Polisse, de Maiwen, à voir absolument

La sortie officielle de Polisse remonte à quelques jours et le bouche à oreille est déjà intensément positif. C'est que Maïwenn signe une réalisation qui fera date dans le cinéma. L'équipe est revenue de Cannes avec un Prix du Jury amplement mérité.

L’actrice, qui annonce qu’elle souhaite se consacrer désormais exclusivement à la réalisation (et elle en a toutes les capacités) ne s’est pas donné le meilleur rôle dans cette reconstitution du quotidien d’une Brigade des Mineurs comme il y en a tant et dont on parle si peu. Elle y joue une photographe timorée mandatée par le ministère de l'Intérieur pour faire un reportage.

Les films dits policiers se focalisent sur la pègre, le meurtre, le trafic de drogue ou, à la rigueur les délits financiers, bref les grosses affaires. Maïwen est allée fouiller cette vie qu’on dit « privée » et qui protège davantage les adultes que les enfants. En sortant de Polisse on ne va plus ignorer la réalité de ce « pire » qui existe bel et bien et dont on imagine que ce ne sont que des statistiques de salles de rédaction pour faire couler de l’encre. Le chiffre est quasiment officiel. Il y a en France 2 millions de victimes d’inceste. Avec un tel nombre la probabilité que vous en connaissiez est énorme. Et c’est peut-être votre voisin, votre ami, votre cousin qui demain se fera coffrer pour viol sur mineur par ascendant, taxable de 20 ans de réclusion.

Il faut ouvrir les yeux. La peur n’évite pas le danger. L’information, oui. Les dialogues, exactes répliques du travail de fourmi que la réalisatrice et scénariste (avec Emmanuelle Bercot) sont percutants. On pourrait en pleurer. Et pourtant on rit beaucoup.

Toute la gamme de la dérision est exploitée. Depuis l’évocation des Bisounours avec la chanson de l’Ile aux enfants qui contraste avec des confessions accablantes. Comme le dit Fred, magnifiquement interprété par Joey Starr (à qui j'aurais donné le prix de l'interprétation masculine à Cannes) çà me tord, je peux pas.

Comment supporter le pire autrement qu’en le plaçant un peu à distance ? L’humour est la meilleure arme et il y a des scènes d’anthologie que l’on pourrait se passer en boucle. L’explication de textes sur la place de la femme dans le Coran, par Nora (Naidra Ayadi) en version originale s’il-vous-plait, est inoubliable. Il ne faut pas confondre Hôtel de Police avec Hôtel de la plage mais on y discute tout de même beaucoup de ses petites et grandes misères amoureuses, s’interrogeant sur la graduation dans la tromperie. Est-ce qu’une pulsion de bites serait plus pardonnable qu’une pulsion de sentiments ?

L’appréciation relève souvent de la sémantique. Un homme qui se partage entre deux foyers n’accepte pas d’être étiqueté polygame mais bigame lui conviendra. Et le mot Polisse devient attendrissant quand c'est un enfant qui l'orthographie comme il l'entend.

La hiérarchie entre les services (les Stup prennent toujours l’ascendant) est insupportable quand la vie des enfants est en jeu, jeu de vilains bien sur. Les affaires s’enquillent. Le psychisme encaisse les coups. Un de plus, un de moins, ils ne sont pas payés à l’aveu et affichent un blindage de fortune. Les pause-déjeuners et les soirées en boite sont des occasions de se défouler. Mais ce sont des parents comme les autres, que rien n’épargne.

Il n’y a pas que les œdipes qui tournent mal. Et si dans son film l’enfant s’en sort, presque toujours, l’adulte non.

Si le sujet continue de vous effrayer allez voir Polisse pour les acteurs. Dirigés par une main de fer dans un gant de velours, cadrés par des caméras discrètes, chacun donne le meilleur de lui-même : Karole Rocher (Chrys), Marina Foïs (Iris) et son binôme Karin Viard (Nadine), Nicolas Duvauchelle (Mathieu) et Jérémie Elkaim (Gabriel), sans oublier Frédéric Pierrot (l'inspecteur Balloo) en lutte pour la bonne cause avec Wladimir Yordanoff (le commissaire Beauchard). Sandrine Kiberlain campe une Mme de la Faublaise qui peine à faire face à l'écroulement du monde idéal.

Jérémie Elkaim est aussi à l'affiche dans le superbe film réalisé par Valérie Donzelli, la Guerre est déclarée.
Sandrine Kiberlain offrait une facette différente de ce type de personnage dans les Femmes du 6ème étage
Pour relire le précédent billet consacré à Maïwwen à propos de Pardonnez-moi, cliquer ici.

Et si nous parlions des Cesar ?

Je n'en parle pas tous les ans mais il y a des soirs où ce genre de cérémonie appelle des commentaires. Il me semble parfois nécessaire d'exprimer mon opinion, quitte à m'attirer des foudres.

Tout palmarès est injuste, on le sait, mais tout de même je regrette que l'équipe de la Guerre est déclarée soit repartie bredouille et que celle de Polisse n'ait pas eu besoin d'un caddy pour transporter les statuettes.

De là à cautionner l'intervention désastreuse de cette actrice, mécontente du choix du Meilleur acteur dans un second rôle, et qui se permit de porter un jugement sur le vote des jurés il y a un gouffre que je ne franchirai pas. Sont-ce les boissons alcoolisés qui abondaient sur les buffets installés à chaque étage du Théâtre du Châtelet avant le début de la retransmission (je n'y étais pas mais on m'a raconté) qui ont compromis la bonne tenue de cette dame ou bien un excès de pure bêtise ? On pardonnerait mal d'un homme une telle goujaterie. L'unique mérite de cet incident fut de révéler l'humour et le fair-play de Michel Blanc proposant de pratiquer la garde alternée du César avec Joe Starr.

Je ne me dédis pas. J'écrivais en octobre dernier que je n'aurais pas été surprise que cet acteur reçoive le prix d'interprétation masculine au festival de Cannes. Mais la prestation de Michel Blanc dans l'Exercice de l’État est remarquable, quoique moins surprenante. On sait depuis longtemps combien c'est un très bon comédien. Mais s'il est vrai qu'il n'a pas encore reçu de César, et sachant combien les artistes ont besoin de reconnaissance, réjouissons nous que grâce lui soit enfin rendue.

Quant à Maïwen, espérons qu'elle se consolera en se souvenant de la remise du Prix du jury au festival de Cannes, ou plus proche, de celle du Prix Toscan du Plantier attribué à Alain Attal, le producteur du film via Les productions du trésor. Elle pourra aussi comptabiliser avant de s'endormir le nombre croissant des entrées du film et si tout cela ne suffit voir en boucle l'hommage que Laure Gardette lui a fait dans son discours de remerciement du César du meilleur montage.

Avec 13 nominations Polisse était le grand favori des César 2012 (oui César ne prend pas de s, qu'on se le dise). Le film est d'ailleurs ressorti mercredi sur les écrans français, et le succès qu'il rencontre en salle est somme toute la meilleure récompense.

The Artist a été le grand gagnant, sauf le principal protagoniste, Jean Dujardin, assez visiblement déçu de ne pas avoir sa statuette comme les autres. Qu'il sache bien que le Cesar n'est pas la plus grande récompense du cinéma. On dit que c'est l'Oscar. Alors gageons qu'il sera honoré à Hollywood dans 48 heures.

Je vous avoue que ce n'est pas ce long métrage là que j'aurais plébiscité (sauf l'acteur principal qui réalise une vraie prouesse). Il est certes très bien fait, mais nombriliste et tellement certain de plaire à un public américain que cela en devient gênant. J'attends autre chose du 7ème art.

Il y eut quelques jolies séquences d'anthologie, comme ce remake de The Artist avec Antoine de Caunes dans le rôle principal ou l'hommage à Annie Girardot, monté avec sensibilité. Et puis, le numéro de dressage de Julie Ferrier d'un petit chien ... artiste comme il se doit.

Qu'attendre d'une cérémonie comme cette remise de prix ? De l'humour et de la tenue ... ce ne fut pas toujours le cas. Si dans l'ensemble Antoine de Caunes fut plus correct que d'habitude, malgré des jeux de mots pesants (il s’amuse à placer la soirée sous le signe du glumour, une contraction de glamour et humour avant d’aller faire un petit tour en trottinette) on ne peut pas en dire autant de Laurent Laffite qui ferait un beau duo avec la demoiselle précédemment épinglée. Nous nous préserve pour les Molière ... en espérant que la soirée ait lieu cette année, ce qui est loin d'être gagné tant que la guerre entre théâtre privé et théâtre public demeurera déclarée.

Pas de tenue sublime cette année. Quelques jupes très courtes, quelques robes minimalistes et sans bretelles que leurs occupantes retenaient de glisser au moment de monter sur scène, et surtout, surtout, beaucoup de plexus à l'air ou presque. Cela en devenait lassant. S'il fallait attribuer un prix du décolleté plongeant c'est peut-être Sylvie Testud qui l'aurait emporté, avec quelques centimètres d'avance.

Rappelons tout de même que la plus grande victoire est celle du Cinéma qui avec 215 millions d'entrée a fait sa meilleure année depuis 1966, preuve que le téléchargement ne le fait pas mourir et qu'il y encore un public qui aime aller voir un film en salle, au milieu d'autres êtres de chair et d'os.

Chroniques que vous pouvez lire dans les colonnes de A bride abattue sur les films primés, ... ou pas :
Le superbe film réalisé par Valérie Donzelli, la Guerre est déclarée.
Carmen Maura, César de la Meilleur actrice pour un second dans les Femmes du 6ème étage
Omar Sy, Meilleur acteur dans les Intouchables
Meilleur film d'animation le Chat du rabbin, de Joann Sfar
Le film Polisse
Pour relire le billet consacré à Maïwwen à propos de Pardonnez-moi, cliquer ici.
Et la chronique Cesar 2008, premier billet d'humeur, et d'humour du blog, à relire là

Sale gosse de Mathieu Palain chez l'Iconoclaste

Mathieu Palain est un journaliste talentueux, couronné par plusieurs récompenses, qui a choisi cette fois d'utiliser la voie du roman pour traiter un sujet qui nous bouleverse tous, celle d'un Sale gosse qui a de multiples raisons de "péter les plombs" comme on en voit de plus en plus dans l'actualité.

Il s'est inspiré de chaque personne rencontrée en trente ans de vie à Ris-Orangis où il est né, en 1988, de l'expérience de son père, éducateur PJJ,  la Protection judiciaire de la jeunesse, à Evry, et de l'immersion qu'il a courageusement faite lui-même dans un service semblable pendant six mois, dans la brigade d'Auxerre (89). La crédibilité de ce qu’il raconte est indubitable. 

On pourrait croire que cette ville moyenne (que je connais bien puisque j'y suis née) est plus tranquille que la banlieue parisienne mais elle compte, comme toutes les villes, des quartiers qu'on dit difficiles où la jeunesse n'a pas la vie rose.

L'intervention de l'auteur au cours de la présentation de la rentrée chez son éditeur, l'Iconoclaste, m'avait donné très envie de le lire : ce qui devait être un article, ou un livre de journaliste, est devenu un roman. Je n'ai pas pu aller plus loin que les premières pages pendant le festival d'Avignon et j'ai repris cette lecture à mon retour.

Le thème a été souvent traité au cinéma depuis quelques années. Je pense particulièrement à Tête haute d'Emmanuelle Bercot. Mais je sais combien l'écrivain a été touché par un autre film conçu par cette même réalisatrice (avec Maiwen), Polisse, ... évidemment. Nous sommes sans doute nombreux à avoir été sensibilisés à ces enfants qui sont nés du mauvais côté de la vie. Et à estimer que les choses ne s'améliorent pas malgré les alertes. J'écrivais en 2011 que c'était un film "à voir absolument". C'est toujours vrai.

Mathieu Palain est de cet avis. Sa narration est imprégnée d'un sentiment d'urgence, ce qui apporte une énergie phénoménale au récit. Putain c’est Shining votre taf, fait-il dire à une policière (P. 220 ). Ce livre est un hommage et un cri d’amour envers ceux qui font tout ce qu’ils peuvent et même plus encore, pour infléchir le destin de gamins qui n’avancent pas sur la bonne route. Mathieu Palain est persuadé qu’on ne sait pas ce qui se passe dans la réalité et il sait que même un film comme Polisse est en deçà de ce qu'on voit sur le terrain.

Je lis sur le verso du bandeau entourant le livre : J’ai écrit Sale Gosse avec des histoires vraies. Les personnages existent. Je les connais. Cela se veut être une accroche. À la réflexion c’est une des pistes pour expliquer cette curieuse impression de faiblesse de ce livre. Un paradoxe s’agissant du récit de violences. Car j'ai souvent eu la sensation de lire un documentaire plus qu'un roman. Il ne faut pas manquer de lire (P. 348) la genèse du bouquin, qui bien entendu force le respect. 

Pardonnez-moi, le premier film de Maïwen, pas le dernier

( article mis à jour en novembre 2011)

J'ai découvert ce long métrage récemment au cinéma dans le cadre d'un cycle sur les secrets de famille. L'actrice a fait un excellent travail qu'il ne faut pas oublier. Je remets sans cesse l'écriture d'une critique en me disant que ce n'est pas tant que çà d'actualité. Du coup je fais passer d'autres urgences sans cesse avant.

Mais voilà maintenant que c'en est devenu une, d'urgence. Parce que je viens d'apprendre que Maiwen va présenter un film au Festival de Cannes. Et je suis ravie pour cette talentueuse actrice, scénariste, réalisatrice et de surcroit productrice ... à 34 ans.

Et puis parce que ce film restera une des dernières apparitions au cinéma de Marie-France Pisier et qu'elle y était exceptionnelle bien sûr en mère égocentrique et manipulatrice.

Pardonnez-moi sur Comme Au Cinema

On commence à entendre des choses troublantes sur les circonstances du décès de l'actrice. Quelle que soit la vérité cela nous renvoie à la fragilité de l'existence et à l'absolue nécessité de ne pas s'éloigner des êtres aimés, quitte à risquer la maladresse.

Maïwen montera les marches de Cannes pour présenter Polisse, son troisième long métrage (elle avait tourné le Bal des actrices en 2009) où elle joue avec Joey Starr, Riccardo Scarmarcio, Karin Viard, et Marina Foïs. On dit qu'elle est restée dans le même type de réalisation, avec des moyens techniques ultra discrets, des petites caméras et un plan de tournage léger.

C'était ce dispositif qui faisait de Pardonnez-moi un film choc, que les spectateurs ingéraient souvent au premier degré, buvant toutes les paroles comme s'il s'agissait d'une autobiographie à l'allure d'une confession. C'était du cinéma, certes inspiré par des faits réels, mais une fiction tout de même.

Pardonnez-moi pourrait être le dernier cri de Marie-France Pisier. L'expertise de son téléphone portable révèlera peut-être un message de cet ordre.

Maïwen signe son film de son seul prénom, parce qu'elle s'en ait fait un nom. Elle y interprète le rôle de Violette, ce qui signifie clairement que Violette est un personnage. C'est Violette qui déclare vouloir faire un documentaire. Maïwen, elle, ne tourne pas un docu mais un vrai film.

Tout réalisateur met un peu de lui dans ses œuvres. Maïwen ne fait pas mystère en interview de son passé d'enfant battu. La resemblance s'arrête là. Elle n'a pas deux sœurs (comme Violette) et sa sœur n'a pas deux papas. Le tournage n'a duré que 17 jours, insuffisant pour mener une grossesse. Les prothèses de silicone sont très réalistes, n'est-ce pas ? (Claude Perron, alias Suzanne, épouse de Michel Blanc, utilise le même artifice dans le film de Jennifer Devoldere, Et soudain, tout le monde me manque).

Et si le public s'y trompe c'est que la réalisatrice a magistralement réussi son coup. Car la fonction du cinéma est de rendre le scénario plus vrai que vrai. Maïwen est une formidable interprète puisqu'on la croit sur paroles, réalisatrice surdouée qui a provoqué les félicitations de Luc Besson avec Pardonnez-moi, excellente directrice d'acteurs. Sa méthode consiste à leur donner suffisamment peu d'indications pour qu'ils soient contraints à improviser (d'où un renforcement du ton confessionnel des dialogues). C'est aussi une productrice engagée qui a eu le cran d'investir ses fonds propres au mépris de toutes les mises en garde de la profession.

La marque de fabrique de Maïwen c'est la mise en abime. Elle juxtapose les flash-backs et les points de vue avec une grande maitrise, faisant varier le cadre, jouant avec la caméra, interpelant l'œil du spectateur qui ne peut rien louper d'essentiel. Le comble est atteint avec l'incise d'archives familiales (bien réelles), vidéos ou photos, provoquant une alternance entre la couleur et le noir et blanc.

Sans jamais tomber dans la sensiblerie, et avec un certain humour dans le choix des extraits (incroyable formule de la petite Maïwen répondant à la question du métier qu'elle souhaite faire plus tard : " je crois que comédienne, c'est ce que je fais déjà, non ? "

Elle pratique aussi la citation avec discernement. Elle emploie les trois petites notes de musique de la chanson d'Yves Montand pour dater la première séquence souvenir. On entrevoit l'affiche du film de Maurice Pialat Merci la vie et on entend la musique de la Boum sur la scène rêvée du mariage.

Certes il y aurait beaucoup à pointer sur la violence des échanges entre les personnages. Quand l'amour paternel entre dans le crane à grands coups de baffe les rapports aux autres sont faussés dès le départ. On peut alors trouver davantage de valeur à recevoir un pain fait main, que son père a mis deux heures à préparer, qu'à marcher sur le chemin de roses que son fiancé a tracé. Peu importe la symbolique de la main et du pain (prendre un pain), peu importe la question qui nous taraude de savoir s'il n'y aurait pas une forme de fierté à avoir été un enfant battu et être resté solide, à l'instar du soldat qui revient vivant de la guerre.

Maïwen témoigne que si on ne peut rien oublier il est néanmoins possible de "recycler" le passé. On peut attendre avec bonheur le film qui sera présenté à Cannes.

Pour lire la critique de Polisse, le film présenté au Festival, et que j'ai trouvé formidable, c'est là.

Jeanne du Barry, un film réalisé par Maiwen

J’ai lu quelques critiques sévères sur Jeanne du Barry, venant de personnes qui n’avaient pas toutes vu ce chef d’œuvre, car c’est le terme qui convient, et qui se permettaient de juger le casting.

Quelle chance pour Maiwenn, malgré les soucis que cela occasionna, que les deux stars françaises aient décliné le rôle de Louis XV, l’un par mépris, l’autre pour raison de santé (elle tait leur nom, et elle a bien raison, ce serait leur faire de la publicité). Ils doivent se sentir aujourd’hui stupides. Sans eux, le casting est de haute précision avec Johnny Depp (qui joue pour la première fois en français) et qui en impose par un simple regard, aux côtés de Benjamin Lavernhe (formidable premier valet de chambre du roi), Pierre Richard, Melvil Poupaud, Noémie Lvovsky, Pascal Greggory ou encore India Hair. Des acteurs qui portent de vrais rôles et qui ne font pas de la figuration. Et bien sûr Maiwen, absolument parfaite, capable de nous surprendre en nous faisant rire … ou pleurer.

Si pour certains plans elle porte des robes fantastiques (dont certaines ont été faites par les ateliers Chanel qui a largement aidé la production) et des coiffures inouïes, pour d’autres, elle est au naturel, comme sur cette photo que j’ai choisie pour illustrer l’article car elle résume toute la sensibilité qu’on découvre dans ce biopic très particulier.

Jeanne Vaubernier, fille du peuple avide de s’élever socialement, met à profit ses charmes pour sortir de sa condition.

Son amant le comte Du Barry, qui s’enrichit largement grâce aux galanteries lucratives de Jeanne, souhaite la présenter au Roi. Il organise la rencontre via l’entremise de l’influent duc de Richelieu. Celle-ci dépasse ses attentes : entre Louis XV et Jeanne, c’est le coup de foudre…

Avec la courtisane, le Roi retrouve le goût de vivre – à tel point qu’il ne peut plus se passer d’elle et décide d’en faire sa favorite officielle. Scandale : personne ne veut d’une fille des rues à la Cour. Il va donc d’abord falloir lui trouver un mari.

Je veux bien comprendre qu’on n’apprécie guère ce film si on a aimé Les trois mousquetaires. Ici, c’est tout le contraire. De longs plans séquence qui laissent au spectateur le temps de s’imprégner des lieux et des intrigues. Versailles apparaît comme on le voit rarement, dans un océan de verdure. L’emploi de la pellicule 35 mm (Kodak, toujours formidable en terme de rendu des couleurs) confère une dignité aux images. Les costumes, les coiffures et les maquillages sont exceptionnels.

Les décors sont majoritairement versaillais où l’on ne peut tourner que le lundi, en extérieur, dans la Chapelle Royale, la Galerie des Glaces et le salon Hercule. Si bien que certaines scènes ont été enregistrées à Vaux-le-Vicomte, dans le Grand Salon, la bibliothèque, la salle des buffets et le Salon des muses, ainsi que quelques jardins et la forêt. Bien entendu les banquets, éclairés à la bougie ont dû être reconstitués en studio. Et de très belles campagnes évoquent la Lorraine natale de Jeanne.

Maiwenn explique que son intérêt pour Jeanne est né en 2006 de la projection du film de Sofia Coppola, Marie-Antoinette où Asia Argento interprétait Madame du Barry. Elle découvre alors la trajectoire d’une héroïne qu’elle n’hésite pas à qualifier de " looseuse magnifique qui court à sa perte." Elle se sent probablement des points communs avec son personnage principal, dont elle ne pourrait confier le rôle à personne d’autre qu’elle. Elle n’a pas de mal à mettre dans Jeanne toute la sensibilité qui la caractérise, autant que sa témérité, et son aversion pour les conventions superficielles. Il faut voir avec quelle malice elle nous rappellera plusieurs fois l’usage imposant de ne jamais tourner le dos au roi.

Elle n’a alors de cesse de se documenter et d’écrire elle-même un scénario. Elle va mettre des années à concrétiser son rêve. Cinq longs-métrages plus tard, après Pardonnez-moi (2006), Le Bal des actrices (2009), Polisse (2011), Mon roi (2015) et ADN (2020) elle sort de sa zone habituelle, abandonnant les tournages nerveux se nourrissant d’improvisations. Cette fois tout est prévu d’avance, même si elle acceptera plusieurs suggestions faites par Johnny Depp, car si elle est sérieuse, elle n’est jamais rigide.

Avec le courage, le sérieux et la volonté qui la caractérisent, elle va nous raconter l’histoire incroyable et pourtant exacte (à quelques détails près) d’une héroïne en but à la misogynie exercée surtout par d’autres femmes, quoique le comte du Barry ne soit pas en reste question violences conjugales (et sur ce point Maiwenn nous a déjà démontré avec Mon roi que le sujet lui tenait à coeur). C’est un peu Cendrillon harcelée par les filles du roi caricaturées en Anastasie et Javotte. Les références à l’univers du conte, mais du conte qui se termine mal, sont subtiles et justifient le recours à une voix off pour lier les séquences qui s’organisent selon un classicisme revendiqué.

Plusieurs sont marquantes, par leur violence (la scène la montrant lire dans sa baignoire, ou l’examen gynécologique préalable à sa validation comme candidate à devenir la maîtresse du roi), par leur humour (le lever du roi, le patinage dans la Galerie des glaces), par leur force sociale (l’arrivée de Zamor), par leur fougue (la montée des marches comme s’il s’agissait d’escalader une pyramide), par la force des émotions (la mort d’Adolphe ou celle du roi où Maiwenn est déchirante), par leur lyrisme aussi …

Le geste artistique est toujours justifié. C’est peu dire que je trouve l’ensemble cohérent et réussi. Aussi fort que Polisse, dans un tout autre registre.

Voilà un film historique tourné comme si c’était une histoire contemporaine. Qui, de plus réhabilite une personnalité qui, jusque là n’avait été vue que comme la favorite d’un roi et non une femme audacieuse et sincère dans un monde où la vanité est la valeur dominante, de grande éducation, capable de respecter des usages qu’elle ne comprend pas, érudite, lectrice assidue, artiste, esthète, mécène, capable de lancer des modes, libre et authentique.

Jeanne du Barry, un film réalisé par Maiwen

Avec Maiwen (Jeanne), Johnny Depp (Louis XV), Benjamin Lavernhe (La Borde, valet du roi), Pierre Richard (Duc de Richelieu), Melvil Poupaud (Comte du Barry), Noémie Lvovsky (Comtesse de Noailles), Pascal Greggory (Duc d’Aiguillon), India Hair (Adélaïde de France), Robin Renucci (Monsieur Dumousseaux), Diego Le Fur (le Dauphin), Ibrahim Yaffa (Zamor) …

Scénaristes : Maiwenn, Teddy Lussi-Modeste, Nicolas Livecchi

Directeur de la photo Laurent Dailland (qui avait fait le si réussi Aline)

Scripte Marion Pin - Montage Laure Gardette

Décors Angelots Zamparutti - Costumes Jürgen Doering - Coiffures John Nollet

Narration Stanislas Stanic

(Photo Stéphanie Branchu pour Le Pacte)

Une autre vie d'Emmanuel Mouret

On savait, au moins depuis Polisse, que JoeyStarr pouvait être un acteur prodigieux. Une autre vie en fait une nouvelle démonstration.

Je parlais de ce film il y a quelques jours avec des personnes qui, ne l’ayant pourtant pas vu, lui reprochaient d’interpréter le personnage de Jean sur un registre où il semble se contenir. Comme si c’était un défaut de  jouer avec « trop » de retenue !

Si je suis le raisonnement de ces gens là, Bourvil s’est fourvoyé dans le Cercle Rouge …

Jean est électricien. Je les entends penser qu’il n’est qu’un "manuel". Il aurait pu, on le comprend à demi-mots, devenir musicien mais la vie en a voulu autrement et il semble ne pas souffrir de la modestie de sa position sociale.

Le coup de foudre provoqué par sa rencontre avec Aurore (Jasmine Trinca) passe presque inaperçu. La pudeur avec laquelle cet homme exprime ses sentiments est extrêmement touchante. Rien que la petite phrase, d'apparence si banale, j'aime bien ta chemise ... résonne comme une déclaration. Il vit en couple avec Dolorès (Virginie Ledoyen), laquelle par contre entend bien faire valeur ses droits par tous les moyens. Et lorsqu’il faut assumer … il assure.

Le sujet du triangle amoureux n’est pas nouveau. C’est son traitement qui est ici un peu différent. Le trio vit le drame sans un cri, et bien malin le spectateur qui peut affirmer lequel souffre le plus.

A ceux qui pointent la banalité (hélas) de la femme trompée on répondra qu’il est plutôt original qu’elle ne soit jamais dans la position de la femme bafouée. La légitime se glisse dans la peau d’une manipulatrice aussi facilement qu’elle enfilerait une combinaison de cuir noir.

Très vite l’atmosphère exhale un parfum de thriller, catalysé par la lecture gourmande du roman de Patricia Cornwell, "Trompe-l'œil" de Patricia.

La progression dramatique englobe les personnages apparemment secondaires, comme celui de Claudine (Ariane Ascaride) dont le poignet est évocateur d'un passé douloureux ... La vie du père fait  soudainement écho à la situation présente. On devine que l’histoire pourrait se répéter.

Les pins maritimes aux troncs tourmentés, presque entrelacés, composent un écrin romantique qui s’accorde avec la mélancolie de certains passages musicaux.

Une autre vie est un éloge à la vertu. Emmanuel Mouret pose la question de la raison et du pardon, ce qui n’est pas fréquent par les temps qui courent. Le seul reproche que je lui ferais tient à sa construction avec un enchainement de flashbacks qui nous égarent un peu et dont je n’ai pas compris l’utilité.

On vous croit, le premier film de Charlotte Devillers et Arnaud Dufeys

On vous croit aurait bien mérité de figurer dans la compétition longs-métrages de Paysages de cinéastes mais le thème de cette année étant un cinéma de femmes la co-réalisation avec un homme le plaçait hors course.

Nous avons malgré tout eu la chance de le découvrir en avant-première et il a bouleversé le public.

Infirmière de formation, Charlotte Devillers s’est lancée dans la réalisation avec Arnaud Dufeys pour qui il s’agit aussi d’un premier long-métrage. Cinéaste et producteur, il a reçu des prix internationaux pour ses courts métrages, notamment Un invincible été (Berlinale 2024). Il travaille actuellement sur deux autres longs métrages : Faire surface et Les caniculaires.

Nous sommes en Belgique où certaines procédures sont légèrement différentes de ce qui se fait en France mais on en comprend l’essentiel, une fois que nous nous sommes habitués à l’accent de presque tous les personnages, ce qui ne devrait surtout pas instaurer la moindre distance car le sujet est gravissime. Personne ne peut l’ignorer, notamment depuis le si choquant Polisse de Maiwen, qui remonte tout de même à 2011. Et pourtant le public s’étonnait de la mention des statistiques à la fin du film, et qui, là, concerne directement nos enfants avec des chiffres qui sont, je le pense, en deçà de la réalité : En France chaque année 60 000 enfants sont victimes de violences sexuelles. Dans 81% des cas l’agresseur est un membre de la famille et c’est le père à 27%. Une plainte n’est déposée que dans 12% des cas d’inceste. Et seulement 1% fait l’objet de condamnation. (Source CIIVISE rapport novembre 2023).

Les familles protègent leur progéniture des rôdeurs et des prédateurs (qui font cependant la une des journaux) mais les mettent beaucoup moins à l’abri des désirs des proches. Il est donc évident que le danger est surtout intra-familial. Mais cette réalité est si dérangeante que même des professionnels de justice ont du mal à l’intégrer. Voilà pourquoi On vous croit est un film qui doit être largement distribué.

D’ailleurs la projection était synchrone d’une manifestation de femmes à Paris pour dénoncer que la garde des enfants maltraités soit quasi systématiquement accordée aux pères violeurs, au nom du sacro-saint principe de présomption d’innocence, ce que nous disait déjà Céline Salette, venue présenter l’année dernière au festival son premier film, Niki, dénonçant l’inceste que la peintre avait subi de son père, et surtout je dirais le déni du psychiatre qui va jusqu’à brûler la lettre d’aveu du violeur. La réalisatrice affirmait son intention de travailler le sujet en faisant un documentaire, afin d’avoir plus de poids dans la démonstration pour ébranler les consciences.

Charlotte Devillers et Arnaud Dufeys ont à l’inverse estimé que la fiction serait plus forte. Il faut dire que leur méthode consistant à rassembler acteurs professionnels (pour incarner les membres de la famille) et des personnes dont c’est le métier d’être avocats apporte cette dimension de réel qui est utile pour faire entendre ce qu’on a tendance à nier, et que résume parfaitement Alice, la maman des deux enfants concernés : Je pensais que nous serions protégés par la justice mais on dit que mes enfants et moi nous mentons plutôt que croire en ce qu’on a vécu.

La réalisatrice s’est aussi appuyée sur son expérience de femme, de mère et d’infirmière travaillant avec des victimes de violences sexuelles. Elle a beaucoup observé et écouté des patients, ce qui a nourri l’écriture comme la mise en scène et a su saisir les aspects les plus intimes de la réalité du tribunal de protection de la jeunesse. On ne peut plus attendre encore des années que les choses bougent et on espère que le cinéma aura ce pouvoir. La littérature en tout cas s’y emploie activement. Je ne citerai que La familia grande de Camille Kouchner, My absolute darling de Gabriel Tallent, L’enfant réparé de Grégoire Delacourt ou Triste tigre de Neige Sinno …

Ça démarre avec une musique stressante comme des coups de poing. Hormis une première scène dans la rue, le temps de prendre un tramway pour se rendre au Tribunal de la jeunesse, et la dernière scène, tout se déroule dans une unité de temps et de lieu, dans le bureau de la juge. Ces scènes d’introduction et de conclusion sont construites de manière à nous immerger dans le parcours émotionnel de la maman, entre son sentiment initial de culpabilité et la réappropriation de son rôle de mère à la sortie de l’audience.

Le spectateur comprend qu’après quatre années de procédures, Alice va aujourd'hui jouer sa dernière carte devant une juge. La garde de ses enfants est remise en cause et elle doit les défendre pour les protéger de leur père avant qu’il ne soit trop tard. Il dispose d’un indice de taille, le titre du film On vous croit, mais sans avoir la certitude que ce "vous" inclut la mère et ses enfants. Ce pourrait tout aussi bien être le père. Les dialogues sont tellement bien écrits qu’on tremble jusqu’à la fin et que même à ce moment là on n’éprouve pas encore de soulagement.

Ce titre était là depuis l’origine du projet. C’était déjà un slogan qu’on pouvait lire dans la rue, tagué sur les murs en Belgique. Il est tout autant une marque de soutien et de reconnaissance à l’attention de toutes les victimes qu’une invitation pressante à considérer davantage la parole des enfants et des mères protectrices. Et ceci sans jugement de valeur puisque la mère elle-même reconnaît que dans un premier temps, elle a préféré ne pas y croire. "C’était trop violent. Trop inimaginable pour moi ".

Les enfants sont émouvants. La perception que nous avons du père est ambivalente. Laurent Capelluto (qui a hésité avant d’accepter ce rôle dans un contexte de prise de conscience collective en ce qui concerne les agressions sexuelles) parvient à nous faire douter, et sa détresse est palpable lorsqu’il réalise l’impact de ces actes par le fait qu’il ne peut plus offrir de cadeaux à ses enfants.

La mère est poignante. C’est un rôle sur mesure qui a été critique pour Myriem Akheddiou, avec laquelle Arnaud Dufeys avait déjà travaillé. Les avocats sont plus vrais que nature, terrifiants de rhétorique et d’éloquence. La juge doit constamment recadrer les interventions sans pour autant laisser paraître son opinion. Les dialogues sont très forts, alimentant une tension croissante au fur et à mesure des interventions, avec des révélations progressives. La caméra nous place en tant que témoin et juge de cette famille dont nous avons une seule certitude : elle est dysfonctionnelle. De très gros plans nous font ressentir la pression subie. Parfois le mari et son avocate sont flous, alors que madame est nette, mais muette. De longs silences nous font vivre une angoisse abyssale. On ressent tout à fait la peur de la mère. On est saisi par la scène centrale qui est une prise continue tournée en temps réel pendant 55 minutes, principalement en gros plan sur Alice qui subit la prise de parole des autres sans pouvoir intervenir. Et sa propre prise de parole dure tout de même environ 25 minutes. On est également perturbé par les conclusions de l’avocat des enfants qui semble caricatural tant il est dangereusement à côté de la plaque. On tremble que la juge ne le suive dans ses conclusions.

La solitude de cette magistrate est troublante. C’est néanmoins une figure féminine progressiste qui laisse la parole de manière prolongée et égalitaire à chacun, en empêchant les rapports de force et d’intimidation. Pour se préparer à ce rôle Natali Broods  a assisté à plusieurs audiences qui lui ont permis de s’imprégner de la gestuelle et des comportements caractéristiques, et elle a aussi rencontré une juge avec laquelle elle a pu échanger. Son jeu témoigne de la conscience de l’importance d’écouter la parole, de laisser s’exprimer les émotions et de recadrer les débordements de manière douce et respectueuse. Elle incarne l’importance de faire bouger les lignes dans une institution comme la Justice, où les évolutions se font souvent de manière lente et complexe. Et sans remettre en cause la présomption d’innocence il importait de montrer l’importance principe de précaution.

Il faut espérer que ce film puisse mettre en lumière la nécessité d’adapter les procédures judiciaires en matière d’abus sexuels sur mineurs, notamment en raccourcissant le processus. La longueur, la répétition et la multiplication des procédures judiciaires ne peuvent qu’amplifier les traumatismes. Les enfants n’ont pas le même rapport au temps que les adultes et les quatre ans qui sont mentionnés ici sont beaucoup trop longs. On en voit les conséquences médicales (Etienne est quasiment déscolarisé suite à une encoprésie majeure), l’ampleur du sentiment de révolte et surtout la fragilisation du lien entre la mère et ses enfants. Il est crucial d’admettre que pour protéger les enfants, il est essentiel d’épauler la personne qui les défend et les soutient.

Voici pour finir une suggestion de lecture avec le livre Défendre les enfants, écrit par le juge français Édouard Durand.

On vous croit, écrit et réalisé par Charlotte Devillers, Arnaud Dufeys

Avec Myriem Akheddiou (Alice, la mère), Laurent Capelluto (le père), Natali Broods (la juge), Etienne Ulysse Goffin (Etienne), Lila Adèle Pinckaers (Lila), Alisa Laub (avocate de la mère), Marion de Nanteuil (avocate du père), Mounir Bennaoum (avocat des enfants)

Festival de Berlin 2025 – Sélection Perspectives Mention Spéciale du Jury
Prix Sang Neuf, Prix Jury Jeune, Prix exceptionnel d’interprétation, Reims Polar 2025
Prix du Jury Pass Culture
Prix du Jury Jeune et Grand prix du Jury Festival Cinécitoyen de Vannes
Coup de coeur du Pass Culture
Prix du public Solveig Anspach, Ciné rencontres de Prades
Prix du public et Prix du jury 13 eme édition du festival Melies de Montreuil
En salles à partir du 12 novembre 2025

Scènes de violences conjugales

(mise à jour 6 août 2016)

Vous verrez ce spectacle à la rentrée. Il est notamment programmé à La Tempête pour un mois à partir du 11 novembre 2016 (mais il figure aussi dans la programmation de la Mousson d'été dimanche 28 août à Pont-à-Mousson). J'ai eu l'opportunité de le découvrir au Théâtre le Colombier de Bagnolet, peu de temps après sa création (à Romainville).

Rachida rencontre Liam. Annie rencontre Pascal. Rachida et Liam sont jeunes, issus d’un milieu violent et précaire. Annie et Pascal sont au milieu de leurs vies, issus respectivement de classe moyenne et bourgeoise, tous deux en voie de précarisation. Ils emménagent ensemble dans un meublé, et petit à petit, la violence conjugale va s’installer entre eux.

Le sujet est fréquemment abordé au cinéma (on se souvient du choc provoqué par Polisse), au théâtre (Gelsomina) ou en littérature (La Pudeur des sentiments par exemple).

J'ai le sentiment sur ce thème des violences conjugales tout a été dit. On sait qu'une femme meurt tous les trois jours des coups portés par un homme. On sait que ces violences peuvent toucher aussi les hommes (mais beaucoup moins). On sait aussi que dans chaque classe, de chaque école française, il y a en moyenne 2 enfants victimes d'inceste. On sait. Et pourtant rien ne change. Parce que les actes se déroulent dans la sphère de l'intime. Il sont donc recouverts en quelque sorte par une cape d'invisibilité.

Autant passer au feu rouge est sanctionné autant les infractions de type violences conjugales ne le sont pas systématiquement. Pas vu, pas pris.

Scènes de Violences Conjugales est né du désir de travailler sur ce sujet, pour y décrire la violence faite aux femmes telle qu’elle se pratique aujourd’hui dans le monde, et dont personne n'est à l'abri, dans aucun milieu social. Violences physiques, psychologiques, sexuelles, économiques, administratives, et sociales.

Ce qui a motivé Le Perdita Ensemble à travailler sur ce thème est de démontrer que ce n'est pas une fatalité. Le collectif, installé 14 rue de la convention aux Lilas (93260) est un ensemble d’acteurs, scénographes, administrateurs, diffuseurs, techniciens, musiciens réunis autour de l’écriture de Gérard Watkins, (photo ci-contre) qui en assure la direction artistique depuis 1994. 

Il est allé avec les acteurs à la rencontre de personnes impliquées dans ces souffrances pour se "remplir du sujet" diront les comédiens. A partir de 5 à 6 semaines d'improvisations, d'un travail à la fois intérieur et physique, réaliste et musical, mélangeant récits narratifs, souvenirs, et scènes vécues en direct, le Perdita Ensemble propose une réflexion à cœur ouvert sur les origines de cette violence, et sur sa méthode. Comment elle s'installe, s'insinue, se déploie, et perdure. Elle propose aussi une porte de sortie, par le travail, la parole et l’écoute de l’autre, en suivant à la trace le difficile parcours vers la libération de ses deux héroïnes.

Ils auraient pu monter un spectacle documentaire. C'est un spectacle, tout court. Militant certes, mais avant tout artistique.

J'ai assisté à une représentation dite scolaire et je peux dire que je n'ai pas entendu une mouche voler. Si la discussion qui a eu lieu ensuite était conforme aux clichés, les garçons assis d'un coté, les filles de l'autre, les échanges furent qualitatifs et respectueux.

J'ignore si le théâtre est un vecteur de message, et d'ailleurs quel message. On ne se méfie pas de quelqu'un qu'on aime. Ne dit-on pas fou d'amour ? Le noeud du problème, l'explication (car toute personne sensée veut comprendre) est que la victime est persuadée d'avoir le pouvoir de guérir son agresseur à force de patience, de compréhension etc ... alors qu'il n'y a qu'une réponse possible : partir, le quitter, laisser tomber l'affaire.

Comment mettre en oeuvre un tel projet quand on a rêvé de bâtir un foyer, d'avoir des enfants (qu'on en a le plus souvent) ? On peut s'écarter du violent que l'on croise dans la rue ou le métro, pas de celui qui partage nos jours et nos nuits, toutes nos nuits.

Mais revenons au spectacle. Quoiqu'on ait pu vivre ou subir dans le domaine des violences conjugales (ou du harcèlement dans le monde du travail, qui a beaucoup de points communs) on assiste à une vraie représentation, et une remarquable interprétation, toute en nuances, ponctuée par une musique qui est jouée sur la scène, en direct.

Les comédiens incarnent si bien leurs personnages qu'on oublie qu'on est au théâtre. Le dispositif en trifrontal induit la proximité avec les spectateurs qui se sentent très impliqués. La mise en scène est conçue en conséquence. Le spectacle est bâti en trois temps : la rencontre, l'escalade puis la thérapie. Jusqu'à permettre au public de réaliser que comprendre n'est pas pardonner.

Un dossier pédagogique a été élaboré avec l’aide d’Amandine Maraval, chargée de mission au droit des femmes à la Ville de Bagnolet, et de ses conseillères conjugales, afin de sensibiliser les jeunes dés le lycée.

Le lendemain du spectacle je lis dans la presse :

Un homme de 53 ans a été condamné lundi à un an de prison avec sursis par le tribunal correctionnel de Poitiers pour avoir endommagé, à l’aide d’un pied-de-biche, le pavillon de son ex-femme à Chenevelles (Vienne), rapporte France Bleu Poitou. Son coup de rage a fait tellement de bruit qu’il a réveillé les propriétaires et les voisins qui se sont demandés "comment un homme tout seul peut réussir à détruire une maison". Il a fallu plus de trois heures aux gendarmes pour tenter de convaincre le forcené de descendre de la maison en ruine afin de l’interpeller. Cet homme avait déjà  été condamné pour des dégradations en 2011.

Scènes de violences conjugales
Texte, mise en scène et scénographie de Gérard Watkins
avec Hayet Darwich, Julie Denisse, David Gouhier, Maxime Levêque, Yuko Oshima
Musique Yuko Oshima
28 août 2016 à l'espace Pablo Picasso de Pont-à-Mousson
11 novembre au 11 décembre 2016 au Théâtre de la Tempête
7 au 11 février 2017 au Théâtre National de Bordeaux en Aquitaine
10 mars 2017 à l’Espace 1789 de Saint-Ouen

Les photos qui ne sont pas logotypées A bride abattue sont de Alexandre Pupkins

La tête haute, d'Emmanuelle Bercot

La tête haute a été projeté en ouverture du 68ème Festival de Cannes en même temps qu'au Rex de Chatenay-Malabry (92), qui colle si souvent à l'actualité, quand il ne la précède pas.

Emmanuelle Bercot était venue y présenter en avant-première son premier film il y a dix-huit mois, Elle s'en va, déjà tourné avec Catherine Deneuve. Elle nous avait révélé que son prochain projet se situait dans un univers radicalement différent, celui de la délinquance, à travers le point de vue d'un juge pour enfants et d'un éducateur. Elle disait s'être inspirée cette fois d'un oncle éducateur qui organisait des séjours de rupture avec des jeunes.

Il y a peu de points communs entre les deux films, hormis la présence de Catherine Deneuve, dans deux rôles d'ailleurs très différents. Mais est-il nécessaire de chercher des ressemblances entre eux ? Par contre on en trouve, indéniables avec Polisse, le film de Maïwen, dont Emmanuelle Bercot a d'ailleurs co-signé le scénario et avec Mommy, ce qui devrait plaire à Xavier Dolan, membre du jury cannois.

Emmanuelle Bercot réalise là un film très personnel, en traçant la trajectoire chaotique d'un jeune en mal d'insertion avec un regard somme toute plutôt positif.

Le résultat doit beaucoup aux acteurs qui portent littéralement le film. On citera en premier Catherine Deneuve qui excelle dans le rôle de la juge toujours humaine et optimiste malgré les prises de conscience qui s'évanouissent, réaliste quant à la possibilité d'influer le cours d'un destin, sachant parfaitement qu'on ne fait pas de miracle sans l'assentiment des parents.

Sara Forestier campe une mère franchement caricaturale, que le spectateur pourra croire exagérée. Il en existe malheureusement beaucoup comme elle, fatiguée de suivre leur enfant délinquant depuis qu'il sait marcher. Il est facile de conclure qu'avec une autre maman le jeune Malony aurait poussé autrement. La sienne est immature et incapable de lui donner un cadre. Ce seront donc la juge et l'éduc (comme on dit) qui vont s'y coller. Et c'est pas gagné. Parce que chacun a ses fêlures, et l'éducateur (Benoit Magimel) n'y échappe pas même si ses blessures ne sont qu'esquissées.

S'il y a une réplique que le public doit retenir c'est bien : on n'est pas là pour t'aimer, on est là pour t'aider.

Il n'empêche que s'il y a une circulation de sentiments les choses connaitront peut-être une accélération. C'est d'ailleurs sans doute la détermination du personnage de Tess, interprété par Diane Rouxel qui concourt à mettre Malony sur la bonne voie en lui témoignant autre chose que de la violence ou l'excitation de la dérision et de l'interdit.

Malony est l'enfant sauvage qui a poussé comme une herbe folle. Il est magistralement interprété par Rod Paradot dont c'est le premier film, et de toute évidence pas le dernier. On pourrait croire à un documentaire tant ce jeune homme est entré dans le personnage.

Emmanuelle Bercot nous offre un film social mais optimiste, même si beaucoup d'entre vous ne croiront pas à une accalmie durable dans les dernières séquences. En choisissant des musiques classiques elle nous place loin des codes de la violence pour mieux nous la renvoyer. Elle a surtout le mérite de nous mettre le nez sur une réalité qu'il faudra bien un jour se résoudre à panser avec des moyens à la hauteur des problèmes. Car il ne faut pas se leurrer, des juges comme celle qu'interprète Catherine Deneuve ne sont pas légion.

De son vivant, le film d’Emmanuelle Bercot

Emmanuelle Bercot est revenue en 2021 hors compétition au Festival de Cannes avec son film De son vivant. On avait bien cru qu’il ne serait jamais bouclé, notamment à cause de l’AVC de Catherine Deneuve et d’une interruption due au Covid. Ç’aurait été une perte immense. On peut parier que ce sixième film fera date dans l’histoire.

Il raconte, sous une forme inhabituelle, les derniers mois de Benjamin (Benoit Magimel) condamné trop jeune par un cancer du pancréas.

La maladie et la mort imprègnent beaucoup d’œuvres depuis la pandémie, tant au théâtre, qu’en littérature ou au cinéma. A croire que les artistes se sentent plus que jamais une responsabilité à dénoncer ce qui ne va pas.

La réalisatrice aurait pu établir un réquisitoire (comme Catherine Corsini avec La fracture, même si la pulsion de vie y est très forte) ou un drame, le sujet s’y prêtait. Elle a préféré l’angle du mélo pour canaliser les larmes sur autre chose que la maladie. Tous les ingrédients y sont, y compris un fils caché et une histoire d’amour impossible.

L’exagération de la souffrance -pourtant légitime- d’une mère (Catherine Deneuve) face à l’inacceptable est teintée d’humour. Le dévouement d’un médecin (le docteur Gabriel Sara dans son propre rôle) et d’une infirmière (Cécile de France) pour les accompagner sur l’impossible chemin est admirablement filmé au long d’une année de quatre saisons qui commence bien entendu en été, pour accepter quelques pas de tango avec la maladie, faire le ménage sur le bureau de sa vie et comprendre ce que ça signifie : mourir de son vivant.

Emmanuelle Bercot montre un hôpital idéal, non pas parce qu’il guérit les corps mais parce qu’il soigne les âmes, toutes les âmes, celles des patients, de la famille et du personnel soignant. Une telle unité existe, aux USA, financée par des mécènes. Il n’est donc pas irréaliste de rêver un tel cadre. Outre l’argent, car les intervenants ne sont pas des bénévoles, la réussite est conditionnée à un savoir-faire particulier que le docteur Sara a accepté de partager.

Le scénario lui offre l’occasion de témoigner à visage découvert sur ses méthodes et son principe absolu de vérité (même si Emmanuelle Bercot le pousse à faire quelques entorses). Il se refuse à « peindre l’image en rose » pour rassurer le patient ou sa famille. Mais il martèle aussi qu’il ne faut engager « que » la bataille qu’on peut gagner. Je n’en dirai pas davantage car il a abondamment répondu dans la presse aux questions qu’on se pose à son propos, et tout cela est disponible sur Internet.

Le parti-pris du mélo, discutable au demeurant, permet d’éviter l’écueil du documentaire puisque 80% des dialogues sont authentiques. La réalisatrice a en effet entrepris un énorme travail d’enquête préalable en se rendant dans le service hospitalier de son mentor.

Elle est venue avec simplicité répondre sans détour à toutes les questions du public du Sélect d’Antony qu’elle va finir par bien connaître car ce n’est pas la première fois que Christine Beauchemin-Flot (ci-dessous) l’y invite.

Il était aussi intéressant d’attribuer à Benjamin le métier de professeur de théâtre parce que c’est une profession où l’on doit là aussi prendre soin des émotions des élèves. Les scènes de répétition sont des moments très forts qui contrebalancent celles qui sont tournées en milieu hospitalier.

Après La fille de Brest, elle démontre une nouvelle fois son intérêt pour la sociologie de la santé tout en surprenant les spectateurs. Bravo !

De son vivant d’Emmanuelle Bercot

Avec Benoit Magimel, Catherine Deneuve, le docteur Sara, Cécile de France, Oscar Morgan …

Date de sortie France : 24/11/2021

Distribution France : StudioCanal

Quelques autres films d’Emmanuelle Bercot comme réalisatrice : La Tête Haute, Elle s’en va où il est davantage question de joie, de légèreté et d’espérance. Comme co-scénariste, Polisse. Et en tant que comédienne exceptionnelle aussi dans Mon roi de Maïwen.

Journée du patrimoine vivant à l'Hotel Plaza Athénée

Ils ne sont que trois à Paris à pouvoir prétendre au titre de palace. Celui-ci est le Plaza Athénée, dont les corbeilles de la façade débordent de fleurs rouges comme autant de lèvres vermeil, situé au cœur de la rue Montaigne, serti des marques qui font le prestige français.

L’accueil y est feutré. Le hall est intime. Des orchidées virginales se dressent comme des ballerines autour d’une piste de danse inondée par la lumière d’un lustre vénitien. Il y a ici quelque chose d’italien et de new-yorkais. L’hôtel est un lieu de repos et de travail, toujours en mouvement. On y vient aussi pour des réunions de travail au sommet. Ai-je rêvé ou était-ce bien le pas énergique et la poignée de mains décidée de celle qui est devenue la nouvelle patronne du FMI qu'il m’a semblé reconnaître ?

J'y ai passé une demi-journée dans le cadre de la célébration du patrimoine vivant que établissement a décidé de mettre en avant pour la première fois cette année. C'était il y a quelques jours, mercredi 12 octobre. dans ce premier billet je relaterai mes rencontres avec un concierge, le fleuriste, le fruitier, un cuisinier et le directeur du bar. Une autre fois ce seront le chef pâtissier, un sommelier, un maitre d'hôtel et ceux qui ont la charge de l'entretien de ce patrimoine.

Une fois le hall franchi on poursuit sur la droite, par la galerie où sont exposées les œuvres de Christophe Michalak, Champion du Monde de Pâtisserie en 2005, comme des bijoux dans des vitrines parallélipédiques. Les bisounours (qui ont différemment inspiré la cinéaste Maïwen pour le générique de son film Polisse) sont des sucettes de guimauve allégée de chocolat au lait ou d'une couverture de fraise, enrobée d'une fine couche de chocolat à croquer.

La galerie fait officie de salon de thé comme de couloir pour conduire au bar ou à la cour intérieure investie ce jour-là pour témoigner des savoir-faire de la maison.

Les fleurs sont de la première importance. Ce sont elles qui captent le premier regard. Guillaume Henry est pointilleux sur des détails comme le sens de la retombée du phalaenopsis qui est l'orchidée la plus utilisée au Plaza. Elle doit être disposée comme sur la photo et non la tête en bas comme on la voit couramment.

Le fleuriste de l'hôtel prodigue volontiers ses conseils : éviter les rayons directs du soleil sur les bouquets, couper les tiges en biseau à chaque changement d'eau, ajouter quelques gouttes d'eau de Javel pour éviter le croupissement.

Dans ses compositions il évite les lys qui laissent échapper un pollen orange parfois indélébile, et les anthuriums pour leur exotisme qui évoque davantage Punta Cana que le bon chic parisien.

Par contre l'orchidée violette Vanda est la bienvenue. La durée de vie des fleurs est un critère déterminant, minimum une semaine. Les feuillages d'automne ont leur place mélangés à des chrysanthèmes. Ici ce sont, entre autres, des eucalyptus "rouillés" par des projections d'encre spéciale.Dans les chambres, la rose demeure la vedette, avec un minimum de 15 tiges pour le "FL1", nom de code du bouquet de base. Le "FL2" est multifloral sur une base de roses et le FL3 est une version plus haute, avec des orchidées.

Jorge Ferreira est le fruitier du Plaza, un métier qu'il est probablement le seul à exercer sur la place de Paris. Il est arrivé dans l'hotel à 18 ans, après avoir terminé des études de packaging et il a évolué progressivement dans cette maison.

La présentation qu'il a adoptée dans des cageots lui est tout personnelle. Il les décline avec des fruits de saison qui lui sont livrés jusqu'à trois fois par jour. Difficile de faire plus frais. La gamme des jaunes orangés des mirabelles a beaucoup plu aux clients. Actuellement il y a encore de la fraise Mara des bois ... rangée cote à cote comme des pâtes de fruits, avec son pédoncule évidemment et le raisin a été coupé avec son sarment. Son choix de pommes se porte sur la rubinette qui est une variété de terroir.

Autobiographie d'une courgette de Gilles Paris

Autobiographie d’une courgette est un livre qui a été publié aux éditions Plon en 2002 et qui vient de ressortir chez Flammarion, dans la collection Etonnantiss!mes, enrichi d’une présentation et d’un dossier complémentaire réalisés par Marie-Luce Raillard. C’est dans cette version que je l’ai découvert.

Des pluies de malheurs sont tombées dru sur les mômes des Fontaines. Certains sont orphelins. D'autres ont été abandonnés ou leurs parents ont été relevés de leur garde, parfois temporairement. C’est écrit à demi-mot et cela suffit pour deviner que l’alcool, la prostitution, la drogue ou la prison ont fait éclater la cellule familiale.

On apprend vite que Courgette est un garçonnet de 9 ans qui, après avoir accidentellement tué sa maman alcoolique se retrouve en foyer puisque son père a déserté la maison depuis le jour où il est parti avec une "poule". Ce foyer n'est pas un endroit idyllique mais c’est un paradis comparativement à ce que ses pensionnaires ont vécu.

Il y a Simon, dont on comprendra plus tard comment il parvient à savoir tout sur tout le monde, Béatrice, toujours les doigts dans le nez, Ahmed le grincheux qui ne reconnaitra pas son papa lorsqu'il se présentera sans sa barbe, Jujube le gourmand, Alice au visage masqué par ses cheveux, et puis Camille... qui est là comme pour démontrer que le bonheur existe.

Certains vont découvrir la mer pour la première fois, faire l'expérience des sports d'hiver, d'une soirée au cirque, mais surtout recouvrer ce qu'est un vrai esprit de famille. Et si tout va bien, se profile l'adoption au bout du tunnel.

Gilles Paris décrit un monde que les grandes personnes ne parviennent pas à maîtriser, faisant la démonstration que ce n’est pas parce qu’on croit tout savoir qu’on a prise sur le cours des choses. Il s’est glissé dans la peau d’un garçonnet d’une dizaine d’années. C'est donc toujours Icare, alias Courgette qui parle. Les phrases sont longues, bousculées par une syntaxe parfois chaotique, à l’instar de la manière de s’exprimer des enfants. Le récit est au présent. C’est presque un journal de bord, respectant la chronologie des évènements. Il est très dialogué, ce qui place le lecteur en immersion.

Néanmoins l’auteur laisse échapper un niveau de réflexion qui permet d’aller au-delà de ce qui aurait pu s’apparenter à un relevé d’évènements. On retrouve l'attention aux signes de la dépression qui était le sujet principal de son précédent livre, Au pays des kangourous. Simon donne à cet égard une jolie définition : des fois tout semble aller au ralenti et ça s'appelle l'ennui. (p.174).

On sent aussi une critique philosophique de la toute puissance imméritée des adultes et on se surprend à s’arrêter pensivement sur plusieurs phrases prononcées par le petit garçon tant il est vrai que « la vérité sort de la bouche des enfants ».

En voici quelques exemples :

On n’est pas pire que les grandes personnes qui font semblant de savoir. (p. 152)

Avoir une mauvaise vie peut conduire à devenir une femme de mauvaise vie.

L’église, c’est la maison au bon Dieu qui y est jamais. (p. 98)

C’est pas parce qu’on demande rien qu’on sait tout. (p.232)

On serait tenté d’aller fouiller ce qui est autobiographique dans son roman mais l’auteur répond de lui–même à la question en précisant que son enfance a été difficile mais pas malheureuse. C’est peut-être à de rares moments comme celui-ci (p. 232) qu’on le reconnait le plus : Moi, quand je serai vieux, j’aurai toujours dix ans et je poserai toutes sortes de questions idiotes et j’aurai pas une seule ride.

Il aurait pu nous livrer un bouquin plombant. Ce livre est pétri de légèreté et de tendresse ... assaisonné d'un humour fou. J'en ai oublié qu'il s'agissait d'un roman destiné au jeune public. Préface, postface, notes de bas de page pour expliquer les mots un peu ardus, quizz et jeux m'ont rappelé l'âge de la cible.

Maïwen avait abordé le sujet vu du coté de la police avec son très poignant Polisse. Gilles Paris a voulu faire un récit positif, montrant des gosses très solides malgré tout ce qu'ils ont enduré et la masse de soucis qu'ils accumulent dans leur tête, parfois sur leurs corps, à commencer par la branche à cinq feuilles sur les joues. (p.119)

Il met aussi l'accent sur la bonne volonté de tout le personnel qui a en charge ces petits pensionnaires, et c'est une bonne chose de montrer les "zéducs" dans plusieurs facettes de leurs responsabilités. Le Juge aux Affaires Familiales est dans la toute puissance mais il est bienveillant.

Les parents un peu désarmés devant les réactions de leur progéniture trouveront des clés pour mieux les comprendre. Et quelques jeux pour passer de bons moments. Comme celui de la phrase qui tient debout (p.160) ou le jeu du dictionnaire (p.36).

Les illustrations de Charles Berberian apportent un souffle qui  convient lorsqu’on vise un jeune lectorat.

Gilles Paris dirige une agence de communication spécialisée dans l'édition. Il est également l'auteur de Papa et maman sont morts (Seuil, 1991) et d'Au pays des kangourous (Éditions Don Quichotte, 2012) que j'avais chroniqué à sa sortie.

Autobiographie d'une courgette a été porté au cinéma sous le titre de Ma vie de Courgette et remporte un très grand succès.

La fracture, le film de Catherine Corsini

La fracture avait été présentée en compétition dans la Sélection officielle du Festival de Cannes 2021. Le film vient de sortir au cinéma et j’espère que la profusion des propositions ne lui nuira pas car c’est une grande réussite.

Pour l’histoire, mais aussi pour ses dialogues et son interprétation. J’ai plusieurs fois oublié qu’il s’agissait d’une fiction tant la justesse de la situation évoquait le documentaire. Le fait que Catherine Corsini ait beaucoup tourné avec la caméra à l’épaule y est sans doute pour quelque chose.

Raf (Valéria Bruni Tedeschi) et Julie (Marina Foïs), sont un couple au bord de la rupture. Suite à la chute de Raf, elles se retrouvent dans un service d’Urgences où Kim (Aissatou Diallo Sagna) s’apprête à enchaîner sa sixième nuit de garde alors qu’elle est en grève. L’hôpital est débordé et bientôt proche de l'asphyxie en raison d'une manifestation parisienne des Gilets Jaunes. L’arrivée de Yann (Pio Marmaï), un manifestant blessé et en colère, va faire voler en éclats les certitudes et les préjugés de chacun. À l'extérieur, la tension monte. L’hôpital, sous pression, doit fermer ses portes. Le personnel fait tout ce qu’il peut. La nuit va être longue…

Le film commence par une dispute entre les deux femmes. Unilatérale, puisque si la première s’énerve sur son téléphone, l’autre roupille. Les dialogues sont d’emblée cocasses : 

- Comment tu fais pour si bien dormir ?
- Et toi pour envoyer 36 textos en une nuit ?

- Ça part tout seul.

La musique est forte, choquante, annonçant le capharnaüm dans lequel les trois héros vont plonger, surtout deux. Tu crois vraiment qu’il n’y a plus rien à sauver entre nous ? implore Raf qui tente de se raccrocher à sa compagne et qui tombe … Il y a beaucoup de double sens dans ce film. À commencer par le titre qui fait référence à l’accident comme à ce qu’on appelle la "fracture sociale".

La manifestation des Gilets Jaunes est filmée au plus près. Yann semble pacifique. Mais ça dérape. L'homme est transféré aux urgences où il se trouve près du brancard de Raf. En attendant d’être pris en charge, les protagonistes vont faire connaissance. La promiscuité autorise un rapprochement physique, puis social, qui tranche avec la violence palpable, de part et d’autre, qui les dépasse.

La jeune femme qui endosse le rôle de l’infirmière, Aïssatou Diallo, semble plus vraie que nature, excellente comédienne, mais avec des gestes d’une telle sûreté qu’on pense qu’elle a été doublée sur certaines prises. Pas du tout. S’il y a un domaine dans lequel elle débute c’est la comédie. Et elle est épatante de naturel et impressionnante par sa capacité de jeu et à transmettre des émotions. On se souviendra de ce plan où elle répond Très bien (avec les yeux pleins de larmes) à la question anodine Est-ce que ça va ? alors qu’elle pense à son bébé à laquelle elle ne peut même pas accorder quelques minutes pour la soigner.

Plusieurs mondes s’opposent, ou dirons-nous, se rencontrent. Celui, très bourgeois et aisé de Raf et sa compagne, que l'on pourrait dire privilégiées. Celui de Yann qu'un rien pourrait faire basculer dans la précarité. Celui des soignants qui font face avec une détermination inouïe. L’hôpital se casse la gueule, au sens propre, avec un plafond qui s’écroule.

Catherine Corsini rend parfaitement l'ambiance, l'angoisse, l'humanité qui subsiste malgré les problèmes, et le courage aussi.

Le public rit souvent, comment faire autrement ? Comme aux enterrements, nos fous rires (induits volontairement par les situations, visuellement ou par les dialogues) est presque nerveux. Il n'empêche que le message passe. Nous ne sommes pas dans l'univers de la comédie. Un panneau sur lequel la caméra ne s’attarde même pas, informe que l’attente est de 8 à 10 heures pour voir un médecin et remercie les patients de leur compréhension. C'est un élément de décor mais si on est passé par les urgences on sait qu'il existe presque partout. Drôle à pleurer  …

Plusieurs scènes semblent surréalistes mais tristement plausibles. Comme l'accouchement surprise auquel Raf fait face. L'aide que Julie apporte à d'autres blessés. C’est un peu "la démerde".

On voit combien l'hôpital et la société dysfonctionnent. Les comparaisons sont toujours délicates mais j'ai trouvé une puissance comparable à Polisse de Maiwen sorti il y a dix ans (dans lequel d'ailleurs jouait Marina Foïs), avec l'humour en plus. C'est implacable, bouleversant de justesse mais aussi de drôlerie. Valéria Bruni Tedeschi est totalement bluffante et je ne serais pas surprise que le film soit plusieurs fois nominé aux César.

La fracture, réalisé par Catherine Corsini 

Avec Valeria Bruni-Tedeschi, Marina Foïs et Pio Marmaï, Aissatou Diallo Sagna

En salles depuis le 27 octobre

Photos Le Pacte  © Carole Bethuel