuscien

Costumes Kurokos Michele Emanuele

Au Théâtre Montparnasse

31 rue de la Gaîté, 75014 Paris

Depuis le mercredi 28 janvier 2026

Soirées mercredi, jeudi, vendredi et samedi à 19h

Matinées Dimanche à 17h

Relâches les 21, 22 mars et 22 avril 2026

La première photo qui illustre cet article montre Dorine entourée de Julia de Funès, philosophe (fille d’un pilote de ligne) et de Brigitte Revellin-Falcoz, l'une des premières femmes pilote de ligne en France, qui fut son alliée dans son combat pour l’accession aux handicapés à la licence de pilote et à la reconnaissance de leurs capacités à devenir des pilotes professionnels.

L’AOC Grignan-les-Adhémar était à Wine Paris

Il existe de grands regroupements vinicoles en Champagne, en Alsace, en Corse mais on constate aussi des actions collectives plus modestes et tout autant réussies comme l’initiative de 5 vignerons du territoire de Grignan-lès-Adhémar.

Il faut saluer leur volonté d’allier leurs forces pour représenter une des appellations les plus typées de la vallée du Rhône dont l’ensemble de la production est réunie sur la même table.

Outre cette qualité il se trouve que le département de la Drôme et  Grignan célèbre cette année le 400 ème anniversaire de la naissance de la marquise de Sévigné, avec notamment des évènements dans le domaine du vin, comme je l’annonçais en janvier. J’étais donc très motivée pour découvrir cette AOC, en toute modération, sachant que l’abus d’alcool est dangereux pour la santé.

Elle a obtenu l’appellation d’origine contrôlée le 27 juillet 1973 sous le nom Coteaux du Tricastin et devint en 2010 Grignan-les-Adhémar.

D’une manière générale ce sont des vins qui se caractérisent par un bel équilibre, une fraîcheur agréable et beaucoup de finesse. En cépages on trouve Syrah, Grenache, Viognier, Roussanne, Marsanne, qui, en assemblage, offrent des qualités complémentaires, notamment Syrah-Grenache que l’on trouve souvent associés. La syrah apporte des notes de fruits noirs et de violette avec une longueur en bouche intéressante. Le grenache procurerait davantage des notes de fruits rouges, de poivre et d'épices. Avec toujours des tanins sont souples et ronds que l’on doit aux sols argilo-calcaires.

Les sols sur lesquels poussent 1300 hectares de vignes sont malgré tout d’une grande diversité géologique. Le sous-sol est principalement argilo-calcaire ou sablonneux, mais la surface se métamorphose en fonction des zones :

- Des galets ronds, charriés et polis par le Rhône, donnant des vins complexes, généreux et très expressifs.

- Des sols argilo-calcaires sur les hautes terrasses du Rhône dont les vins sont élégants, ronds et puissants.

- Des terrains très caillouteux ou des graves dont les terres argileuses donnent des vins à la robe sombre.

- Des terrasses alluviales en bordure du fleuve. Les vins y seront élégants et la souples en bouche.

L’appellation compte 27 domaines, 8 caves coopératives, 14 négociants et 1 négociant vinificateur.  Les cinq domaines ayant choisi de jouer la "carte corporate" sur Wine Paris étaient :

• Château-Bizard
• Château de la Robine
• Domaine Escalin
• Domaine du Chardon bleu
• Domaine Bonetto-Fabrol

Je ne pouvais pas déguster toutes les cuvées présentées par chacun. Il fallut faire une sélection harmonieuse, respectant les spécificités, et je me suis limitée aux trois premiers domaines (sans qu'on y voit un critère particulier). Par chance, même si je n’indiquerai pas systématiquement mes préférences sachez qu’elles se sont réparties entre les trois domaines que j'ai dégustés.

La mode du 18e siècle, un héritage fantasmé au Palais Galliera

On en parlait déjà avant que le Palais Galliera ne dévoile les quelque 70 silhouettes retenues, sans compter les accessoires de mode, de textiles, d’arts graphiques et de photographies, pour démontrer combien la mode du 18e siècle a laissé un immense héritage qui infuse encore aujourd'hui les stylistes contemporains, comme on le constate avec des tenues iconiques de la création contemporaine des collections de Christian Dior, Louis Vuitton, Christian Lacroix, Vivienne Westwood, Dries van Noten… et de Chanel, pour la haute-couture ou le cinéma.

Car ce ne sont pas seulement des pièces de ce siècle mais aussi de nombreuses réinterprétations faites ensuite et que le Palais expose, prouvant combien l'époque constitue une étape majeure dans l’évolution des apparences féminines.

Elle se distingue par la diversité des silhouettes, la richesse des étoffes et l’exubérance des parures ainsi que des coiffures. Elle signe également la fin d’un modèle vestimentaire féminin hérité des siècles précédents, qui dans un contexte de bouleversements politiques et sociaux, apparaît comme un monde d’élégance et un paradis perdu qui suscitent une forte nostalgie, ouvrant la voie à une nouvelle conception du corps et de l’apparence.

Les cheveux hauts sur la tête, en perruque couleur dragée, les vêtements vaporeux, la couleur pastel, la rose brandie comme le faisait Marie-Antoinette immortalisée par Mme Vigée Le Brun … et qu'on retrouve dans l'affiche de l'exposition représentant Utica Queen / Ethan David Mundt, 2021 par le photographe américain Eric Richard Magnussen (1992-), qui travaille particulièrement avec les drag queens, et qui a ouvert au public le 14 mars dernier.

Vous y verrez un chef d'oeuvre, exceptionnellement présenté au public en raison de sa grande fragilité. Il s'agit du corset attribué à cette reine qui fut une icône de la mode. Et vous serez sans doute surpris comme moi par l'extrême finesse de sa taille même si elle n'avait alors que 16 ans.

Etant donné la beauté et la qualité des modèles présentés il va vite y avoir foule et la réservation est recommandée sur www.billetterie-parismusees.paris.fr

1 - Caractériser la mode féminine, 1700-1792

Le XVIIIe siècle est le temps d’une révolution vestimentaire, advenue bien avant les bouleversements politiques de 1789. Le décalage avec l’habillement de la fin du siècle précédent s’accentue doucement dès les premières décennies, avec un vestiaire renouvelé, un changement d’esthétique textile, et l’épanouissement commercial des métiers de la mode.

La première robe mise en avant est dite à la française avec son dos caractéristique marqué par une série de doubles plis plats et son système de réglage à la taille permettant de la porter sur des paniers (jupons élargis reliés par des cercles d’osier reliés par des liens). Faite en 1755-65, elle est en taffetas broché, orné de guirlandes fleuries (falbalas) rehaussés d’une passementerie dite "sourcils de hanneton".

Cette autre, un peu plus ancienne, de 1750-60 est encore une robe à la française. On découvre aussi de magnifiques robes à la piémontaise (comme celle-ci de couleur céladon), à l'anglaise, à la polonaise et de style qui reprennent vie sous nos yeux.

La robe à l'anglaise remplacera progressivement la robe à la française. Elle est ouverte sur le devant, pour révéler un jupon assorti (comme pour la rose ci-dessus) ou d'une couleur différente. Les plis du dos sont devenus étroits puis ont disparu. Le dos est ajusté au buste dès 1780, sur un panier plus modeste. Jupe et corsage sont coupés séparément, ce dernier étant souvent désigné sous le terme de casaquin ou caraco qui peut être renforcé avec de fines baleines cousues entre les coutures. Ses manches qui s'arrêtent aux coudes et peuvent se terminer par des volants appelés engageantes. Nous en voyons plusieurs exemples, en toile de Jouy ou en toile de lin blanche comme celui qui est de couleur beige, datant de 1750, porté sur une jupe de même facture.

La robe à la polonaise (verte ci-dessus) se distingue à son tour de la robe à l'anglaise. La jupe est plus courte, dégageant les chevilles, et son jupon est bouffant, et surtout relevé, plus pratique pour marcher dans les allées d'un parc. Elle aurait aussi une fonction politique en symbolisant, par ses trois pans le démembrement de la Pologne, dépecée en trois provinces distinctes entre la Russie, la Prusse et l'Autriche en 1772 et fut très en vogue dans les années qui suivirent.

Elle est aussi généralement ornée de festons achetés auprès des marchandes de modes, constituées en corporation en 1776, et qui imposent leur art. En rajoutant sur les vêtements des ornements –passementerie, dentelles, rubans – tout en proposant accessoires et bonnets divers, elles édictent un style où le prestige du paraître tient désormais moins à la complexité du tissu qu'au luxe des matériaux utilisés pour l'embellir. Le sens de la parure s’étend alors à la coiffure, où la virtuosité technique est au service de l’inventivité. Le métier de coiffeur devient essentiel. Plusieurs exemples des coiffures dites à l’Indépendance ou le triomphe de la liberté, avec postiches sont exposés, datant du début 18 ème.