La tête haute, d'Emmanuelle Bercot

La tête haute a été projeté en ouverture du 68ème Festival de Cannes en même temps qu'au Rex de Chatenay-Malabry (92), qui colle si souvent à l'actualité, quand il ne la précède pas.

Emmanuelle Bercot était venue y présenter en avant-première son premier film il y a dix-huit mois, Elle s'en va, déjà tourné avec Catherine Deneuve. Elle nous avait révélé que son prochain projet se situait dans un univers radicalement différent, celui de la délinquance, à travers le point de vue d'un juge pour enfants et d'un éducateur. Elle disait s'être inspirée cette fois d'un oncle éducateur qui organisait des séjours de rupture avec des jeunes.

Il y a peu de points communs entre les deux films, hormis la présence de Catherine Deneuve, dans deux rôles d'ailleurs très différents. Mais est-il nécessaire de chercher des ressemblances entre eux ? Par contre on en trouve, indéniables avec Polisse, le film de Maïwen, dont Emmanuelle Bercot a d'ailleurs co-signé le scénario et avec Mommy, ce qui devrait plaire à Xavier Dolan, membre du jury cannois.

Emmanuelle Bercot réalise là un film très personnel, en traçant la trajectoire chaotique d'un jeune en mal d'insertion avec un regard somme toute plutôt positif.

Le résultat doit beaucoup aux acteurs qui portent littéralement le film. On citera en premier Catherine Deneuve qui excelle dans le rôle de la juge toujours humaine et optimiste malgré les prises de conscience qui s'évanouissent, réaliste quant à la possibilité d'influer le cours d'un destin, sachant parfaitement qu'on ne fait pas de miracle sans l'assentiment des parents.

Sara Forestier campe une mère franchement caricaturale, que le spectateur pourra croire exagérée. Il en existe malheureusement beaucoup comme elle, fatiguée de suivre leur enfant délinquant depuis qu'il sait marcher. Il est facile de conclure qu'avec une autre maman le jeune Malony aurait poussé autrement. La sienne est immature et incapable de lui donner un cadre. Ce seront donc la juge et l'éduc (comme on dit) qui vont s'y coller. Et c'est pas gagné. Parce que chacun a ses fêlures, et l'éducateur (Benoit Magimel) n'y échappe pas même si ses blessures ne sont qu'esquissées.

S'il y a une réplique que le public doit retenir c'est bien : on n'est pas là pour t'aimer, on est là pour t'aider.

Il n'empêche que s'il y a une circulation de sentiments les choses connaitront peut-être une accélération. C'est d'ailleurs sans doute la détermination du personnage de Tess, interprété par Diane Rouxel qui concourt à mettre Malony sur la bonne voie en lui témoignant autre chose que de la violence ou l'excitation de la dérision et de l'interdit.

Malony est l'enfant sauvage qui a poussé comme une herbe folle. Il est magistralement interprété par Rod Paradot dont c'est le premier film, et de toute évidence pas le dernier. On pourrait croire à un documentaire tant ce jeune homme est entré dans le personnage.

Emmanuelle Bercot nous offre un film social mais optimiste, même si beaucoup d'entre vous ne croiront pas à une accalmie durable dans les dernières séquences. En choisissant des musiques classiques elle nous place loin des codes de la violence pour mieux nous la renvoyer. Elle a surtout le mérite de nous mettre le nez sur une réalité qu'il faudra bien un jour se résoudre à panser avec des moyens à la hauteur des problèmes. Car il ne faut pas se leurrer, des juges comme celle qu'interprète Catherine Deneuve ne sont pas légion.

Tête de Pioche, Les bébêtes du Bayou, par Brrémaud et Rigano

Je lis peu de BD ou de romans graphiques et il faut que j’y sois poussée, comme ce fut le cas avec La conférence. Pourtant je fais de belles découvertes régulièrement dans ce genre vers lequel je ne vais pas spontanément.

Je n’aurais pas ouvert Tête de pioche s’il n’avait pas figuré dans la sélection du Challenge NetGalley. Je le pensais exclusivement destiné à des enfants.

Il est vrai que ce sont eux la cible, mais des adultes, surtout s’ils sont comme moi allés en Louisiane, prendront plaisir à cet album.

Dans un chalet de haute montagne, Tête de Pioche est une toute jeune orpheline qui vit avec sa mamie adorée… et lui donne bien du fil à retordre, d’où son surnom ! Un jour arrive une lettre de sa grande sœur lui apprenant qu’elle vient d’être engagée dans un spectacle de claquettes à La Nouvelle-Orléans.

Ni une ni deux, voilà Tête de Pioche, aussi intrépide qu’audacieuse, qui décide de fuguer pour admirer sa sœur sur scène ! Le voyage est long mais ne l’effraie pas : elle sait qu’elle pourra compter sur ses amis, les bêtes à poils et à plumes, pour lui venir en aide. Et elle en aura bien besoin !

Arrivée à La Nouvelle-Orléans, Tête de Pioche croise la route de trafiquants qui l’enferment dans une cage en compagnie de bestioles les plus variées. Heureusement, la petite a de la suite dans les idées. Et, surtout, elle maitrise le langage des animaux…

Je dois d’emblée dire que tout en l’ayant lu en numérique, comme tous les titres proposés dans le cadre de ce challenge, je n’ai eu aucun mal à le faire dans l’application dédiée car l’ouvrage s’affichait page par page, avec la possibilité de zoomer pour mieux voir certains détails. Après le souci de lecture de Evidemment Martha, il était important de le préciser.

Sur le plan graphique, le contraste est saisissant entre la montagne où vit la gamine et la mangrove qu’elle doit traverser pour retrouver sa soeur. Les couleurs sont éclatantes.

Le scénario est assez convenu. On se doute que Tête de pioche revendra saine et sauve au bercail après des rebondissements qui d’une certaine manière rappellent les aventures de Pinocchio. Tout cela est logique mais on ne peut qu’approuver la morale de la fin, promettant aux lectrices et lecteurs que quand on croit en quelque chose tout devient possible.

On nous laisse avec la promesse que d’autres albums suivront. Qui sait, Tête de Pioche est peut-être la Fifi Brindacier de demain …

Tête de Pioche, Les bébêtes du Bayou par Brrémaud et Rigano, Dargaud éditeur, en librairie le 3 juin 2022

Chroniqué dans le cadre du #ChallengeNetGalleyFR

Avignon le 20 juillet au Lycée Mistral, à la Manufacture et à l’Espace Alya

 La journée sera marquée par des problématiques liées à la santé, mais je ne le réaliserai qu’à la toute fin. Question de hasard dans ma programmation, mais qui reflète l’ampleur des préoccupations de notre société.

On commence avec Une bête ordinaire de Stéphanie Marchais, mise en scène par Véronique Bellegarde et présentée par le 11 « Hors les murs » dans la salle du cinéclub du Lycée Mistral à 11 h 30.

L’univers du lycée est assez insolite, et pourtant cet établissement est un des plus sollicités à la fois dans le in et dans le off. On y croise des groupes de spectateurs conduits vers l’une ou l’autre salle et il prend des airs d’université d’été.

La metteuse en scène est fidèle à ses préférences qui la portent à monter des textes contemporains et elle a beaucoup travaillé la version scénique en amont avec l’autrice.

Avant de vous parler de ce spectacle (qui est aussi magnifique que troublant et nécessaire, magistralement interprété par Jade Fortineau) il n’est pas inutile de savoir que l'âge de la puberté féminine a beaucoup évolué. Commençant à 16 ans au Moyen-Age, 12-13 ans dans les années 50-70, 11 dans les années 90, on remarque maintenant l’apparition des seins à 10 et parfois 8 ans.

On attribue le phénomène à des causes indirectes comme la monoparentalité, le stress et les contextes de violences familiales, et à des causes directes comme le surpoids car la graisse produit des hormones, et surtout la pollution et l'eau chargée en résidus de pilules contraceptives, et le contact avec les perturbateurs endocriniens présents dans les pesticides, herbicides, fongicides, cosmétiques et emballages alimentaires, qui interagissent avec le système hormonal.

L’enfant qui entre en scène est joué par une adulte, ce qui instaure tout de suite un problème de taille, lequel est accru par l’étroitesse du décor où tout est miniature. On perçoit immédiatement le malaise à vivre dans un corps immense alors qu’on est encore une enfant.

La mère ne semble pas s’inquiéter. Elle a fait le minimum. Elle a consulté un médecin qui a prescrit un médicament pour retarder la croissance. Tout ce qu’elle attend de sa fille c’est un comportement adéquat à son âge civil, 7 ans. Elle lui donne des ordres en conséquence, plutôt froidement, sans réaliser son désarroi psychique. Quand la gamine demande quelque chose pour lui démonter la tête elle conseille Aspro et dodo. Face à l’incompréhension et à l’absence d’aide elle se repliera : on est une jolie petite fille qui se la ferme.

La môme est désarçonnée par les transformations de son corps qui pourrait bien être habité par un animal monstrueux. Puisque tout est « anormal » elle s’invente une réalité, s’attribuant comme père une sorte de héros atypique, Jacques Mesrine, un as du travestissement, dont les aventures sont racontées au journal télévisé et qui se serait évadé pour venir la chercher. Elle fugue la nuit et chevauche une bête ordinaire sur un manège de chevaux de bois.

Mais rien ne dompte les pulsions qui accompagnent sa transformation. Le cheval n’a rien de Pégase et la gamine reste sur terre. Alors l’école obligatoire sera le terrain de l’expérimentation de son corps d’adulte, qu’elle vendra aux « grands » de CE2 contre une poignée de bonbons en renversant son angoisse sur eux et se faisant menaçante : tu racontes rien à personne !

La petite fille affronte les soucis en gardant la tête haute. Elle répond avec insolence à sa mère. Elle invective le public : ça vous dit quelque chose ? Une petite fille aux seins venus trop vite ? Elle semble habitée, sa voix passant en une fraction de seconde de la mère à la fille-enfant puis à la fille-adulte qui gratte à la porte comme le loup chez les chevreaux.

Mais rien n’y fera. La vie n’est pas un conte de fées qui pourrait bien finir. S’il suffisait de renoncer à son vieux pull (qui est une peau protectrice) et d’enfiler une robe de princesse cela se saurait. Mesrine sera quasiment exécuté et la puberté n’aura pas été différée. Les dommages sont énormes. La môme s’étouffe dans les bras de la pieuvre.

La comédienne est époustouflante, soutenu par la musique interprétée en direct par Philippe Thibault (ou Vassia Zagar) dont elle se sent en pleine connivence. La mise en scène est précise. Le spectacle est parfaitement abouti. Il pourrait être joué aussi bien sur une scène de théâtre que dans un établissement scolaire et être suivi d’une discussion. Véronique Bellegarde les a beaucoup arpentés pendant la crise sanitaire et a rencontré un grand nombre d’élèves dont le corps est étonnement très grand ou très petit pour leur âge. Le phénomène est beaucoup plus fréquent qu’on ne le croit.

L’après-midi, un autre « Hors-les-murs » est programmé à 16 heures par la Manufacture (jusqu’au 25 juillet). Une navette nous emmène jusqu’à la médiathèque de Saint-Chamand pour découvrir Vu d’ici, la dernière création de la compagnie Théâtre à Cru dirigée par Alexis Armengol dont j’avais tant apprécié le travail au dernier festival.

On retrouve quelques personnes de l’équipe de Vilain ! et la signature Armengol est visible avec en toute légitimité un énorme travail sur le son. Mais le spectacle est très différent et au final assez déroutant.

Certes il est malin de nous proposer d’entrer dans la tête de ces deux frères et de nous permettre de le faire à l’envi, en utilisant ou pas le casque que l’on teste en début de représentation. Le spectateur qui porte des lunettes et bien entendu le masque anti-Covid est tout de même très contraint avec cet équipement supplémentaire, même s’il apprécie le théâtre immersif. 

Vingt ans plus tôt, Frédérick (Laurent Seron-Keller), l’aîné, a été hospitalisé à l’initiative de Stéphane (Alexandre Le Nours), son cadet, et diagnostiqué « schizophrène ».

Ils se retrouvent aujourd’hui dans un but précis : créer quelque chose ensemble - un podcast - qui doit leur permettre de dénouer les maux par les mots et ouvrir le champ des possibles. Alexis Armengol pose la question de l’altérité et de la dualité. L’écoute est centrale. On se retient parfois de fermer les yeux pour mieux se concentrer sur les sons, mais la vue est tout autant troublante, comme le laisse « entendre » le titre de ce voyage sensoriel, Vu d’ici.

La soirée se poursuit avec Climax (prononcer Claïmax) à l’Espace Alya à 21h 10. Le spectacle marque le retour de la Cie Zygomatic après le succès de son dernier spectacle "Manger" avec plus de 400 représentations en France et à l'étranger.

Sans les connaître, il suffit de s’attarder sur leur nom pour deviner leur credo. En effet leur nom est celui du muscle de la pommette de la joue, qui se contracte lorsqu’on rit ou sourit. Présenté sur quelques dates au La Bruyère dans le cadre du Phénix Festival en juin dernier, ce spectacle s’attaque cette fois à la question de l’urgence climatique. Le quatuor a, comme à son habitude, travaillé en s’appuyant sur les compétences de chacun. Ludovic Pitorin assure l’écriture et la mise en scène. Benjamin Scampini la musique. Aline Barré la chorégraphie et Xavier Pierre les lumières. Chacun fait ce qu’il doit faire pour ce qui est de la régie qui elle aussi est assumée en interne.

 

Bien entendu ils sont tous les quatre sur scène, pleinement comédiens. Leur rigueur artistique est à saluer. Ils nous ont offert de très beaux moments de théâtre en réconciliant l’humour et le tragique. Les sujets traités sont graves puisqu’ils démontrent combien l’homme saccage la planète. Mais ils le font avec une dérision qui souvent confine au sublime, n’hésitant pas par exemple à se lancer dans un numéro de patinage artistique (en chaussettes) sur une banquise imaginaire, réquisitionnée pour les futurs (et derniers) Jeux Olympiques. Quel monde laissera-t-on à nos enfants ?

La Cie Zygomatic revendique au rire le pouvoir d’être une arme de réflexion massive. En 20 ans, ils ont donné plus de 1300 représentations en France et à l'étranger, participé à 6 festivals d’Avignon et reçu de nombreux prix (Coup de Cœur Avignon OFF 2014, Prix Tournesol, Prix de la meilleure mise en scène...). 

Leurs clowneries nous font effectivement rire autant que réfléchir. Ils assument pleinement d’être ceux qui se pendent à la sonnette d’alarme et répondent favorablement aux propositions des scientifiques et des enseignants d’organiser des bords de scène pour prolonger avec les spectateurs ce qui était naturel au siècle dernier pour tous eux qui étaient dévoués à ce qu’on appelait « éducation populaire ».

Une bête ordinaire, mise en scène par Véronique Bellegarde au Lycée Mistral

On commence avec Une bête ordinaire de Stéphanie Marchais, mise en scène par Véronique Bellegarde et présentée par le 11 « Hors les murs » dans la salle du cinéclub du Lycée Mistral à 11 h 30.

L’univers du lycée est assez insolite, et pourtant cet établissement est un des plus sollicités à la fois dans le in et dans le off.

On y croise des groupes de spectateurs conduits vers l’une ou l’autre salle et il prend des airs d’université d’été.

La metteuse en scène est fidèle à ses préférences qui la portent à monter des textes contemporains et elle a beaucoup travaillé la version scénique en amont avec l’autrice.

Avant de vous parler de ce spectacle (qui est aussi magnifique que troublant et nécessaire, magistralement interprété par Jade Fortineau) il n’est pas inutile de savoir que l'âge de la puberté féminine a beaucoup évolué. Commençant à 16 ans au Moyen-Age, 12-13 ans dans les années 50-70, 11 dans les années 90, on remarque maintenant l’apparition des seins à 10 et parfois 8 ans.

On attribue le phénomène à des causes indirectes comme la monoparentalité, le stress et les contextes de violences familiales, et à des causes directes comme le surpoids car la graisse produit des hormones, et surtout la pollution et l'eau chargée en résidus de pilules contraceptives, et le contact avec les perturbateurs endocriniens présents dans les pesticides, herbicides, fongicides, cosmétiques et emballages alimentaires, qui interagissent avec le système hormonal.

L’enfant qui entre en scène est joué par une adulte, ce qui instaure tout de suite un problème de taille, lequel est accru par l’étroitesse du décor où tout est miniature. On perçoit immédiatement le malaise à vivre dans un corps immense alors qu’on est encore une enfant.

La mère ne semble pas s’inquiéter. Elle a fait le minimum. Elle a consulté un médecin qui a prescrit un médicament pour retarder la croissance. Tout ce qu’elle attend de sa fille c’est un comportement adéquat à son âge civil, 7 ans. Elle lui donne des ordres en conséquence, plutôt froidement, sans réaliser son désarroi psychique. Quand la gamine demande quelque chose pour lui démonter la tête elle conseille Aspro et dodo. Face à l’incompréhension et à l’absence d’aide elle se repliera : on est une jolie petite fille qui se la ferme.

La môme est désarçonnée par les transformations de son corps qui pourrait bien être habité par un animal monstrueux. Puisque tout est « anormal » elle s’invente une réalité, s’attribuant comme père une sorte de héros atypique, Jacques Mesrine, un as du travestissement, dont les aventures sont racontées au journal télévisé et qui se serait évadé pour venir la chercher. Elle fugue la nuit et chevauche une bête ordinaire sur un manège de chevaux de bois.

Mais rien ne dompte les pulsions qui accompagnent sa transformation. Le cheval n’a rien de Pégase et la gamine reste sur terre. Alors l’école obligatoire sera le terrain de l’expérimentation de son corps d’adulte, qu’elle vendra aux « grands » de CE2 contre une poignée de bonbons en renversant son angoisse sur eux et se faisant menaçante : tu racontes rien à personne !

La petite fille affronte les soucis en gardant la tête haute. Elle répond avec insolence à sa mère. Elle invective le public : ça vous dit quelque chose ? Une petite fille aux seins venus trop vite ? Elle semble habitée, sa voix passant en une fraction de seconde de la mère à la fille-enfant puis à la fille-adulte qui gratte à la porte comme le loup chez les chevreaux.

Mais rien n’y fera. La vie n’est pas un conte de fées qui pourrait bien finir. S’il suffisait de renoncer à son vieux pull (qui est une peau protectrice) et d’enfiler une robe de princesse cela se saurait. Mesrine sera quasiment exécuté et la puberté n’aura pas été différée. Les dommages sont énormes. La môme s’étouffe dans les bras de la pieuvre.

La comédienne est époustouflante, soutenu par la musique interprétée en direct par Philippe Thibault (ou Vassia Zagar) dont elle se sent en pleine connivence. La mise en scène est précise. Le spectacle est parfaitement abouti. Il pourrait être joué aussi bien sur une scène de théâtre que dans un établissement scolaire et être suivi d’une discussion. Véronique Bellegarde les a beaucoup arpentés pendant la crise sanitaire et a rencontré un grand nombre d’élèves dont le corps est étonnement très grand ou très petit pour leur âge. Le phénomène est beaucoup plus fréquent qu’on ne le croit.

Article extrait d’une publication intitulée "Avignon le 20 juillet au Lycée Mistral, à la Manufacture et à l’Espace Alya".

Entretien avec Gérald Chatelain, metteur en scène de La Dernière leçon de Noëlle Châtelet,

La mère avait choisi son heure de départ vers cet aboutissement de la vie qu’est la mort, pour ne pas être un fardeau pour les siens. Quelques années après la fille adresse une lettre à cette mère pour faire le récit d’une vie bien remplie, d’une belle existence avec ses joies et ses peines. C’est Catherine Rétoré qui interprétera la fille avec la complicité de deux marionnettes pour retracer cette complicité jusqu’à la dernière leçon que donne la mère à sa fille pour accepter son choix.

J’ai rencontré le metteur en scène Gérald Chatelain dans son théâtre de Fontenay-aux-Roses (92) quelques semaines avant la création. Nous avons parlé de théâtre, de vie …

Quand déranger devient vertu
La première mission du théâtre pourrait être de divertir, avec d’ailleurs pourquoi pas, une résonance politique. Je pense à la Résistible ascension d’Arturo Ui, où Brecht critique le régime fasciste en le transposant dans le Chicago des années 1930. J’ai aussi le souvenir formidable d’une comédie cinglante avec la Mort accidentelle d’un anarchiste de Dario Fo. Je pourrais aussi bien entendu citer Molière.
La seconde c’est d’interroger le monde sur ce qui nous trouble et de le faire d’une autre manière. C’est ce que font les textes d’auteurs comme Becket, Jean Genet ... L’évocation de l’aventure coloniale en Algérie avec les Paravents a fait scandale. Un commando d’anciens parachutistes d’Algérie a réussi à perturber la représentation en lançant des bombes lacrymogènes. C’est une image inoubliable. Les gendarmes ont du protéger le théâtre. André Malraux, alors ministre de la culture, a été sommé de s’expliquer, ce qu’il a fait en défendant la liberté d’expression artistique …

Gérald Chatelain regrette que ce type de théâtre se rencontre de moins en moins, ce qu’il attribue à une forme d’autocensure des porteurs de projet qui anticipent la réaction des financiers. Les contraintes économiques sont devenues tellement prégnantes que les producteurs ne prennent plus de risques.

C’est vrai qu’on ne pourrait sans doute plus aujourd’hui quitter la tête haute une structure en faillite comme Patrice Chéreau l’a fait à Sartrouville. Mais je veux croire qu’il reste tout de même quelques troupes qui parviennent à se dégager des aspects financiers. Je pense en particulier à la troupe Kolyada qui nous a secoués l’an dernier avec un Revizor puis un Hamlet exceptionnels.

A cet égard le cinéma parviendrait davantage à rester pertinent, par exemple avec des réalisations comme le Dernier voyage de Tanya, d’Aleksei Fedorchenko, actuellement sur les écrans, ou tous ces films iraniens qui irradient de vivacité alors que le théâtre reste pour Gérald Chatelain très franco-français. Et surtout il bénéficie par essence d’une pérennité qui n’existe mal au théâtre. Les captations sont rares et même quand elles sont excellentes ce n’est plus la même chose.

Mettre en scène une histoire qui trouble
Noëlle Chatelet a écrit un texte fondamental ; une histoire exemplaire qui, d’une certaine manière, serait le rêve de millions de gens. Car à l’inverse de Romain Gary qui a fait un choix personnel, violent, en se suicidant avec une carabine, la mère de Noëlle Chatelet (qui était aussi celle de Lionel Jospin) a effectué un choix partagé.

Plusieurs années auparavant elle avait prévenu ses enfants qu’elle mettrait fin à ses jours quand elle sentirait que l’issue inéluctable. A 90 ans elle annonce tranquillement que ce moment est venu et qu’elle le fera dans trois mois. Ce n’est pas une surprise mais entre la formulation de l’idée et l’annonce du passage à l’acte il y a tout un monde.

Un sujet très présent dans la littérature et au cinéma
Les références sont multiples. Pour Gérald Chatelain ce sont la Ballade de Narayama, ce très beau film japonais de Shohei Imamura en 1983. Et surtout Madeleine Renaud, la Winnie de 'Oh ! les beaux jours' de Samuel Beckett, rôle qu'elle a porté avec un enthousiasme incroyable de 1963 à la fin de sa carrière :
“ Oh le beau jour encore que ça aura été... Encore un... Après tout. ”
Personnellement je pense à des livres que j’ai lus l’an dernier comme un Amour exclusif de Johanna Adorjàn, l’Homme qui m’aimait tout bas d’Eric Fottorino et surtout à une Année avec mon père de Geneviève Brisac. Ou encore Lettre à D d’André Gortz.

Un projet qui murit depuis plusieurs années
Gérald Chatelain avait rencontrée l’auteure quelques fois avant la publication du livre qu’il n’a d’ailleurs lu que tardivement, vers 2007 ou 2008. Mais tous deux ne se connaissaient pas suffisamment pour qu’elle donne immédiatement son accord pour une adaptation théâtrale.

Les évènements étaient extrêmement proches encore pour elle et elle pouvait craindre une trahison possible. Elle était méfiante et a mis longtemps avant d’être convaincue. On a parlé beaucoup ensemble. Mais j’ai décidé de faire moi-même l’adaptation. Je ne lui ai pas proposé de le faire et de son coté elle ne me l’a pas demandé. C’est mieux ainsi.Il est probable néanmoins que Noëlle Chatelet s’attende à un certain réalisme sur scène. Il se pourrait qu’elle soit surprise.

L’entente entre eux s’est construite et on perçoit de multiples points d’accord. Y compris sur l’affiche. Un tableau de Ferdinand Odler, un peintre symboliste que l’écrivain connaissait déjà. Ce sont ces couleurs là qu’il voulait. Des montagnes, des nuages, un paysage qui semble familier malgré un traitement non figuratif. Le tableau intitulé La Pointe d'Andey, vallée de l'Arve (Haute-Savoie), a été acquis par le Musée d'Orsay en1987, mais c'est en Suisse que le metteur en scène l'a découvert en Suisse à l’occasion d’une visite d’exposition.

Fiction ou réalité ?
Il n’y a rien de fictionnel dans le récit de Noëlle Chatelet. Son écriture très serrée, ne laisse aucune place à l’imagination ou à la transgression. Elle a voulu faire résonner ce qu’elle a vécu en collant le plus possible à la réalité. C’est pourquoi elle a sollicité l’autorisation de sa sœur et de son frère avant de publier le livre. Aucun des deux n’a voulu y apparaitre, ce qui témoigne bien de la difficulté d’imaginer une fin de cet ordre, et a fortiori de l’accepter de ses proches.

Gérald Chatelain m’a longuement parlé des femmes. Ils les voient plus proches du réel, du sol, de la terre, ce qui expliquerait selon lui qu’elles soient fondamentalement plus courageuses. Le fait de donner la vie leur permet de savoir davantage que les hommes d’où elles viennent.
Le contexte est d’autant plus troublant que la mère était sage-femme. Il est assez extraordinaire de songer qu’elle a en quelque sorte accouché sa fille de sa mort. C’est cette décision, contre laquelle on ne peut rien faire, qu’il faut accepter après s’être révolté. Noëlle Chatelet dit n’avoir jamais pleuré après. Le deuil avait eu lieu avant. Elle a commencé à prendre des notes avec l’autorisation de sa mère malgré ses doutes sur le projet narratif: est-ce que tu crois que cela va intéresser des gens ? Elle a pu après les évènements assez vite s’asseoir à son bureau d’écolière pour entreprendre d’écrire la Dernière leçon.

Du point de vue de la fille
Troublé d’entendre la voix d’une petite fille, Gérald Chatelain confie que dès le livre refermé lui est venue l’image d’un chemin initiatique, que parcourt le personnage de la fille, encouragée par sa mère qui lui tient la main. Il a choisi de l’appeler Alice, ignorant que Noëlle Chatelet allait publier au Seuil Alice au pays des vermeilles, en 2009, un récit sur le temps et la transmission, et sur la relation d’amour si particulière qui unit une grand-mère et l’enfant de son enfant. Une manière surtout de retrouver le jardin perdu de sa propre enfance, les souvenirs d’avant les souvenirs. Une traversée du miroir à la manière d’une certaine Alice.
La première évidence fut donc de ne pas chercher une interprète pour la mère, pour ne pas se situer dans la description. Elle sera présente sous la forme d’une marionnette. Une seconde représentera la petite mort. Et c’est Catherine Rétoré qui interprétera Alice.
Tous les dialogues ont été retenus pour recentrer sur la relation mère-fille.

Un spectacle qui ne sera pas tragique
Le texte est très proche du livre. Mais il y aura de la gaieté, de la gravité et de la légèreté. Il n’est pas envisageable de tomber dans le pathos, de mettre en scène la moindre violence. Il ne veut pas que les spectateurs soient plombés. Ce n’est pas l’acte qui sera représenté, mais le fait d’avancer dans la vie et de se dire c’est bon, j’arrête avant qu’on ne décide pour moi.
La scénographie représentera le chemin mental en restant dans l’intime, avec un dispositif classique, donc frontal.

Un spectacle sur l’abandon
Si on revient au choix et à la liberté, pas à la chose subie, on pourra entendre le mot « abandon » dans le sens de je m’abandonne, je fais confiance, avec un accompagnement et une forme exceptionnelle de complicité. Alors que la plupart du temps l’abandon est ressenti avec une telle culpabilité par celui qui part qu’il masque ses intentions derrière un rejet agressif, préférant se faire détester plutôt que chercher à convaincre. Il en est souvent ainsi des les ruptures amoureuses.

Comme un train qui s’évanouirait dans la brume
Le sujet a quelque chose de l’ordre du mystique, à l’instar de ce plan du film Théorème, réalisé par Pasolini en 1968, quand un homme nu court dans le désert et se retourne. On pourrait voir comme un chemin dans une forêt. La mère et la fille avancent main dans la main. A un moment la mère retire sa main tandis qu’elles continuent leur progression. Puis la mère force le pas, se détache. L’éloignement se fait imperceptiblement. Bientôt la fille est seule sur le chemin, où elle continue de marcher bien sûr.
La description de Gérald Chatelain est troublante Je ne peux évacuer la suite de l’histoire. Après avoir vue la mère, seule de dos, je suis maintenant face à elle, et je découvre qu’elle avance en tenant la main de sa propre fille.

Un spectacle qui n’est pas un testament
Après avoir dirigé le théâtre de Chartes, Gérald Chatelain est directeur du Théâtre des Sources depuis 15 ans. Son mandat se termine en mars prochain. Le nom de son successeur devrait être annoncé en janvier. (encore non connu à l’heure où j’écris ces lignes)
La simultanéité de son départ avec cette création est une pure coïncidence, comme la presque homonymie des deux noms. Interrogé sur ce point, il répond « renaissance », estime que continuer serait régresser et se réjouit d’avoir bientôt de nouveau du temps pour lire, écrire, mettre en scène …

Il se souvient de son arrivée, sur un terrain en friches, dans un lieu aux allures de salle des fêtes, où il qualifie d’innommable la programmation de l’époque. L’architecte n’avait même pas songé à des bureaux, comme si c’était un endroit de passage où personne ne s’arrêterait pour y travailler. Depuis on peut constater qu’il a pris de l’âme.
Un théâtre comme une nécessité
A force de travail le public est arrivé. Il a une jolie formule pour résumer son action et celle de toute une équipe : on a créé une nécessité. Comme il le dit avec humour, quand il n’y a rien c’est facile de construire. Le foyer en est la démonstration exemplaire. Une salle vide, où l’essentiel du budget déco était absorbé par un lustre énorme, kitsch à souhait, qu’on pourrait regarder avec nostalgie s’il n’avait pas couté une fortune.
C’est aujourd’hui un salon cosy, chaleureux comme un appartement, où le code couleur gris-bordeaux-chocolat connote l’univers théâtral mais aussi la douceur de vivre.

Avec des canapés qui invitent à s’installer, un bar joliment baptisé la Source (en allusion au nom du théâtre), un piano, deux fauteuils d’orchestre, des affiches polonaises en enfilade, des tombées de rideaux qui protègent les bureaux administratifs du regard.

Même en journée l’endroit est cosy, comme un salon de thé londonien, acceptant le bruit de la rue et les cris du square voisin en décalé.

Une création à Cergy-Pontoise avant Fontenay-aux-Roses
La Dernière leçon sera créée sur la Scène nationale du Théâtre des Arts de Cergy-Pontoise en janvier. Une avant-première est programmée pour les membres de l’ADMD, Association au Droit de Mourir dans la Dignité, dont j’apprends que c’est la plus grosse association en France, regroupant plus de 45000 personnes. La seule où Noëlle Chatelet s’investit et où elle milite fort.

LA DERNIÈRE LEÇON par la Cie D’Après La Pluie
texte de Noëlle Châtelet, adaptation et mise en scène Gérald Chatelain
mise en images de Jean Pierre Lescot
avec Catherine Rétoré et deux marionnettistes
Coproduction Théâtre des Arts scène nationale de Cergy Pontoise, Théâtre de la Marionnette à Paris, Théâtre des Bergeries de Noisy-Le-Sec, Cie Phosphènes Jean Pierre Lescot, avec une aide à la production de la Drac d'Ile-de-France

du 13 au 15 janvier 2011 au Théâtre des Arts / Cergy-centre
mardi 1er février (20 heures 30) et mercredi 2 (19 heures 30) au Théâtre des Sources, 8 Avenue Jeanne et Maurice Dolivet 92260 Fontenay-Aux-Roses - 01 41 13 40 80
Réservations du mardi au vendredi de 14h30 à 18h30 et le samedi de 15h à 18h.
vendredi 4 février au Théâtre Victor Hugo, 14 avenue Victor Hugo, 92220 Bagneux, tel 01 46 63 10 54
samedi 2 avril à la Scène Watteau de Nogent-sur-Marne
mardi 3 et mercredi 4 mai 2011 à 20h au Théâtre Forum Meyrin (Suisse)

Chapeaux à Caussade (82)

C'est demain la journée de la femme et j'ai eu envie de consacrer un billet à un accessoire qui féminise particulièrement une silhouette même si les hommes en portent aussi (je ferai la visite de Crambes, son alter ego masculin dans quelques jours). Je veux parler du chapeau.

Audrey Hepburn aurait-elle eu autant de mystère si elle n'avait pas tant porté sa large capeline ?

Quand on pense à Jackie on ne l'imagine pas sans son "Kennedy", même s'il n'est rose bonbon dans toutes les mémoires et pas rose vif comme celui que j'ai photographié.

Quant à la simplicité du bibi qu'elle arbora à sa descente d'avion lors du voyage présidentiel en Angleterre en 2009 elle valut à Carla Bruni de remporter le concours de l'année des porteurs de chapeaux ... devant la Reine d'Angleterre, pourtant spécialiste en ce domaine.

Il était signé Dior mais dès le lendemain de sa découverte sur la tête de l'ex-mannequin le téléphone de l'entreprise Willy's ne cessait de sonner à Caussade (82) : vous pouvez nous faire le même ? interrogeait leur clientèle de modistes et de chapelières.

Depuis, il est toujours au catalogue, dans une large déclinaison de couleurs.

L'entreprise réagit très vite à la demande. J'ai eu la chance de la visiter. Depuis l'annexe submergée de rouleaux de tissus, de tulle et de blocs d'aluminium servant à la mise en forme jusqu'aux produits finis, prêts à s'envoler ... pour le Japon par exemple.

Je vous emmène ?

Toutânkhamon, l’expérience immersive pharaonique

L’entrée est quasi commune à l’expo Lego que j’avais déjà visitée il y a quelques années et dont je garde un souvenir très vif.

Le spectateur est chaleureusement accueilli. Il est immédiatement possible de prendre une photo-souvenir en prenant place sous une tente installée dans le hall, en face d’un immense panneau reconstituant la Vallée des Rois (1550-1069 av JC) qui se déployait sur la rive gauche de Thèbes.

Ce serait dommage de ne pas conserver d'image de l'aventure immersive très originale que nous allons suivre.

 

Un vestiaire (gratuit) permet de se débarrasser de manteaux et sacs pour se lancer léger dans l’aventure. On ne vous le conseille pas mais munissez-vous d’un crayon. Vous allez en avoir besoin.

Nous sommes observés par Apis dont la statue a été trouvée encore en place dans le sanctuaire souterrain du temple de Sérapis - époque romaine, règne d'Hadrien, (117-138 après JC, original conservé au musée national d'Alexandrie). Le taureau est sans doute l'un des plus forts symboles de l'Egypte ancienne et Apis était le plus important car il représentait le pouvoir procréateur offert au roi pour apporter la prospérité au pays. L'animal pouvait rendre des oracles et sortait en procession à la rencontre de la population. 

Car ne croyez pas que la chambre funéraire de Toutânkhamon s’ouvrira pour vous sans que vous ayez fait de (gros) efforts pour résoudre quelques énigmes qui vous permettront de recomposer une phrase célèbre dans l’histoire et qui a été prononcée par Howard Carter en 1922 au moment où il a découvert le trésor.

Je monte un escalier en entendant des bruits de pioche et je débouche dans une sorte de couloir où … il ne se passe rien. Un personnage arrive, constate que je suis seule et suggère d’attendre du renfort. Il fait rouler une brouette chargée de cailloux.

Dès que nous formons un groupe on nous remercie d’être venus. On nous alarme d’un projet de suspendre les fouilles en raison de l’épuisement des finances et on sollicite notre aide en mêlant des phrases en français et en anglais.

Hurry ! Hurry ! On nous presse d’avancer. On nous incite à plonger la main dans des urnes contenant des viscères et j’avoue que ça me répugne autant que si je devais gagner une épreuve sur Fort-Boyard. Impossible de s’y soustraire. C’est une étape obligatoire.

Aidée par la chance, je parviens à trouver les réponses qui correspondent à des hiéroglyphes qu’il va me falloir repérer sur un grand schéma et en noircir les cases correspondantes pour faire apparaître un visage … qui ne servira pas par la suite. C’est du temps perdu et je suis de plus en plus désorientée. Comme d’autres visiteurs, je fais le choix d’abandonner ce travail pour admirer les oeuvres qui se trouvent dans les trois salles principales. Elles sont remarquables et on se sent privilégié de pouvoir les observer d’aussi près.

Une allée entière de sphinx à tête de bélier ou Crêiosphinx a été reconstituée. Le mot Sphinx est un dérivé de l'égyptien chesep désignant une image ou une statue. Gardiens à l'entrée du temple de Karnak, ils sont l'image de la puissance du dieu. Ils protégeaient les allées sacrées, notamment lors les processions des barques divines.

A gauche, ci-dessous la statue d’une vigie. A droite, un mannequin de Toutânkhamon en bois stuqué et peint, sans doute utilisé pour préparer les bijoux et les vêtements du roi. La coiffe fait référence à la couronne rouge de la Basse Egypte.

Il y a beaucoup à lire. Les cartels sont complets et on peut estimer manquer de référence pour tou assimiler. L’œil est sollicité par pléthore d’objets. 

Deux statues noires du roi, en bois et en bronze avec des incrustations de calcaire et d'obsidienne, étaient placées en vis-à-vis le long du mur qui séparait l'Antichambre de la Chambre Funéraire pour garder la chambre funéraire. 

Elles sont recouvertes d'une résine d'un noir luisant. Le devante triangulaire porte les nom et titre de Toutânkhamon. La statue coiffée de l'afnet (coiffe en tissu de forme arrondie) précise qu'elle représente le ka du roi, soit l'essence de son être.

Le corset, film d’animation de Louis Clichy, et bientôt un livre d'Emmanuel Villin

Le corset est un film d'animation réalisé par Louis Clichy dont la sortie nationale est programmée pour le 14 août 2026. Ce sera aussi un livre jeunesse, écrit par Emmanuel Villin, qui sera en librairie deux mois plus tard.

Il est donc très probable que la majorité du public verra le film avant de lire l'ouvrage alors que j'ai suivi la démarche inverse parce qu'il a été présenté en avant-première de la rentrée littéraire par L'école des loisirs. Cependant je ne parlerai que du film aujourd’hui.

Louis Clichy est né en 1979. Il s'est formé à l'animation à l'Ecole des Gobelins. Il a commencé sa carrière comme animateur chez Pixar sur Wall-E (2008) et Là-haut (2009). Il a scénarisé et coréalisé ensuite Astérix: Le Domaine des Dieux (2014) avec Alexandre Astier, récompensé par le César du meilleur film d'animation, suivi par Astérix: Le Secret de la potion magique (2018), si bien que Le Corset est son troisième long métrage.

Le Corset est son premier long métrage personnel en tant que réalisateur et il y affirme un style très personnel, caractérisé par un dessin au trait et à l'encre qui renoue avec Mange et À quoi ça sert l'amour, ses premiers courts métrages.

Dans une ferme au cœur de la Beauce, Christophe, 11 ans, règle ses pas sur ceux de son père. Mais à l’école, à la maison, sur le tracteur, Christophe ne cesse de pencher… et tombe. Il doit porter un corset pour filer droit. Tandis que la ferme traverse des moments difficiles, Christophe grandit comme il peut. Il se passionne alors pour la musique et fait la rencontre de Clara, avec qui tout semble devenir possible… 

Je n’ai pas trouvé que le film s’adressait spécifiquement au jeune public (alors que le livre est davantage ciblé). On suit la vie quotidienne dans une exploitation beauceronne à partir des années 80 (la photo de classe est datée 86-87) qui ont vu s’accélérer de profondes transformations du monde agricole déjà amorcées dans la décennie précédente. Jusque là beaucoup de personnes venaient directement chercher leur lait dans les fermes. On y pratiquait l’élevage de plusieurs types de bétail, moutons comme vaches, comme nous le montrent les premières images et bien entendu celles-ci étaient traites à la main, ces mêmes mains qui équeutent les haricots verts du jardin en suivant le très populaire jeu radiophonique, la valise RTL. Les tâches agricoles sont partagées par les membres du clan si bien que la coopérative a pu prendre une place "naturelle" dans l’organisation de l’économie rurale. Une forme d’industrialisation s’est imposée avec la promesse d’un confort de vie grâce aux machines, aussi bien dans l’habitat (qui s’équipera du lave-vaisselle promis à la mère de famille, d’une télévision grand écran et d’une véranda) que dans la vie professionnelle. Les agriculteurs ont été convaincus d’abandonner les activités les moins lucratives au profit de la monoculture.

La Beauce est devenue le grenier à blé de la France, avec des champs à perte de vue, qu’il fallait cultiver avec de grandes doses d’engrais et des machines toujours plus puissantes, poussant les cultivateurs à s’endetter toujours davantage, au bénéfice de l’industrie chimique et des grosses coopératives, avec pour autre désastre (mais le film n’en parle pas vraiment) la pollution, l’appauvrissement des sols et l’épuisement des nappes phréatiques. On voit juste que l’on sacrifie un arbre centenaire parce qu'il gêne aux manœuvres des engins agricoles...

Un des angles du film témoigne de ces fausses promesses d’enrichissement et on sait aujourd’hui combien le monde agricole est marqué par les faillites avec un taux de suicide très élevé. Un autre thème est celui de l’évolution d’un petit garçon sensible et courageux, mais chétif, prénommé Christophe et dont le corps semble la métaphore de ce monde qui part de travers. On va vite comprendre que l’enfant va devoir porter un corset pour poursuivre son développement correctement sa croissance.

Louis Clichy s’est inspiré de ce dont il se souvenait de la vie agricole en Beauce, où son père était agriculteur et où il a vécu durant ses dix premières années. Et de sa propre situation puisqu’il a dû lui aussi être équipé d’un appareil, et qu’il en porte encore un maintenant. Il réussit à faire de cet engin de torture un objet qui permettra au petit garçon d’accéder à l’imaginaire et de "renverser la situation" à chaque fois qu’elle est insupportable. Il envoie valser les problèmes en inclinant la tête. Plusieurs séquences donnent lieu à des épisodes de réalisme magique très réussies comme celui où l’enfant déclenche un ouragan de colère sur la musique de la chanson de Stéphanie de Monaco. Elles sont évidemment plus spectaculaires sur le grand écran qu’au cours de la lecture.

Outre l’originalité avec laquelle ce thème du handicap est traité j’ai été touchée par la beauté des paysages dont je connaissais la platitude génératrice d’ennui, ce qui explique sans doute qu’ils soient rarement le décor de films tournés "à la campagne". Ce sont essentiellement des champs à perte de vue, très peu d’arbres, des fermes carrées, très fermées (pour se protéger du vent, mais qui coupent les habitants d’une certaine vie sociale). Sous le pinceau du réalisateur, ces paysages se chargent d’une dimension onirique et mélancolique inhabituelle. Si bien qu’en traversant cette région pour me rendre en vacances je l’ai trouvée moins monotone que d’habitude. Et je n’avais jamais remarqué jusque là combien elle était striée de lignes à haute tension. Peut-être parce que maintenant il y a aussi pléthore d'éoliennes qui attirent davantage l'attention le long de l'autoroute mais elles n'existaient pas à l'époque.

L’usage de l’encre de Chine et de l’aquarelle avec des teintes sépia et une palette incluant des violets et des orangés apportent une dimension mélancolique plus intéressante que le strict noir et blanc. Les champs à perte de vue sont bien mis en valeur, soulignés par une ligne d'horizon très nette. De plus l'aquarelle met l'accent sur la lumière dans l'image et assure la spontanéité du geste en évitant l'effet "coloriage". Louis Clichy illustrera le roman, mais par contre en noir et blanc.

La famille m’a semblé très représentative de ce monde où il est inhabituel -voire interdit- de manifester ses sentiments (une grande partie de mes oncles et tantes est issue du monde agricole et toute mon enfance a été marquée par la devise de mon père affirmant qu’un témoignage de tendresse était une preuve de faiblesse). On est dur au travail quel que soit le prix à payer et on verra que le père de Christophe s’impose la même règle, mettant sa santé en péril. On notera qu’il a du renoncer à sa passion pour le bricolage et la réalisation d’objets en bois, au motif que dans la vie on n’a pas toujours le choix. Lui aussi évoluera au fil du temps. L’admiration qu’il porte à son fils, à la toute fin, est très touchante (et se remarque particulièrement dans le film).

De son vivant, le film d’Emmanuelle Bercot

Emmanuelle Bercot est revenue en 2021 hors compétition au Festival de Cannes avec son film De son vivant. On avait bien cru qu’il ne serait jamais bouclé, notamment à cause de l’AVC de Catherine Deneuve et d’une interruption due au Covid. Ç’aurait été une perte immense. On peut parier que ce sixième film fera date dans l’histoire.

Il raconte, sous une forme inhabituelle, les derniers mois de Benjamin (Benoit Magimel) condamné trop jeune par un cancer du pancréas.

La maladie et la mort imprègnent beaucoup d’œuvres depuis la pandémie, tant au théâtre, qu’en littérature ou au cinéma. A croire que les artistes se sentent plus que jamais une responsabilité à dénoncer ce qui ne va pas.

La réalisatrice aurait pu établir un réquisitoire (comme Catherine Corsini avec La fracture, même si la pulsion de vie y est très forte) ou un drame, le sujet s’y prêtait. Elle a préféré l’angle du mélo pour canaliser les larmes sur autre chose que la maladie. Tous les ingrédients y sont, y compris un fils caché et une histoire d’amour impossible.

L’exagération de la souffrance -pourtant légitime- d’une mère (Catherine Deneuve) face à l’inacceptable est teintée d’humour. Le dévouement d’un médecin (le docteur Gabriel Sara dans son propre rôle) et d’une infirmière (Cécile de France) pour les accompagner sur l’impossible chemin est admirablement filmé au long d’une année de quatre saisons qui commence bien entendu en été, pour accepter quelques pas de tango avec la maladie, faire le ménage sur le bureau de sa vie et comprendre ce que ça signifie : mourir de son vivant.

Emmanuelle Bercot montre un hôpital idéal, non pas parce qu’il guérit les corps mais parce qu’il soigne les âmes, toutes les âmes, celles des patients, de la famille et du personnel soignant. Une telle unité existe, aux USA, financée par des mécènes. Il n’est donc pas irréaliste de rêver un tel cadre. Outre l’argent, car les intervenants ne sont pas des bénévoles, la réussite est conditionnée à un savoir-faire particulier que le docteur Sara a accepté de partager.

Le scénario lui offre l’occasion de témoigner à visage découvert sur ses méthodes et son principe absolu de vérité (même si Emmanuelle Bercot le pousse à faire quelques entorses). Il se refuse à « peindre l’image en rose » pour rassurer le patient ou sa famille. Mais il martèle aussi qu’il ne faut engager « que » la bataille qu’on peut gagner. Je n’en dirai pas davantage car il a abondamment répondu dans la presse aux questions qu’on se pose à son propos, et tout cela est disponible sur Internet.

Le parti-pris du mélo, discutable au demeurant, permet d’éviter l’écueil du documentaire puisque 80% des dialogues sont authentiques. La réalisatrice a en effet entrepris un énorme travail d’enquête préalable en se rendant dans le service hospitalier de son mentor.

Elle est venue avec simplicité répondre sans détour à toutes les questions du public du Sélect d’Antony qu’elle va finir par bien connaître car ce n’est pas la première fois que Christine Beauchemin-Flot (ci-dessous) l’y invite.

Il était aussi intéressant d’attribuer à Benjamin le métier de professeur de théâtre parce que c’est une profession où l’on doit là aussi prendre soin des émotions des élèves. Les scènes de répétition sont des moments très forts qui contrebalancent celles qui sont tournées en milieu hospitalier.

Après La fille de Brest, elle démontre une nouvelle fois son intérêt pour la sociologie de la santé tout en surprenant les spectateurs. Bravo !

De son vivant d’Emmanuelle Bercot

Avec Benoit Magimel, Catherine Deneuve, le docteur Sara, Cécile de France, Oscar Morgan …

Date de sortie France : 24/11/2021

Distribution France : StudioCanal

Quelques autres films d’Emmanuelle Bercot comme réalisatrice : La Tête Haute, Elle s’en va où il est davantage question de joie, de légèreté et d’espérance. Comme co-scénariste, Polisse. Et en tant que comédienne exceptionnelle aussi dans Mon roi de Maïwen.